西方美术史论文2500字（通用12篇）
无论是在学习还是在工作中，许多人都有过写论文的经历，对论文都不陌生吧，论文对于所有教育工作者，对于人类整体认识的提高有着重要的意义。还是对论文一筹莫展吗？以下是小编帮大家整理的西方美术史论文2500字（通用12篇），仅供参考，欢迎大家阅读。
西方美术史论文 篇1
本学期选修了近代美术史，由于高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识，中学初步学习了有关西方美术的知识，当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习，很少涉及对美术作品的鉴赏。但是对美术的欣赏与鉴赏产生了一定的兴趣，使我选学了西方美术史。通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。首先我想先理顺一下西方美术的发展过程：西方美术在经历了较长时间的原始美术之后，逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术，课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。雕塑师古希腊艺术的灵魂。古希腊的雕塑家们对身体结构的认知，对神态的描摹以及对雕刻技术的运用，都达到了炉火纯青的境界。另外古希腊雕塑具有很强的感染力，比如，雕塑《掷铁饼者》，最初见到这件艺术作品时，我还完全不知道什么是古希腊艺术，但当时依然给我很深的震撼作用，雕塑者给予了这件作品完美的线条，生动的神态，赋予了它神秘的神话色彩，让人一下就置身于这种豪迈的气势中。而古罗马艺术在建筑上成就很高。大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。接下来的中世纪美术由于受到教会的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。可能最初学习钢琴的原因，曾经学习过印象派音乐德彪西的《月光》，再了解美术的印象派时我的印象更加深刻。德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。这种特点跟印象派美术非常相似，印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。
我查阅了各类资料，加上我一些个人的认识和观点，形成了以下的一些看法。“印象派”这个名称不是画家自己取的，1874年4月，几个青年艺术家在巴黎的一个摄影师的工作室举办了”无名画家、雕刻家和版画家协会”的展览，看展览的人很多，但对于这种新风格的绘画却难以接受。因为莫奈展出了一幅名为《日出·印象》的作品，有一个杂志记者就把他们讽刺性地称为”印象派”。印象派画家并没有一个组织或团体，也不是想发起一场艺术运动，但这个展览一出来，他们就被看成了一个有共同艺术倾向的群体，印象派这个称呼就这样被人们接受了，而且还把他们称为印象主义绘画。拂晓时分，一轮红橙橙的太阳缓缓升起，挣扎着冲出平静的水面，奋力地划破浓浓的晨雾，露出自己的面目。朝阳，染红了天空，染红了云彩，染红了水面，染红了画布，染红了我们的视觉。三艘小船，早已扬帆，摇曳缓进，沿水而行，由远及近，慢慢行驶出重雾，渐渐淡入到前景，静悄悄的，好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都，隐约约的，好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。日出而作，日落而息，新的一天开始了。这就是莫奈给我们的《日出印象》。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。
而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。莫奈把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。1892年2月至4月中旬及1893年，莫奈在两次大行动中为鲁昂教堂绘制了30余幅油画。他是从三个不同的位置画的。第一个位置差不多选在教堂的正对面，即一家衬衫店。商店内的工人来来往往，使得他无法工作;他于是又在一家时装店二楼的试衣间安顿下来;由于顾客的埋怨不绝于耳，画家只得用一扇屏风把自己同外界隔开。到了1893年，他又选了第三个地方;这一次，他经常从两个不同的角度同时作画，最多时候同时画14幅画，随着光线和时间的转换而不停地奔波于各帧画幅之间，努力捕捉色调和明暗的变化，树立起其色彩的构架。《鲁昂大教堂》，壮观的建筑形象，完全被强烈的反射光冲淡了，看了令人目眩。建筑物本身的结构似乎被一层厚厚的光所包裹。看上去笔触狂放不羁，实际上是画家在长时间观察后才落笔的。
当莫奈画完鲁昂教堂的连作之后，精疲力竭，视力几乎不能恢复。对太阳光谱如此迷恋，正是这位艺术家的特殊的个性表现。在画鲁昂教堂时，莫奈有时把画架放在鲁昂时钟大街一角的一幢房子里，有时就干脆在大桥的马路上，面向教堂的西大门。从黎明的薄雾画到昏昏目落，不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。庄严的哥特式教堂在他的眼里，成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶，人们已经看不到建筑物本身的结构，只有一层刺眼的复杂的反射光。对莫奈的作品评价最为中肯、理解也最为深刻的当推其多年好友——政治家乔治·克莱蒙梭。乔治在一篇题为”教堂革命”的文章中写道：”灰暗的物体，其本身因阳光的照射而获得生命，获得给人们的感官以印象的能力。但这种围在物体表面、深入其内部、反射至外部空间的光波，始终处于杂乱无章的状态：有时如高耸入云的‘波涛’，有时如风平浪静的‘水花’，有时则像是一场‘急风暴雨’。物体正是依靠这种‘有生命’粒子的狂放不羁才得以显现出来，我们也正因为这种狂放不羁才可以看见物体，同时物体也正是因此才得以显出其确实存在;那么一件东西在光的照射下究竟是什么样子，这是我们现在必须弄清楚的，是画家所要阐明的，也就是通过画家之手来进行化解和重新组合。”
在这五幅《鲁昂大教堂》的画面上，可以领略不同的色彩感觉。从中可以看到莫奈对光和色彩的探索匠心，在光照下教堂的轮廓被冲淡了，显得很微弱，随着光的变化引起色彩的改变，教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。这两幅色调不同的同一教堂所呈现的形象和气质也不一样。画家运用浑厚的笔触层层叠加画法，形成大片的碎块厚涂，使教堂具有分量和体积感，深沉而神秘。在印象派绘画出现之前，法国巴黎乃至整个欧洲画坛，都是以安格尔为代表的所谓新古典主义和派占据统治地位。印象派从精神上是对立于古典传统绘画的，强调创新。创新在什么地方呢?风景、人物、裸体这些题材早已被前人画过几百年了，这些题材是不会触怒古典主义和派的。他们不屑于像宗教和文学那样主题性地再现现实，提出应而随意地表现生活与客观物象，注重画家对于现实情境的自我感受和自觉表现，擅长于对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观的自然再现转向主观的精神表现，以迎合新兴市民阶层审美的需求，努力反映印象派具有绘画独立性的美学观念。
因此，他们的创新主要在于画法以及对于题材的态度，其实，印象派画家并不是反对以自然为师，他们离开画室，采用小尺寸的画框和便于携带的油画布及其他材料，就是到大自然中去转瞬即逝的色彩变化，去寻找宣泄自己情感的方式，去发现和创造自己的思想。正如文艺复兴运动使欧洲从中世纪摆脱出来一样，“印象派”的出现，则标志着艺术家从室内走向了室外，从画面的一种近似于“酱油色彩”的调子走向了色彩斑斓的画面，从古典画法的看不见笔触到现在的自由奔放的笔触，从关注宗教题材到表现乡村题材和平凡生活的变化，从客观再现到主观的精神表现等。20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。它在法国取得了最为辉煌的艺术成就，遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地。以上就是我通过结合西方美术史的学习对印象派美术(主要是莫奈的艺术作品及风格)的一些粗浅见解。短短十个周的学习，使我对美术知识认识还很有限，对画家及其他们作品的评价可能有点片面和不足。但是，完成西方美术史的选修后，再鉴赏外国画家的作品时，不再人云亦云，能够提到自己的观点。这或许就是选修西方美术史后最大的收获吧。
西方美术史论文 篇2
《受胎告知》是常见的宗教题材绘画，描写的是圣经里的故事，故事出自新约·路加福音：一日天使加百列奉神的差遣到拿撒勒，告知已许配约瑟的童女马利亚，她蒙主恩，将产下神的儿子---耶酥，天使加百列奉神的差遣把这个消息告知了玛丽亚。
《受胎告知》赏析4幅，一为安杰利科所作，一幅则出自大师达芬奇之手，还有一幅出自波提切利之手以及简提列斯基的《梅罗德祭坛画》。波提切利(Sandro Botticelli， 1445-1510)，佛罗伦萨画派最独特的大师，代表作《维纳斯的诞生》、《春》，分别在1485、1489-90、1492年三次画过相同题材。第二次是受到银行家贝内多·迪·瓜尔提委托，为且斯提洛附属修道院绘作的祭坛画。颜色鲜艳，人物刻画生动，画中智天使加百列身后是一对半透明的翅膀。另两幅作品中，玛利亚在画面右边，面对着左边的天使，1485年的作品中两人间隔着一道门，但两幅作品构图相似。加百列左手持白色百合花，象征着玛利亚的纯洁。在这幅画面中，天使急急忙忙跑来报信，告诉马利亚怀孕的事，正在看书的马利亚突然听到这个消息，不敢相信，惊讶的站了起来，却又欣喜，在欣喜中有流露出少女的羞涩，躲闪的身躯表达了少女不害羞的心理。作者抓住了这一个瞬间，画面生动活泼，人物的心理自然流露，有种气息在人物之间流通，让人身临其境的感受到天使告知马利亚时的情景。
画面人物姿态轻盈富有动感，形象描绘生动。天使与马利亚的手势相互呼应，使画面有交流感，自然而然地流露人物感情。
这幅《受胎告知》为安杰利科所作，为一幅祭坛画 ，作于1440～1450年间，230×321厘米，现藏于佛罗伦萨圣马可修道院。画面纯洁温馨，使人看起来觉得非常美好优雅。天使抱臂向还是处子之身的马利亚告知她受到圣灵感召而怀了孕。正在看书的马利亚端庄的坐在凳子上，平静的接受这个消息，头微微前倾，专注地听着天使的诉说，马利亚没有对这个消息表现出太多的情感。画面整体给人以优雅温馨的感觉，画面中建筑与人的比例不和谐。不能和你好的将人物融合在景物中。
达·芬奇(Leonardo Da Vinci， 1452-1519)，代表作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》。
这幅《受胎告知》为达芬奇所作，作于1472-75年。加百列左手持白百合跪在画面左边，圣母坐在右边，构图并没有什么创新之处。画面整体以深褐色为主，他选用对称的形式， 画了跪在草坪上传达神旨的天使， 和正悠闲地在庭院读书的马利亚两个形象。这里的天使报喜富有戏剧性。马利亚的神态虽然平静， 左手往后一缩的动作也显露出她内心的惊讶。她似乎不能自恃， 怀疑她是否听错了天使的话。她举起的左手和天使的右手形成和谐的呼应，使画面中人物的交流气息很强烈，使画面升生动，有气韵。美丽的大院字是运用焦点透视法来展现的， 宅院内华贵的建筑以及马利亚跟前的雕花桌子， 显得更加华贵。达·芬奇兴趣广泛，除了绘画，他还对自然科学感兴趣，通过自然科学的方式研究透视学，并在自己的画作中不断试验用透视法描绘真实的世界。圣母衣服的褶皱已经能表现出人体正确的解剖结构和衣服的质感，细腻的明暗表现更让衣皱显得真实、立体。两个人物身上的衣褶流畅自然。人物不能与景物很好的融合在一起，风景与人物的比例并不协调，风景只是人物的背景，无法达到人景交融的效果。这幅画还是会显出一下呆板，与波提切利的相比较来说，不是很生动活泼，没有很强的动感和气韵感。
简提列斯基(Orazio Gentileschi， 1562-1639)是意大利人，他的画形象描绘细腻，不露笔痕，富有质感和量感。起初他是样式主义改革派的代表画家，后追随卡拉瓦乔(Caravaggio， 1573-1610)的画风和选材，没有太多个人建树。后者的作品常被认为是巴洛克艺术的代表，豪华而极富浪漫主义色彩。
这幅《受胎告知》属祭坛画，最初为梅罗德收藏，故又称《梅罗德祭坛画》，全画分三个画面：中间为主体画，描绘天使驾临玛利亚的闺房传达上帝旨意;耳幅分别是供养人英加布列赫特夫妇像和圣徒约瑟木匠像。画面虽工整细腻，但画家并不着意于人物精神刻画，也不紧扣情节表现，天使仅作告知手势，而玛利亚则视而不见，听而不闻地在读圣经。画家更着力于借宗教故事，描绘人物的生活状态和环境道具，真实生动地刻画各种生活用品的质感和环境的空间感，显示出尼德兰传统细。
画面中加百列手持白色百合花单膝跪地，神情安详的圣母俯头聆听天使的教诲。光从画面左上角的窗户射入，一只鸽子出现在窗口。画面优雅动人，人物刻画极其精致华美。画面构图没有特殊之处，人物平实无华，圣母在专注的看书，并没有对突如起来的消息有惊愕的表现 。
西方美术史论文 篇3
西方美术史的教学通常以带领学生们赏析名画作品的方式进行，但名画作品所蕴含的真正意义往往是深层次的、隐约的，并不能让人一眼看穿，因此，学生们在赏析西方美术史上的名画作品时常常会感到无从入手。另外，由于欣赏者的经历、知识修养与情感体验等也不同，因而，即使欣赏者赏析同一幅美术作品，不同的欣赏者肯定会有不同的解释与体会。所以说，鉴赏艺术作品的过程中是存在审美差异性的，即使面对同一幅艺术作品，欣赏者也会出现仁者见仁，智者见智的情况。名画作品中蕴涵的丰富意义引发欣赏者的兴趣，也能激发他们的深入思考与探究。西方美术史课上进行的著名美术作品的赏析不仅能够拓宽学生们的知识领域，促使他们更好地把握史论知识，还能提高他们的欣赏能力与审美能力。赏析名画作品需要做到以下几点：
一、把握名画作品中的典故
西方美术史上的名画作品通常描绘故事情节，正是这些描绘故事情节、记叙历史典故的意蕴丰富的作品才能成为名画作品。自有西方文明以来画家们常常以《圣经》故事、神话传说、历史故事、社会现实等为题材进行作品创作，因此，赏析名画作品时不知道名画作品所要表达与展示的内容，进行作品的欣赏与阐释就很困难了，体会名作传达的深刻含义与弘扬的精神就更困难了。所以说，要想赏析名画作品，体会其中蕴含的深刻意味，必须先把握西方名画作品所处的时代背景与特征、了解名画作品产生的深层原因，进而分析名作的形式与结构特点，把握作品的感情内涵。只有了解并把握了名作中典故的背景知识，才能领悟作品的深刻意蕴。
二、关注名画作品的表现特色
(一)了解构图、光线、色彩的运用技巧
构图规律是画家们系统、整体绘画的法则，众所周知，绘画中最经典的构图样式是金字塔形或三角形构图，西方美术史上很多圣母画像、肖像画等都是根据这种构图形式绘成的。后来西方画家们在这种构图样式的基础上用垂直线条加以装饰自己的作品，这种绘图方法经常被用于意大利的宗教绘画中。除上述经典的构图样式外，还有黄金分割构图、S形构图等多种构图样式。构图法则运用是否得当也体现着一个画家的艺术审美水平。三角形构图中区域的划分基本是在黄金分割构图的基础上进行的;画面中面与线的交叉运用，会使画面中的物体好像有远近、前后、高低之分，给人一种立体感;画面中的斜线以及它的平行线能够增强画面的动势，给人一种韵律感;画面中的物体如果是对称或平衡的，则能够凸显物体的静止静止状态，反之则凸显其运动状态。
绘画中能否取得最佳视觉效果，取决于画面中的物体颜色与画面整体背景的颜色对比是否明显。画面中强光的运用会降低强烈色彩的表达效果，强烈的色彩也会妨碍画作中的光线效果。了解了绘画中构图、色彩、光线、线条等的功能，会提升学生们赏析名画作品的能力，可以形成由表及里地系统分析，还可以加深学生们对西方美术史方面的知识的理解。
(二)了解西方名画中画家意念的表达
西方美术史可谓是人像的长廊，不管是具体的实物，如历史题材、宗教题材等，还是抽象概念，好像都是用人物画像来表达的。即使不是用人像来表达的，也有人的折射。西方名画作品中画面的捕捉以及意蕴的传达，来源于画家对人物的表现与处理。例如，现实主义观念的传达者米勒的名作《晚祷》就可以证明这一理论，画中辛勤劳作了一整天的农民夫妇在黄昏时分听到了从远处的教堂中传来的阵阵钟声，他们便停下手中的活进行虔诚地祈祷。画作中用金黄色这种暖色调来刻画黄昏，显然表达了画家对虔诚的劳动者的无比同情与真诚祝福，传达了画家致力于表现祥和、宁静的乡村景象，展现人性之美。
(三)体悟名画作品中的艺术精神
一个真正的、有担当的画家要有博大的胸怀与高远的志向，要致力于用自己崇高的价值观念去感染观众。文艺复兴时期达·芬奇的著名作品《蒙娜丽莎》在此后数百年的时间内激发后代画家们创作了无数其他的艺术体裁。达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》采用的是经典的金字塔形构图，在人物描绘上力求和现实中的人物保持一致，却又尽量删去现实中人物的缺陷，以追求理想的人性美。西方文艺复兴时期是去神性而表现人性的时期，“人”的自主意识、“人”的世俗观念、“人”追求物欲的权利等在人文主义者的倡导与追求下逐渐显露了出来。这一时期是人性、“人”的文化开始自觉的时期。所以，在教授学生们赏析名画作品时，一定要指导他们学会体悟其中的艺术精神与文化性。
三、结语
名画作品赏析是西方美术史的教学方法之一，本文通过对这种教学艺术的探析，希望美术学专业的学生们不仅要学会理论知识，还要学会感受画作独特的美，并且从中发现形成美的技巧与规律，从而提高他们对绘画艺术语言与形式的感受力，并不断提高他们的审美境界。
西方美术史论文 篇4
摘 要：后现代艺术思想的主要特征是回归性、折衷性、混沌性与多重性，相应地表现在不求纯粹、善待传统、非个人化、多种标准几个方面，如对当代艺术不局限于视觉形式，绘画超越平面限制，雕塑与风景、建筑相结合，对于人类丰富的文化遗产要很好也地加以利用等。后现代艺术一改现代艺术的自我为中心的艺术创作理念，提倡艺术走向社会，贴近生活，强调艺术的社会功能，从而使世界艺术没有明显的界限，达到世界文化的多元，形成一定的全球语境。
一、西方后现代艺术观念
后现代艺术思想的主要特征是回归性、折衷性、混沌性与多重性，相应地表现在不求纯粹、善待传统、非个人化、多种标准几个方面，如对当代艺术不局限于视觉形式，绘画超越平面限制，雕塑与风景、建筑相结合，对于人类丰富的文化遗产要很好也地加以利用等。后现代艺术一改现代艺术的自我为中心的艺术创作理念，提倡艺术走向社会，贴近生活，强调艺术的社会功能，从而使世界艺术没有明显的界限，达到世界文化的多元，形成一定的全球语境。在全球化与多元化语境下。世界各国大力提倡艺术教育，并对艺术教育进行着一系列的改革，后现代艺术观念成为影响现代世界美术教育改革的重要因素之一。后现代主义虽然思想庞杂。但其实质还是追求一种更完美的现代性，期望人的行为更具合理性。因此，表现在现代美术教育改革中，则强调美术与日常生活的联系，强调通过美术教育使学生获得终身受益的美术能力，强调美术教育让学生运用多种手段、多种材料包括声、光、电，进行美术作品的创作，这些都与后现代主义所呈现的普及化、生活化、多元化、解构化等特征是分不开的。
二、西方后现代艺术观念对中国基础美术教育改革的影响
在现代全球化与多元化充斥的教育环境下，我国的美术教育更是素质教育中必不可少的一部分。后现代艺术观念也影响着我国的美术教育改革。在中国，由于近十多年来改革开放，大量引进西方美术作品和理论，更加深了我国美术界尤其是青年美术家对这个问题的关注。一个国家具有民族特色的艺术要得到发扬光大，必须遵循两个首要的原则，一方面要继承，发扬本民族固有的优秀艺术传统，另一方面又要广泛吸取其它国家艺术的有益因素。二者不可偏废。
我们对于接受外来文化艺术影响的认识，并不是在很早以前就十分清醒的，而是经过近百年来的实践，得出了正反两方而的经验，才逐步明白了一些这方面的道理。
三、对基础美术教育改革理念的影响
二十一世纪，随着信息化、数字化的时代的到来。理性和感性的发展处于一种不平衡状态，社会的高速发展，使人类偏离了自然，人们认识到艺术是理性和感性趋于平衡的途径，在课改中，不以单纯掌握知识技能为目的。试图改变艺术教育中学生机械模仿与枯燥训练技能的方式。把艺术知识、技能的学习还原到一种完整的艺术情境中，或把一定的知识技能渗透到某个人文主题中。后现代艺术观念的追求一种更完美的现代性，期望人的行为更具合理性的观念影响着美术教育观念，以人为本成为现代美术教育思想的主导思想，美术教育改变了过去的以传授知识为主的教育思想，提倡以培养人的个性，达到培养全面发展的人的教育理念。
四、对基础美术教育课程改革的影响
进入2l世纪，美术课程资源开发进入了一个新的历史时期，在美术课程资源的开发中把美术课程的过程与方法、情感、态度和价值观与知识、技能看作是同等重要的，美术课程资源也并不局限于美术学科本身，并拓展至自然、文化、社会等范畴。在课程设置上，则强调消除对于实用美术的轻视。将工艺美术、现代设计与强调审美的精神功用的纯艺术结合起来。在课程设置上，则主要体现以素质教育为依据，让学生获得终身学习美术的能力，改变过去以美术知识、技能为内容标准，而充分体现美术的情感性，加强学习活动的综合性和探索性，让美术课程和生活、自然紧密联系起来。
总之，西后现代艺术观念对世界的教育改革产生了重大影响。对于世界各个国家的美术教育改革更是有着不可替代的作用，在它的影响下。学校美术教育更注重美术与文化及社会的联系，设计一种更开放的、既能容纳又能扩展的美术课程成为世界各国美术教育改革的焦点。它同样也推动着我国21世纪美术基础教育改革前进的步伐。
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西方美术史论文 篇5
摘要：
初中美术教学是美术教学体系的基础阶段，为了初中美术鉴赏课能够稳健地向前发展，广大一线教育工作者应该对目前初中美术鉴赏课教学的现状、存在的问题进行深入分析，进而制定出科学有效的教学策略来推动初中美术鉴赏课教学的改进。
关键词：
美术论文发表
高中美术课以鉴赏为主，美术鉴赏是在对作品感性认知后的理性追求，是鉴赏者运用自己的感知经验和知识对美术作品进行感受，体验分析和判断。在理解美术作品和美术现象中获得审美体验。美术鉴赏活动不仅能培养学生高尚的情操，还能激发学生学习活动。但在我几年的教学工作中发现单纯的美术鉴赏课教学过于枯燥，一般情况下都是教师在分析作品，学生在欣赏作品，但课堂上学生对艺术作品的热情不会坚持很久。课堂气氛不够活跃，久而久之学生会产生厌倦，不屑一顾的态度。课堂上出现了你讲你的，我干我的情况。针对这种情况我对如何更有效的组织鉴赏课堂产生了一些想法，并用在实际工作中，还是有一定的收效:
一、语言导课的艺术
高中美术鉴赏没有学生动手的内容，这就区别于学生在初中，小学上过的美术课。所以不要把鉴赏课变成千篇一律的你讲他听的习惯。在引课时就要吸引住学生，让学生对本课产生一种好奇，这就要求教师在备课时多下功夫预设出有深度的问题或创设好教学情境。在上《古埃及美术鉴赏》时，我分别在高一(9)和高一(10)班上，导课的方法不一样，效果也大相径庭。在高一(9)班上时，我是这样引课的，上一节课我们欣赏了史前美术，请同学们回顾一下，说说你们的收获，(学生稀稀拉拉的回答问题，明显他们积极性不高)这节课我们继续欣赏古埃及时期的艺术作品。(高中学生学业负担重，在学生的意识里不重视美术课。一些学生出现了懒得复习美术知识的现象)。无疑这样的引课，学生表现出淡漠，学习毫无热情的现象。是而在(10)班上时我提出关于四大文明古国之一的古埃及你知道多少，说说看。刚开始有几位学生脱口而出说:金字塔、法老、木乃伊等，班里一下热闹起来了，出现了很踊跃的回答问题的现象，有几位同学把关于古埃及的历史和艺术作品讲出来，我都大吃一惊，学生的知识量尽有这么丰富!当一位同学讲到关于图坦卡蒙墓室，把关于在该墓中发掘的文物的数量、文物内容到图坦卡蒙的故事一一讲给大家听，尽管他在讲解的时候神情一开始还是有点羞涩，但通过我微笑的鼓励，加上他们对古埃及文化深刻的感受，慢慢的他们的讲解就顺畅了起来，特别是后几个上台的同学，由于有时间为自己的讲述打一下腹稿，他们的讲述尤其精彩。此时的我则站到旁边，把这些同学的讲述同课本结合起来进行系统的总结，引出本课的内容。
所以，经过实践，我认为作为一位高中美术鉴赏教师，要让学生对鉴赏课产生好奇，首先导课是很重要的，所以你是不是在第一时间抓住学生的注意力决定一节课的成败。
二、在理解艺术作品时学生活动的重要性
在美术鉴赏中一般比较重视对理论知识的探讨和理解，教学手段主要是欣赏图片，然后就是你说我说，手段的单一性不仅使学生感到乏味，教师也觉得疲倦，学过的东西很快忘记，所以在课堂上引导学生动起来，不但可以加强学生的记忆，更能加深对艺术作品的理解。如，在上《文艺复兴时期的美术时》讲到《西斯廷天顶画》这幅作品时，讲解了作品的内容，艺术性后。我本人很感动的是米开朗基罗由于长期的高空仰面作画，使他的颈椎严重受损，以至后来看书看信时必须置于头顶。我觉得很有必要向同学们讲讲这位大师为艺术的奉献精神，从而能让学生产生共鸣。这时我请同学们头仰起来，手试图在空中作画，尝试一下仰面作画的感觉，有一部分男生调皮的说:这简单，但我说你能坚持3分钟吗，学生回答没问题，我说你能坚持一节课吗学生边尝试嘴里开始犹豫，我又说米开朗基罗坚持了4年，而且是站在高18米的脚手架上，其劳作至艰辛可想而知，学生都低下了仰酸的脖子哇的一声，他们通过短短几分钟的尝试，从心底里佩服这位大师的毅力。有一位同学从而联系到自己的学习，他由衷的说米开朗基罗的毅力是我们学生学习的好榜样，学生这样的参与，体验后对美术作品和艺术家的理解更加深刻。这样的教学活动收效很大，体验后的人文教育更好的渗透在本课中。
三、创建问题性情境，激发探究欲望
要想让学生更深入了解作品内涵，教师就需要精心设计教学过程，构思有吸引力的问题情境，激发学生探究的欲望。使学生从欣赏美术色彩、构图、材质等入手。深入探究作者的创作意图、时代背景和作品的精神内涵。比如学习《泥土的生命-古代陶瓷与瓷器》一课时，书本上思考与探究提出的问题是：
(1)白陶在造型上有什么特点?
(2)中国的青铜器反映着什么样的时代精神?
根据这两个问题，我又补充了两个问题:在远古生产力低下的时代，这些精品是如何制造出来的?探究每一件陶瓷后面的故事。在课堂的一开始幻灯片出示震撼人心的各种古代陶瓷精品，提出问题一下子吸引学生的注意力。针对问题，学生产生了强烈的探究欲望，究竟这些陶瓷背后有怎样的故事呢?
所以，教师在设置问题时应注意以下几个方面的问题，首先问题的设置要有内涵，能引起学生阅读思考的兴趣，体现本课教学目标，通过学生的实践过程，能深刻理解美术作品的内涵。其次，问题要难易适中，让每位学生都有回答问题的勇气，获得教师的肯定后让每位学生都能感受到探究带来的成功和喜悦。所以这就要求教师在备课时要认真预设本课的问题，同时在长期的教学中强化教学相长，因材施教的能力。让教师做到乐教;学生做到乐学，最终实现学生学以致用的目的。
总之，要想更有效的组织高中美术课堂教学，不是一朝一夕能达到的，只要我们美术教师带着一颗热爱美术教育的事业心，带着对学生的爱心和责任心。满腔激情地投身到美术课的教学、实践、研究中去，一定会使的美术教学会成为一门特色，一门艺术。
西方美术史论文 篇6
对于中国学生来说，在没有一定西方文化语境下，学生很难理解风格迥异流派众多的西方美术作品。因此，西方美术作品欣赏，一直是美术教学中的一大难点。理解美术作品不是简单的自我评述判断，这需要对美术创作、美术史、美术批评、美学的理论有一定了解。
美术创作是一种实践活动，是美术家创作的过程和技巧。我们可以这样理解美术家的创作：任何创作都处在某个特定的历史文化语境之中，学生自己的创作也不例外。美术史是以介绍美术的风格流派的特征及变迁、艺术家的生平和作品为主。学习西方美术史可以帮助学生搞清美术风格和流派发展变化并加深对艺术活动的复杂性的认识。美术评论是一项专业的谈论和解释评论美术作品的方式。美术评论可以帮助学生不带有个人偏见正确的理解美术作品，有利于学生根据文化和时代做出正确的评判。本文所说美学是指审美经验与艺术评价的批判性反思。这有助于提高学生艺术的理解力和综合的审美欣赏水平。
1、美术作品的描述
描述是形象的叙述，是作品的认识和解释。
从美术评论角度：区分作品的门类，是绘画作品还是雕塑作品；区分作品的题材，是风景画还是人物画；它的使用的材料是什么，是油画颜料还是金属材料等；鉴别美术作品的由哪几部分组成的；在技术方面观察并给予评价，比如美术作品是运用了厚涂法还是薄涂法。
从美术史的角度：陈述美术作品的尺寸；找出形成美术作品的历史环境；美术作品的时空背景；美术家的个人传记；作品的符号隐喻等等。符号学可以告诉我们图像有特定的含义，比如在教会中，蒲公英代表不幸。
以达芬奇《蒙娜丽莎》为例，请考虑以下问题：这幅画主题是什么？原作的尺寸有多大，现存何处？作者何时何地创作的？使用的是什么材料？作品的前景、中景，分别描绘了什么？人物的姿态和表情是怎样的？光源在哪里？所使用的颜色与自然本色相同吗？是否有空间感，是写实作品还是非写实作品等等？
2、美术作品的分析
分析就是把作品分解成部分，把复杂分解成简单的要素来研究一种思维方式。从美术评论角度：分析是超过描述的，是更进一步来寻找作品形成的原因。具体指美术作品的要素和规则，它们包括色彩、线条、形、肌理、明暗关系和空间，以及均衡、比例、运动、节奏等。
从美术史角度：比较不同美术家的作品，找出区分不同流派的最重要的方法。
具体以梵高的《星空》为例，请考虑以下问题：这幅画是否完整？美术家是怎样运用颜色、形、线条、肌理？作品是否让人产生运动的幻觉？作品运用了什么的手法，是否夸大了生活的真实性？作品的焦点在哪？美术家怎样运用了明暗对比和色彩对比？这些旋涡形状的线条是否在引导我们的视觉视线？这些线条给你什么样的感觉？你是否还能找出使用同样方法的美术家等等？
3、美术作品的说明
说明是为了探讨美术作品所蕴含的内在意义，以及艺术家透过美术作品所表达的观念思想。
从美术评论角度：美术作品所传递的信息唤起了观者的心理状态的反应，这种心理状态回应往往是观者的回忆、情感、价值观在起作用。比如观者面对的同一幅作品会有不同的情感感受。另外，不同的题材也会对观者的情感产生影响，比如爱国主义题材的作品会激发观者的爱国情感。美术作品的色彩、形、线条、肌理等元素也会引起观者的独特的感觉。
从美术史角度：根据美术家的时代背景创作背景来理解作品。例如，中国学生想要理解西班牙画家戈雅的绘画作品中的艺术感染力，就需要了解戈雅所经历的社会和政治社会背景对戈雅本人影响以及对艺术的影响。另外，美术家的传记、心理分析以及美术家在作品中所使用的形象符号在当时文化中的特殊意义等，也可帮助学生更好地理解美术作品。
以蒙克的《呐喊》为例，理解他的作品时要思考这些问题：画面传达了什么样气氛？画面中的人物的是什么样的情绪？画面的色彩是否有特定的意义？旋涡形的线条给人什么样的视觉感受？光线的戏剧化的夸张是为了说明什么？人物的形象是否有象征的意义，象征了什么？是什么样的个人经历影响了此件作品的创作？艺术家在创作此作品时感情是否受到什么事件的影响？是什么样的人生经历，影响了他的艺术风格？如果从美学的角度来看，人物的呐喊与宇宙人生有何关系？
4、美术作品的判断
判断就是判断一件艺术作品的艺术价值。
从美术批评角度：判断艺术家作品运用了什么风格，是具象派和写实主义、抽象派、表现主义或情感主义、超现实主义，还是几种风格并用？
从美术史角度：需要进一步探索美术的内容、历史背景、符号的含义和创作的原因等因素等。
具体评论美术作品时要考虑以下问题：美术作品的创作目的什么？采用了什么风格的？美术家兴趣是否在于表达情感？美术家是否侧重于线条、形状和颜色的排列的表现方法？这幅作品是怎样影响其他艺术家的？当时的环境和事件怎样影响这幅作品的？美术家的生活和个性又是怎样影响作品的？此画在媒介和技巧上有何贡献，又是受何种风格的影响？如果将美术作品的色调由冷色变成暖色，这幅画又给人一种什么样的感觉呢？美术作品所包含的概念，感觉和理念是否象征了美术家的本身或当时的文化？
最后要说的是，美学更富有理论的色彩，要求教师在力所能及的情况下运用美学的辩证方法，通过分析具体的作品引导学生进行哲理性的追问，提高学生的鉴赏水平。
西方美术史论文 篇7
摘要：西方美术作品的欣赏是美术教学的重难点问题，中国学生在没有受到西方文化的熏陶下，很难对风格各异的西方美术作品产生深入的理解。另外，对于西方美术作品的欣赏和理解不是一种简单性的自我判断，而是需要在了解美术创作历史、美术批评、美术理论等基础上进行。文章在对西方美术作品欣赏方法探索的基础上，以米开朗基罗的《大卫》为例，具体论述西方美术作品欣赏。
关键词：西方美术作品;欣赏;研究;《大卫》
任何美术家的美术创作都需要在一定的历史文化语境和氛围中进行。西方美术作品的创造和发展需要依据特定的西方美术发展历史。西方美术发展历史能够对美术风格流派的特征及发展变化进行介绍，从而加深美术家创作作品的内涵，提升欣赏者对美术作品复杂性的认识。另外，对于西方美术作品的欣赏还体现在美术批评上。美术批评(评论)是一种专业性的谈论，是对美术作品进行解释的重要方式，能够帮助欣赏者以一种客观的态度来理解美术作品，进而提升欣赏者对艺术的理解能力和欣赏水平。
一、西方美术作品欣赏
西方美术表现形式高雅深奥，具有很强的人文情怀，会给人带来一种身临其境的感受，加强对艺术的体悟能力。西方美术发展根本 在于对自身的认识，西方美术在西方指的是一种非公立主义的艺术，是在审美认识的基础上创作出的有形艺术。
(一)美术作品的描述
从美术评论的角度，要对美术作品的门类进行区别，比如判断出作品是绘画作品还是雕塑作品;要对美术作品的创作题材进行区别，比如判断作品是风景画还是人物画;对美术作品的创作材料进行分析，比如使用的是油画颜料还是金属材料。从美术发展史的角度，要对美术作品的尺寸大小进行陈述，了解美术作品创造的历史，掌握美术作品创作者的传记，明确作品创造背后的意义。
(二)美术作品的分析
对于美术作品的分析时将美术作品划分为成几部分，将复杂的问题以一种简单的要素来进行研究。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行：第一，美术评论角度。从美术评论角度对作品进行分析一般是超过语言描述的，是进一步对作品创作原因的分析，包括美术作品创造的要素以及创作规则，具体表现为色彩、线条、形状、系统空间布置方面，讲究作品设计的均衡、比例协调以及节奏问题。第二，美术史的发展角度。主要是通过对不同美术家作品的比较，来对美术创作的流派进行分析。
(三)美术作品的.说明
美术作品的说明是为了进一步探讨美术创造的内在含义，了解美术家赋予美术作品的思想观念内涵。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行：第一，美术评论角度。美术作品的创作是通过某种信息符号唤起欣赏者的心理反应，这种反应能够对欣赏者的回忆、情感以及价值观形成产生作用。不同的欣赏着受自己阅历的影响对同一种美术作品会产生不同的想法。第二，从美术史发展角度。主要是从美术家的创作背景来对作品进行更深层次的理解。比如想要了解戈雅的绘画作品，就需要了解戈雅所在的社会政治背景。
(四)美术作品的判断
美术作品的判断是针对美术作品的艺术角质，主要从以下几方面进行：第一，美术批评角度。具体表现为对艺术家创作作品风格的判断，比如美术家使用的具象派还是写实派，是表现主义还是情感主义等。第二，美术史角度。需要了解美术作品创作的目的、风格、情感、表现方法等。
二、西方美术艺术起源及发展成果研究
(一)起源
西方美术艺术的起点在希腊，主要发展的高峰时期包括古罗马时期、文艺复兴时期和十九世纪。历史的发展体现了艺术发展的一种普遍规律，且艺术发展的过程中逐渐实现了革新。中世纪时期的西方主要被教会思想笼罩，人们的思想行为及艺术创作深受教会影响，表现为艺术创作缺乏创造力。文艺复兴的发展则是解放了人们的美术创造天性，创造出了无与伦比、流传至今的西方美术作品。在文艺复兴时期，欧洲出现了大量的艺术创作天才，比如米开朗基罗、达芬奇等。
(二)米开朗基罗的美术艺术作品创作
文艺复兴时期，米开朗基罗的作品具有强大的爆发性力量，其美术作品的创作发展带来了文艺复兴运动发展的高潮。米开朗基罗对身体绘画的创造具有很强的表现力，在进行人体解剖研究的同时，创作出了展示人体美的美术作品。比如早期的浮雕作品《阶梯旁的圣母》和《山陀儿之战》，以一种朴实、庄重的画风展现了在强烈运动中的人体美。米开朗基罗的美术创作具有以下几方面的特点：第一，其宗教题材的美术作品中具有鲜明的人性特色，描写的宗教对象大多是穷人。第二，他的作品体现了时代发展 的气息，比如《大卫》的思想、《摩西。中的愤怒等。第三，作品集中展现了个人思想发展和时代进步发展之间的矛盾，具有很强的悲剧性色彩。
(三)米开朗基罗美术创作的作品――《大卫》
大卫是以色列的大王，他在少年时期，是一个牧童，在非厉土人对以色列进行侵略时，大卫到前线给自己的哥哥们送饭。在送饭的过程中遭遇了凶悍的敌人，以色列人不能抵御这种强悍的敌人，大卫用武器杀死了敌人，拯救了整个民族。因此，西方将大卫视作一名英雄，代表的形象是保卫国家的英雄。
在1501年的春季，米开朗基罗回到弗洛伦撒，在当年的秋天开始创作雕塑美术作品《大卫》，创作历经三年完成。当这部作品问世时，整个弗洛伦萨热烈欢呼，人们都纷纷来欣赏这部美术作品。米开朗基罗没有将大卫塑造成一个牧羊少年，而是将他塑造成了一个青年的壮士，在他身上赋予了一切美好的思想。大卫不再是圣经里的理想人物，而是代表了市民英雄，将人们的英勇反抗斗志赋予在大卫身上，体现了强烈的改造世界的人文主义思想。米开朗基罗的《大卫》是一座高为5.5公尺的立像，塑造的是一个肌肉发达、体格匀称的青年男子，这名青年男子充分自信地站着，左手持有石块，右手持有石器，描向远方的敌人，体现了男性的英勇魄力。《大卫》是西方美术发展史上被人们夸耀最多的男性雕塑，赋予了人迷你的抗争精神。
总结：西方美术艺术发展历史悠久，具有很强的人文主义色彩，体现了当时人们对幸福、对理想的美好追求，经过时代的变迁，西方美术艺术在时代发展洪流中愈发地显示出了自己独特的魅力，得到了各国的关注。为此，需要有关艺术人员进一步加强对西方美术史的研究，充分借鉴，在借鉴基础上促进本国美术艺术的创作发展。
参考文献：
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[2]任丽萍. 西方美术欣赏品味之我见[J]. 阴山学刊(自然科学版)，2004，02：127-128.
西方美术史论文 篇8
摘 要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。
关键词：郎世宁;传统中国画;中西文化
Giuseppe Castiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年(1715)来中国传教。最初以传播教义为目的他为了获取传播天主教的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。
一、人物肖像画
郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。
二、纪实画
郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。
这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。其特点表现在主要人物具有肖像特征，对人物服装以及背景描绘具体而细致，层层渲染。郎世宁的纪实画不仅在绘画风格技法上有所改变，最重要的是在构图上都有别于传统中国画。
郎世宁纪实画的构图中将人马、聚散、景物处理的富有节奏感，体现了画面的虚实、物象的繁复，但又融洽和谐的关系，具有明显的欧洲画风。同时，他在绘画中也尝试从创作中争得自由，尽量避免把近景远景结合在同一个画面中，纪实画多采用宏观远视的方法，不仅使整个画面感觉有纵深感，还使人物和周围的环境符合实际比例，同时兼顾了中国人的视觉习惯又不违背西方人的作画习惯。
三、花鸟走兽画
在花鸟走兽类绘画作品中，《嵩献英芝图》《聚瑞图》《孔雀开屏图》《九犬图》《百骏图》《五马图》《柳荫双骏图》《万卉同春图》《仙萼长春册》等是其主要代表作。在绘制这一类作品时，郎世宁发挥了他高超的写生技法，用笔精到，宛然若生，利用西方透视和明暗作水墨画。不管是马匹、树木、水流、土坡，还是花枝、鸟雀等，都非常注重质感的细腻表现。
他在运用西方写生技法画蕴含传统中国元素的作品过程中适当添加了光影处理和明暗交界线的运用，使得花鸟走兽有了栩栩如生、呼之欲出的感觉。
在郎世宁的这类作品中，他更多的是来塑造形体，减弱了笔墨线条独立的审美意义，然而笔墨线条是中国绘画和书法造型的基础，对于受西方绘画影响较深的郎世宁自然难以体会笔墨线条的微妙乐趣，更多的是在意形体结构的把握，所以笔法全无。虽然如此，但是也给予了这个外国人改变中国传统中国画更大的发展空间。这种作画方式使他的画体积感和真实感以及空间感更强。这种有别于传统的绘画技法，是对传统中国画的一种补充，也是一种冲击，在画坛中开拓了崭新的艺术天地。
四、郎世宁绘画风格对传统中国画的影响
郎世宁在进入中国前学到的西方绘画特点是写实、写生、忠于自然、忠于光源、忠于黄金分割、忠于人体解剖，力求再现生活;同时，他也被中国画所体现的意境所吸引。因此，他尝试着适应中国的欣赏习惯和宫廷的需要用西法画中国画，郎世宁学习中国画技巧并不断用中西不同的观察方法和表现方法改造传统中国画。
总之，他致力于中西画法的变通与折衷，对传统中国画来说不失为一种很好的突破和尝试。虽然我们可以站在中国传统绘画或西方传统绘画各自的角度来评价郎世宁的绘画，但是我们也应该认识到他的作品所呈现出的这种特殊面貌中中西碰撞的艺术价值。
他的中国画中和了中西方的差异，也在一定程度上改变了中国人的审美趣味，因此要将他的作品放在特殊的历史文化背景下研究，郎世宁的画代表着一种新的审美趣味和一个新的画派，对后人在中国画探索新的技法或表达形式上有所启迪并产生深远而积极的影响。另外，郎世宁曾与中国士大夫年希尧探讨西法透视，并用年之笔撰写了《视学》，这也是一部详细介绍郎世宁西法绘画技巧的理论著作，也是最早介绍西方透视法的著作。而且，郎世宁的油画功底深厚，还给中国宫廷培养了一批学习油画的宫廷画家，对中国传统绘画与西方技法的融合发挥了重要作用。
参考文献：
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[5]崔人元.盛世画风――郎世宁的院体画[J],世界博览,2005(3).
西方美术史论文 篇9
如果试着把儿童美术、原始美术、民间美术、西方现代派美术摆在一起，你会发现：无论从内容、形式、风格和创意上比较，还是从发生、发展去看，都有着惊人的相似。
儿童的世界是独特的，他们不是大人的附属品，也不是缩小的成人，而有其独立的完整的世界，尽管他们的画充满稚气，看上去似乎是下意识的即兴之作，但仔细品味，却发现那奇特的想象，简朴的造型，强烈的色彩，率真而随心所欲的艺术表现，不能不使人叹服。
诚然，只要把儿童美术和原始美术、民间美术、西方现代派美术仔细比较分析一下，你就会发现他们的相似不足为怪。
一、原始美术、民间美术与儿童美术
从审美特点来看，原始美术、民间美术与儿童美术无论在表现的主题，还是造型思维、描绘手法直至整个风貌上，都有不可忽视的共同点。这些共同点是：
第一，在造型思维上，原始艺术是对原始意象的幻觉的再现，从保存下来的那些最早的艺术——岩画、彩陶、雕塑看，原始艺术本能与仿造自然是丝毫不相关的，原始艺术家在描绘时并不依赖对直接对象的观察，而是凭自己的记忆进行的再创造的结果。比如我国西南边陲的沧源岩画，大都描绘在陡峭的崖壁上，作画者在作画时不可能随时参照被描绘的对象，他只是要依赣意象唤起平时观察的事物和重新体验原来的知觉，去检验自己通过意象所创造出来的形象。而民间美术在创作思维方法上，保留和运用了原始思维的认识方法，都有强烈、粗犷、诡奇等相同的外部特征。如黄河流域一带农村流传的剪纸“抓譬娃娃”“招魂娃娃”、布制品“人头鱼”等。同样，儿童画画时并不是依靠被描绘的对象，而是借助他自己平时的观察而记忆下来的知觉去表现对象。因此，我们说在描绘对象方面，原始美术、民间美术与儿童美术同出一辙并不为过。
第二，在造型手段上，原始美术家仿佛意识到局部的细节刻画能给他们带来心灵的解脱和欲念上的满足。同时，原始人面对变幻不定的世界的不安感产生了一种强烈的寻求安定的需要，在造型上往往回避对三维物体和有深度物体的表现，把表现对象限制在高度和宽度的展开上。这就形成了我们平常说的“平面意识”。跟原始美术一样，民间美术中民间美术家不是像受过专业训练的画家那样用一只眼睛观察事物，也不是用静止的眼睛去捕捉对象的片面，在他们的眼中，形象本身就具有各方位的时空感，他们在表现同一座山时，会把山上、山下、山前、山后的动物、植物和人陈铺在一块平面空间里，有时还采用互不遮挡的人物造型。同样，未经专业训练的儿童，往往因对事物的深度和三维缺乏理解和分析，既不懂得透视学，也不恪守重力法则。因而在儿童美术中出现了细节丰富的人物和动物常常飘在空中的画面，而且画面多呈平面。
第三，在整体风貌上，原始美术造型粗犷、色彩强烈、人物怪诞奇特，有的面目手足皆为人形，而腋下生出双翼，跳跃于龙身、鱼背，有的大头短躯、巨鼻阔嘴，手掌伸出三指，如同鸟爪等等。原始人认为这些奇异的造型能赋予艺术品神性与灵气——超自然的力量。而民间美术在制作过程中，由于材料的简朴，不作过多的雕琢、修饰，保持着粗率、质朴的制作痕迹，恰恰因此而显露出淳朴天然的趣味来。同样，在儿童美术中，由于儿童年幼无知、天真，对自然界的理解尚未模式化，他们以自己的奇异想法来表现，在绘画当中也就表现出稚拙、奇异的风格。
第四，在思想和观念上，原始艺术时期由于社会分工尚未定型，没有我们今天称之为思想倾向、思潮、流派之类的东西，因而在艺术的功能上就谈不上思想和观念的表达。而民间美术家在创作时专注于内心意绪情感的率真表达，作品中极少功利色彩，有的只是作者真挚的感情。如陕西耳枕，有鱼形、也有蛙形，中间总是要掏一个洞，原来是母亲为了保护孩子的耳朵不受压和便于漏泪水的。这就蕴涵着母亲的祝福，是母亲心声的流露，把母爱表现得淋漓尽致。同样，在儿童美术中，儿童常常以其天真率直的心态每每使成人拍手叫快。正如黑格尔所说：“儿童是最美好的，一切个别特殊性在他们身上好象都还沉睡在未展开的幼芽里，还没有什么狭隘的东西在他们的胸中激动，在儿童还在变化的面貌上，还看不出承认繁复意图所造成的烦恼，因而在儿童绘画里表现出来的是他们对事物无意识的，天真率直的看法。”
第五，民间美术有较多的属于游艺民俗活动，它们本身的魅力往往是和游艺过程密切联系在一起的，如：木偶、皮影、龙灯、舞狮、旱船等都是在表演和张挂过程中进行观赏的。而儿童美术中儿童天性就是喜欢玩游戏，游戏是他们最感兴趣的事情，自然在他们的美术活动中也离不开游戏，他们往往在游戏中完成作品。
二、西方现代派美术与儿童美术
西方现代派美术中表现的荒诞和随意性跟儿童美术中的荒诞和随意是一致的。“怪诞艺术比起优美、崇高的艺术更加深刻地表现了人之所以为人的内在生命力。”这是西方一些现代画派对怪诞艺术的看法和推崇。现代派大师马蒂斯、毕加索等人就从古代非洲的绘画和雕塑中吸取那些怪异而又荒诞的特点，在我们的眼中是不合常规，是荒诞的，这与儿童美术中无意识，加之对事物的荒诞想法而制作的画面极为相似。
西方现代派美术中的塔奇主义，又叫“涂抹主义”，其主要特征是随心所欲地用各种物质材料任意涂抹，其主要代表美国画家杰逊波·洛克曾公开称“当我画画时，我不知道我要画什么，只有画成以后，我才看到我画了什么。”这与儿童绘画的涂鸦期、象征期的美术特点是一致的。
艺术大师毕加索曾经这样说过：“我花了终生的时间去学习像孩子那样绘画。”据此我们可以了解，儿童美术并非一般人所理解的那样简单。他们作画往往自问自答，他们总是带着好玩、好奇的心理去观察、发现所有的一切，并在绘画中发表出来。因为他们所表现的形象都是好奇心所选择、过滤的结果，都会有鲜明的个性、奇特美感。正因为如此，我们就要根据儿童的生理和心理特点来进行教学。注重培养儿童对美的感受能力和想象能力、创造能力和表达能力。作为教师，可以从原始美术、民间美术和西方现代派美术中寻找与儿童美术相似的地方，不断丰富和提高我们的教学内容和教学水平。
西方美术史论文 篇10
1 印象派的诞生
19世纪六七十年代，西方画坛初步诞生了一种独特而又新颖的画风，完全变革了古典艺术的绘画素材以及绘画手段，新兴的绘画思维与审美品位吹拂艺术的殿堂，印象派由此产生。19世纪的主要美术流派有：古典派、学院派、浪漫派、写实派、印象派。印象派在对这些流派的或反对或继承上发展出了它所独有的新面貌，不同于古典派、浪漫派的“崇尚理想”，更不同于学院派的“闭门造车”，印象派与写实派在描绘现实生活上还是有接承衣钵的感觉。但印象派与传统流派的绘画风格有很大出入，印象派摒弃了古典画派的古板与浪漫主义的浮夸，脱胎于传统思想之中。受益于光学理论的发展，印象派画家感受自然中的色泽，聆听自然的动人旋律，捕获自然的光和影，通过手中的画笔，勾勒出心中的色彩，描绘画家独特的感受。例如，印象派的起始作品，克劳德·莫奈的油画《印象·日出》即是运用光影的代表之作。光线与色彩的运用是印象派画家的代表绘画手法，他们透过眼睛捕捉到事物的闪动点，再使用手中的画笔重现记忆中的感受，印象派的名称由此得来。画家描绘自己印象中的事物，竭力突出自己的主观感受，将自己对自然的热爱，对自由、平等的渴望淋漓尽致地展现出来，在当时犹如海啸般冲击着传统绘画观念，在西方美术形式变革中起到无可替代的领头作用。
2 新印象派的发展
新印象派的产生，是源于印象派融合十九世纪后期实证主义以及科学乐观主义两大思想，解决传统印象派色彩表现不严谨的问题。新印象派在绘画过程中结合科学手段，严格分析光影，通过构建色点排列组合完成绘画。另外，构图手法上使用坚实的数理分析，通过装饰处理后形成新的印象派画风，即新印象派。代表人物有修拉与西涅克等。新印象派与印象派的不同点在于，新印象派更关注科学理论的研究，例如，新印象派参考法国化学家米歇尔·欧仁·舍夫勒尔完成的《色彩的谐调与对比原理及其在艺术中的作用》，完善了绘画色彩的科学分析，形成了一种绘画理论。
3 后印象派对西方美术形式的巨大影响
后印象派是西方较早的主观绘画，是现代艺术的起源。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统。印象派与新印象派都着重于对光学、色彩的探究，能够充分利用光影、颜色完善绘画手段。然而，印象派画家对绘画事物的感受仅仅止于表面，绘画展现出来的内涵只是画家看到事物那一刻的印象，忽视了事物本身的价值和意义。面对印象派绘画过程中的这一问题，十九世纪80年代法国的部分画家，开始呼吁印象流派要突出画家主观感受，挖掘事物的本质内涵，在绘画过程中逐渐运用光彩、事物形态的表现性因素，后印象派以此为契机产生。
（1）后印象派的绘画艺术风格。后印象派的英文名称是“Post—impressionism”，而“post—”这个前缀词有着“后于……与……对抗”的意思，它其实是对印象派的一种反叛，它并非一个流派，而是印象派之后出现的一种绘画现象，它没有供人交流的社团场所，更没有共同的艺术纲领与组织宣言。没有相似的艺术风格，但是却又有共同的绘画理念，即在绘画中不拘泥于事物的客观物象，通过挖掘事物的本身价值充分展现画家的主观印象，而这也是后印象派区别于印象派以及新印象派的关键。后印象派的画家有着多种多样的绘画风格，有的擅于把握事物的形态结构以及主观重量感，用画笔改变事物的体积形态来展现其自身特征；有的擅于运用光影的强弱以及画笔的力度，利用激昂的笔触挥发内心对自然的热爱；有的擅于在理性中释放强烈的情感，利用独特的平涂绘画方式以及装饰性的画风挥洒胸怀。后印象派各个画家之间拥有着各自独特的画风，艺术风格千变万化，但他们都拥有一个共同理念，即在追求事物本质特征的过程中把握主观感受的再生，不断挖掘新的绘画艺术表现形式与方法。
（2）后印象派的代表人物。后印象派的独特绘画风格严重冲击了西方传统美术形式，而后印象派的代表人物则是凡·高、塞尚以及高更。他们三人是后印象派的巨匠，是后印象派的引领者，是现代绘画艺术的先驱。后印象派的三大巨匠在他们的作品中淋漓尽致地展现出他们对事物形态结构的肯定，以及对色彩装饰、光影、绘画艺术设计、变形手法的充分运用。
塞尚完全突破传统的艺术绘画手法，专注于自己的内心想法，通过有意识地筛选并结合结构的理念将事物完整的展现出来。塞尚擅于把握事物的结构，注重理念观点以及绘画整体美感，重视绘画要素的排列次序。塞尚追求绘画艺术的坚实结构以及理性与自然的完美结合，塞尚终其一生都在为他理想中的拥有质感、体积感、稳定感的事物坚实结构而探索。例如，塞尚的作品《静物》、《圣维克托尼尔山》，在对事物的理性分析中挖掘结构特性，结合内心主观感受，完成极具现代气息的绘画艺术作品。塞尚独特的艺术绘画追求推动了西方美术形式的变革，解放了人们拘束的传统绘画思想，是当之无愧的欧洲现代主义之父。他主要影响了现代主义中结构主义的发展。
凡·高与塞尚不同，塞尚追求事物的坚实结构，而凡·高则注重于人性的表现。例如凡·高的作品《向日葵》、《自画像》。都是运用快速连续的笔触以及夸张的绘画方式，激昂地表达自己内心对生命的感受，赋予作品深沉的内涵。他主要影响了现代主义中表现主义的发展。
高更与前两者不同，主张利用记忆中对事物的印象进行创作，追求艺术绘画的纯真。例如高更的代表作《塔希提岛的少女》、《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》。高更运用简单而激烈的色彩，豪放的笔触，描绘出自然而清新的原始美感。他则主要影响了现代主义中象征主义的发展。
（3）后印象派对西方现代艺术的影响。后印象派完全违背西方传统美术形式的绘画原则，给艺术领域带来新的绘画思想与创作观念，启迪了现代主义艺术。后印象派的两大主张：主张着重于理性观念的把握，重视事物的结构性，以及主张画家内心情感的表达，则引领着现代艺术的前进步伐。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，强调了绘画的立体感与风格独特化，也使绘画的构图更具有力度，放大了艺术家的思想界面，是西方现代艺术的起源。
4 结束语
后印象主义的出现推动了西方艺术的前进，颠覆了传统艺术逻辑，为今后的现代艺术提供了新的观念与创作手段，带领着各个绘画流派摸索新的艺术发展道路。
西方美术史论文 篇11
黑格尔对艺术美有着明确的定义：美是理念的感性显现，理念相当于艺术的内容，艺术的形式就是诉诸感官的形象，而艺术要把这两方面调和成为一种自由的、统一的整体。黑格尔认为，艺术的黄金时代已经过去，在希腊和中世纪晚期，人们更注重主观理念的演化，而相比之下，现代的艺术则更加偏重理智文化。
在黑格尔的年代，也就是18 世纪末至19世纪上半叶，法国大革命为整个欧洲带来了思想改变的风潮，人们开始质疑权威和传统，强调理性，并且开始朝个人主义方向发展。这个时期，人们对艺术的观念也产生了变化。艺术家们开始寻求一些新的题材来进行创作，其中历史和革命题材首次大量进入了人们的视线。此时，新古典主义画派崇尚理性的表达，追求复古的精神，重视艺术在人民中所起到的道德教育。他们所选用的题材都是比较严肃的历史题材，重视形式，倡导形式美的原则，摒弃鲜艳的用色，主张减弱画面的色彩。黑格尔美学中对艺术的内容和形式的自由统一的要求正适用于新古典主义画派的绘画风格。
法国新古典主义画派画家雅克·路易·达维特（1748—1825） 的《马拉之死》描绘了法国雅各宾派革命领袖之一马拉在浴室中被杀死时的情景。我们在欣赏这幅画的时候，能够明显地发现达维特的创作并非是情感冲动，而是一种对完善过的理念的表达。他并没有百分之百地还原马拉死时的画面，而是通过精心的设计塑造出一个在生命最后一刻仍在工作的英雄，这毫无疑问地美化了革命派的形象，并且成功地体现了他所想要体现的理念—具有一种政治煽动性的效果。
同样的例子我们也可以从他早些时候的另一幅作品《贺拉斯兄弟的宣誓》中找到。这幅作品描绘了古罗马时期贺拉斯家族的三兄弟代表罗马与伊特鲁利亚的古力茨亚人为避免大型厮杀，将以三对三决斗的方式决定罗马城和阿尔贝城的归属问题的故事。画面表现了在出征前，贺拉斯三兄弟的父亲鼓舞儿子们为了大义而勇敢奋斗、不怕牺牲的场景。由于罗马人与古力茨亚人有联姻关系，旁边的三位妻子正在为自己的丈夫和家人而哭泣，与表情坚定的三兄弟相对比，整幅画面体现了强烈的戏剧效果。这幅画表面上叙述了一个历史事件，实际上联系当时法国大革命的背景，正是在提倡一种为了革命和大义而不怕牺牲自我和家庭的大无畏精神，呼吁人们加入革命的队伍，这幅画的政治作用可见一斑。无论构图方面还是在严格遵循古老的法则，三兄弟的位置和画面上方的留白比例都是经过严密设计和计算的。达维特通过这幅作品，旗帜鲜明地体现了他当时的政治理念，这正是黑格尔美学中所强调的理念和形式的完美统一。
随着1794 年热月政变的结束，雅各宾派的覆灭使作为雅各宾派主要负责人之一的雅克·路易·达维特遭遇了牢狱之灾。这一巨大的人生变革使他思考起自己过去的行为和思想。出狱后的达维特看到社会的现状，丧失了对革命的信心，在这样的情绪中，他创作了《萨宾妇女》。从这幅画中，我们可以明显看到画家的心境和理念发生了巨大的转变。它表现了已经育有儿女的萨宾女子冲到战场上来阻止自己的父兄和丈夫战斗的场景，画面中心张开双臂的女子，仿佛在大声呼喊着停止战争，这正代表了达维特此刻的心情：渴望和平。这个时候，画家理念的改变使得画面的题材和表现发生了变化，即使理念发生了改变，在达维特的作品中，我们仍然能够找到画面和画家理念的统一。
进入19 世纪，达维特受到为了进一步巩固自己统治的拿破仑的邀请，进入皇宫为王室作画。他从1805 年开始创作《拿破仑一世加冕大典》，这幅画是为了纪念拿破仑在1804年2 月2 日于巴黎圣母院隆重举行的国王加冕仪式。当时拿破仑极其傲慢地让罗马教皇亲自来巴黎为他加冕，并且亲自夺过王冠为自己加冕。达维特为了避免尴尬，特地将内容更改成拿破仑为皇后加冕，既突出了拿破仑作为皇帝的中心位置，同时也没有令教皇太过难堪。此时的达维特已经成为拿破仑的追随者，这幅画充分体现了拿破仑的地位和气势，也能从中看出达维特心境的转化。
黑格尔的美学思想，带有他所倡导的客观唯心主义的浓重印记。他在强调主观的第一性的同时，也强调了内心思想的规律性和内容。他的理论中所重视的内容和形式，构成了新古典主义美术所具有的几项主要特征。受到启蒙运动理性思潮的影响，人们对传统观念认知的颠覆是体现在方方面面的，随着达尔文进化论的进一步阐释，人权对神权地位的再次挑战被推向高峰。黑格尔的美学肯定了创作者本身对绘画的重要性，画面的题材和内容不再左右绘画者的创作，而是通过画家本身的自我意识和理念“再构”出来。新古典主义绘画中，我们通过达维特的作品可以深刻感受到画家本人的理念对于作品创作的重要性，画家先产生思想，然后经过系统思维转化成明确的理念，再通过选择合适的素材和绘画形式与理念形成完美统一。这种主观第一性的肯定使得题材和画家的主观能动性在革命的风潮中跃向了极高的位置，也对后来的浪漫主义和其他画派产生了一定的影响。然而，黑格尔美学过于强调主观理念的重要性，而或多或少地忽视了客观存在，在今天看来，也是有一定的局限性的。
黑格尔的美学理念在当时的社会环境下是有非常大的积极意义的。它系统地阐释了在艺术创作中理念和形式的关系，并且强调了在创作中画家作为创作者的重要性，以及对理念本身的内容也做出了一定的规范和要求。我们在达维特的作品中能够找到这种理念和形式的统一，并且通过作品也能得到与作者感同身受的情感认同。这些作品不仅仅刻画历史题材或者重大事件，而是一种意识形态和理念的完美诠释，具有重要而深刻的意义。
西方美术史论文 篇12
关键词：抽象 具象 对立 互补
摘要：现实世界处于两难境地，出现抽象艺术和具象艺术的对立与互补。精神、情感是一种抽象的物资，如何把这种抽象具体化，艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。西方现代美术作品中的抽象元素与具象元素大多难以简单地用概念划分是抽象艺术还是具象艺术，他们处于一种变化的统一的状态。
在西方现代美术的范围中去划分作品的风格，从概念上大多以作品形象与自然对象的相似程度来比较。其中的抽象艺术一般是艺术形象较大幅度的变化或完全偏离自然对象原有外观的艺术：其中的具象艺术一般是艺术形象与自然对象总体上类似或极为类似的艺术。抽象艺术发展自具象艺术，源于具象艺术，抽象的本义是人类对事物非本质元素的舍弃和对本质元素的提取。在美术领域的研究和应用中，抽象艺术和具象艺术共同构成一对相互关联的基本概念。西方现代美术中的抽象和具象发展在不同的阶段，两者之间的对立和互补的关系也在不断的发生着变化。
一、印象派中主观具象的发展
印象派的出现和发展改变了西方美术界对艺术的认识，同时对西方现代美术产生了深远的影响。印象派画家用科学理论中新发现的新色彩理论，观察到物体本身并没有永远固定的色彩，颜色随着环境与时间而不断变化。作品表现的不单单是物体本身的色彩，而是光线在物体表面呈现出的变化，表现的是画家的主观视觉世界。是在具象的物体基础上发挥主观的视觉感受，作品描绘的是具象事物，但色彩上呈现的更多的是主观感受，这种主观感受多少夹杂着抽象的因素。
后印象派不满意印象派过于依赖感觉和自然，流于瞬间，他们认为光靠眼睛是不够的，还必须思考。后印象派的绘画是在大自然的面前长期观察思考的结果，而不是自然中短暂瞬间效果的快速记录。后印象主义画家的作品不再刻意表现光线，而是强调主观感受，主观感受是一种抽象的物资。印象派对二十世纪初期的立体主义、原始主义和表现主义等现代美术流派的观察方法和风格发展产生了很大影响。
二、现代主义艺术中的抽象与具象
在近现代科学技术高度发展的西方现代社会，人类改变自然的能力是越来越强。但是人与自然、人与社会、人与人之间的关系却日益复杂和严重。现实世界处于两难境地，出现抽象艺术和其象艺术的对立与互补。象征主义发起于法国，艺术家受高更的影响，反对写实主义，相信艺术是内心的召唤，情感和意念成为他们艺术创作的出发点，随意表现人的精神状态，包括梦中所形成的象征符号。精神、情感是一种抽象的物资，如何把这种抽象具体化，艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。
野兽派是典型的具象和抽象的结合，野兽派发起于法国，最具代表的领军人物是马蒂斯。曾经受到黑非洲雕刻艺术的影响。他们的特点是受梵高影响，反学院派，惯用红、绿、青、黄等原色，喜用大笔触、单纯化的线条，情感真挚外露，富于激情。野兽派的艺术家的作品线条单纯，虽外形没有完全脱离具象，但线条的组合，色彩的搭配，形状的分割，已有抽象的意味了，是介于抽象与具象的完美统一，是抽象与其象互补的完美体现。
立体派是典型的抽象表现形式，立体派和野兽派一样发起于法国，立体派受野兽派及非洲黑人雕塑的影响，将自然的形象还原为几何学的图形，将不同时间、不同角度所获得的景象组合在同一个静止的视觉形象上。立体派的代表人物有毕加索，波拉克等，立体派的作品都是经过提炼的几何形，同时又是多空间事物的同一空间组合，虽画面整体是抽象的，但从画面中还是可以找到具象的单个造型形态。
三、二战后美术中抽象艺术的多元化
二战后经济复苏，社会发生了质的变化，科学技术彻底走向了反人本主义的境地，形成了科学与人相互对峙的局面。在这样的生存语境下，构成二十世纪现代人本主义核心的不再是以科学技术为基石的理性主义，而是反科学、反理性的非理性主义。艺术作为时代思想的形象表征，具有了浓烈的反现代的后现代主义色彩，出现了与传统艺术流派皆面目全非的后现代艺术。
二战后形成的艺术风格名目繁多，如波普艺术、新达达艺术、新具象艺术、综合艺术、最少派艺术、观念艺术、环境艺术等如潮水般涌来。后现代艺术以反历史、反传统、反宏大叙述作为起点，追求个人言说和标新立异，各说各调，并非追求一定的理论目的，有较大的偶发性，常常匆匆而来，又匆匆而去。艺术以抽象或具象或抽象与具象的结合的形式来来去去，也反映出抽象与具象既对立又互补的复杂关系。
后现代主义艺术不管形式如何多变，都是以抽象的观念为中心，通过各种具象的形式、行为表现出来，使艺术从单纯的架上发展到更多元化的表现形式。
四、后现代美术的新动向
在后现代美术的发展中，观念艺术、波普艺术、环境艺术等流派的艺术家在创作中不断的挑战绘画的固有形式，希望取消架上绘画。但在进入70-80年代后，传统的架上绘画并没有逐步的走向消亡，而是打破原有格局，重新的迅速发展起来，成为西方70-80年代后现代美术的艺术主流。
在这股后现代艺术风潮中产生的重要的新一代艺术家代表就是德国新表现主义画家，他们对后现代艺术的风格产生了巨大影响。这一流派是70-80年代西方后现代美术中影响最为明显的力量，它撼动了美国在当代艺术发展的中心地位，而且还开创了新的当代艺术精神，给此后十余年的西方美术发展奠定了新的方向。新表现主义是德国在特定历史时期和文化环境中混合构成的，它在核心理论上接受当时流行的存在主义哲学观念，在创作实践中融合抽象表现主义的艺术风格，特别讲究在绘画过程中的情感突发和即兴处理，追求原始的、粗狂的、简单的美学风格，主张绘画要以本来面目出现，探索内容和形式，注重造型和色彩。新表现主义把具象与抽象同时运用，加以表现现实与荒诞的处境，增强绘画本身的感染力。
此外，在80年代以来，涂鸦艺术逐步在美国兴起，成为后现代美术中异军突起的绘画语言。在涂鸦艺术中，涂鸦造型大多是用线表现的象征性语言符号，是具象的形象与抽象的象征结合的语言符号，表现内容非常广泛。创作者通过涂鸦与观众直接交流，涂鸦是典型的底层民众创作出的大众化表现艺术。
五、结束语
我们从历史来看，在丰富的人类美术发展中不断的可以看到具象与抽象的变化与发展，众多的艺术作品不是具有纯粹的抽象艺术风格，就是具有真实的具象艺术风格，更多的艺术作品则是具象与抽象共存，这类艺术作品对特定对象进行大胆的变形和装饰处理，将不同的物体局部特征进行解构和重构，把对象进行程式化的抽象化处理，使对象造型进行变化和发展。西方现代美术作品中的抽象元素与具象元素大多难以简单地用概念划分是抽象艺术还是具象艺术，他们处于一种变化的统一的状态。西方现代美术就在抽象与具象的反反复复的对立与互补中发展与完善。
两方现代美术中的抽象艺术与具象艺术是辨证的，他们是磁棒的两极。不论是抽象艺术还是具象艺术，都是在人类历史上长久存在和发展出的艺术形式，是人类创造出的伟大精神财富。
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