音乐心理学论文

音乐心理学论文

　　音乐表演专业成为近年来的热门专业，越来越多的高校开设音乐表演专业，招生规模也呈现出逐渐增长的趋势。那么怎么写一篇论文呢？下面和小编一起来看看吧！

　　音乐心理学论文

　　培养音乐表演人才是为了服务于文艺团体、繁荣艺术舞台、满足并提升人们的审美需求，是为了适应社会演出市场对文化产品的需求，同时也为音乐表演教育的延续积蓄人才，加强对这一领域发展的研究。多年来，高校音乐教育重音乐知识和技能的教育，恰恰需要加强对音乐心理学知识的学习，而这方面的资料与研究也在近年呈现出逐渐发展的态势。我国的音乐表演专业自1927年国立音乐院开设以来，在音乐教育史上已有近九十年的历史。音乐表演涉及声乐和中西器乐的表演。纵观我国音乐表演教育的历史，音乐表演的培养方案主要包括声乐或器乐演奏（独奏、重奏、合奏）、视唱练耳、作曲和配器、中西音乐史、中国传统音乐以及艺术概论等专业课程，之后一些专业增加了相应器乐（如钢琴、弦乐、管乐）的艺术史或文献阅读等，而与目前在专业音乐院校、综合院校（含师范院校）以及理科院校开设的音乐表演专业培养方案比较，并无大异。可见，音乐表演人才的培养模式已经相对比较稳定。然而，这并不意味着这种培养方式是最理想的模式，或者说能达到最佳的教学效果。目前的音乐表演教学过程更多地停留在感性的经验教学，即教师根据经验指导学生练习。随着现代教学设备的引入，一些有条件的学校会对学生的表现进行录音或录像，然后制定相应的教学方案并进行教学效果的前后比较，但依然停留在较为感性的层面，而在音乐表演教学过程中渗透的科学知识和科技分析的含量相对较少。

　　①进入21世纪，高校除传统的课程外，音乐表演也逐渐开设了音乐心理学的课程及研究，音乐表演成为音乐心理学的研究范畴之一。音乐表演是一种复杂的音乐活动，涉及声音、情感、动作、意识等多个方面。面对如此复杂的音乐活动，音乐心理学研究者利用现有的或针对研究目的而设计的科技设备，结合声学、生理学、运动学、心理学对音乐表演过程进行综合研究。研究者们关注某些音乐技能的心理活动、不同乐器的声学特点、

　　②表演者和教师的经验、

　　③创造性、音乐交流、即兴、演奏的生理和心理现象、少数族群跨文化特点、

　　④早期音乐能力发展特点、

　　⑤音乐人的脑神经机制

　　⑥等诸多方面，希望利用人文科学和自然科学的研究成果培养音乐表演人才，让学生更加全面地了解练习和表演的过程，从而有效地提升学生的演奏能力。然而，这些方面的研究往往需要音乐表演教师和音乐心理学家共同完成，在培养方案中设立相关的课程也需要教学管理方面的支持。

　　⑦高校人才培养过程经常会考虑“效率”，所谓“效率”就是投入和产出比。对于音乐表演学生来说，“投入”就是在练习过程中所花费的时间、努力程度以及金钱的支出；“产出”是他们经过训练后所呈现的表演水平或能力，教学过程中的教学质量以及在以后人生中音乐对他们的影响。提高人才培养的“效率”需要借助科学研究的成果和方法。以下将关注演奏中的'练习过程、音乐表现和表演焦虑等，结合音乐心理学的研究重新审视这三个方面常出现的问题，并提出可行的解决方案。

　　一、练习过程

　　首先是练习过程。演奏水平的提升或一个新曲目的磨合都需要反复练习。一些教师和学生的观点认为应该保持或尽可能增加练习的时间，哪怕是牺牲音乐理论课或其他文化课的时间。曾有心理学家研究了众多领域专家（音乐家、运动员、棋师等）的练习时间，一般要经过一万个小时的练习才有可能成为该领域的专家；而且尽管个人先天能力或学习动机等方面存在差异，但足够的练习时间仍是“铁打的定律”⑧。这个结果也许令许多音乐专业学生感到欣慰，他们的练习时间没有白费，还需继续充实地在琴房积累小时数。但学生们可能很少对练习策略进行思考，以为时间是通往成功之路，不曾想过可有其他替代的方法。因为过度练习会适得其反，可能产生一些心理或身体伤害，比如长期处于紧张状态带来的心理不适或肌肉损伤等。为避免这些问题出现，可以通过心理练习来代替，即想象练习的过程，想象演奏某个乐曲的指法动作、音响特点或肢体表现，可以在自然状态下进行想象练习，也可以结合录音进行。也许有些教师认为想象练习没有作用，但想象练习的确也是演奏大师常用的练习方法，而且现有的研究表明想象练习几乎能够达到和实际练习相似的效果，尽管也受到作品难度和长度等方面的影响；如果能把实际练习和想象练习相结合会得到更好的练习效果⑨。音乐表演和运动领域的神经科学研究结果表明，在想象练习过程时人脑的运动区域也会被激活，能够达到一定的练习效果。除此之外，对练习过程的反思也是提升练习效率的重要过程，能够分析练习过程中的优点和缺点，有助于自主制定明确的练习计划。这就是心理学中常说的“元认知”，对练习过程不断反省和思考才能达到对练习过程的监控和调节，从而选择适合自己的练习方式。

　　二、音乐表现

　　其次是音乐表现。如何表现某个音乐作品，一般是由直觉产生的，或是通过模仿教师或录音习得的。教学过程中教师很少给出明确的关于如何表达一段音乐或应该表现什么情感的指导，更多的是通过启发的方式激发想象，而很少对音与音之间的关系、音乐结构等进行分析。这需要音乐表演者思考音乐表演要给观众传递什么信息，是传递情感，还是呈现音乐结构。这似乎是个见仁见智的问题，没有绝对正确的答案。然而，两者在表现形式上既有区别又有联系，情感表现式的表演也需要具有结构性，乐句的结尾或新乐句开始时的力度、时值和肢体变化都表现了一定情感。音乐心理学家曾经研究了表演者如何为听众呈现音乐结构，他们认为如果能够说明某种结构与表现方式之间的关系，可能会有助于表演教学。

　　情感表现的表演一般是通过速度和力度的变化来实现情感交流的目的。表演中有两种方式可以吸引注意力：一种是谱面标明的要强调的部分，即“内在的”特点；另一种是表演行为带来的特殊的音乐处理，即“表现的”特点。“内在的”特点可以是旋律轮廓的最高点，或乐句的开始；“表现的”特点可以是渐慢的速度，延迟或延长某个音，增强或减弱某个音的力度。演奏者通常会通过“表现的”特点来突出表现“内在的”特点，以此来吸引听众的注意力。⑩这些细微的特点有助于系统地研究音乐表演这一复杂的现象，也帮助人们从意识层面了解直觉的表达方式是否存在某种规律。演奏中“表现的”特点也是由一系列根据直觉的艺术选择来决定的，比如“内在的”特点哪些需要突出，是否能够被清晰地感知到，通过什么样的身体控制得以实现等。

　　一般演奏者没有意识到他们是如何处理“表现的”特点的，通过分析演奏过程帮助他们了解并调整在练习过程中处理作品的表现方式，这些表现方式和演奏技巧同样需要学习。同一情绪可以有多种表现方式，比如愤怒可以通过较大音量、尖锐的音色、复杂的噪声、长短音的对比、对不稳定音的强调、渐快等方式实现。选择什么样的表现方式来演奏某种风格的音乐，更好地传递情绪表现，需要表演者自己决定。目前一些可视化的分析软件已经能够胜任这样的分析任务，通过图像呈现表现的“效果”更直接、更有说服力。呈示音乐结构的表演是建立在作品分析的基础上。

　　学生首先要对正在演奏的作品进行分析，画出谱面上各种“内在的”特点，然后聆听自己的演奏录音并分析：如何处理“内在的”特点前后的音，哪些需要“表现”，如何表现，哪些不必强调，不同风格的音乐是否表现方式不同。这样引导学生进行以表演为导向的分析，并意识到自己的表演策略，会有利于他们形成自己的表演风格。研究表明这种分析有助于表演者的情绪表现，也为分析音乐表演提供了一种新的方法。

　　三、表演焦虑与音乐医学

　　表演焦虑是音乐表演中不可避免的问题。适当的焦虑有助于表演的发挥，对听众、周围环境以及临时出现的音乐事件作出适当的反应；而过度焦虑则会引起临时失忆、动作失控等问题。

　　适当的表演焦虑依赖三个因素：表演者的人格特征、技巧的掌握程度和对演出场景的认知。对于出现表演焦虑的表演者可以从这三方面进行分析来解决他们所面对的问题：对于不管演奏与否，容易在人群面前紧张的演奏者，可以通过心理治疗的方法来解决；如果是技术问题，需要练习提高技术；如果焦虑是由表演者的自我期待带来的，特别是与观众和演出场景有关，那么就需要通过系统脱敏等方法来改善，使其尽可能现实地、积极地面对观众的反应。其他改善表演焦虑的方式还有冥想、身体放松、呼吸练习、瑜伽、有氧运动、催眠疗法、亚历山大技术、引导想象等。音乐表演者常受到各种职业病的困扰，“音乐医学”就是解决平日练习带来的慢性疾病和不适，比如同样的动作要经过上万次的练习，而身体的其他部分相对僵化，由此带来的肌肉弹性减弱或脊背疼痛等问题。不同乐器演奏的动作和保持姿势不同，带来的问题也不一样，当然还可能与经常练习的曲目特点以及演奏者的人格特点有关。学生了解一些解剖学和生理学的知识，可以帮助他们合理安排练习时间，避免过度疲劳产生的身体不适以致形成慢性病，或当出现伤病时知道如何调养，从而延长演奏生涯。以上提到的这些知识不仅是在知识层面的扩充，更重要的是让音乐表演者对音乐表演有完整的认识，能够分析音乐表演的过程，并全面地认识这样一个复杂的音乐活动。音乐表演不仅仅是表演技巧，还需要表现作品的内涵，并与他人产生共鸣。因此音乐表演不仅是一个技术活，还需要发展其他的能力。音乐表演者通过长期练习后在某些方面还会超越从事其他职业的人。脑神经科学研究表明，长期对音乐表演进行全面分析的音乐家，其连接左右半脑的胼胝体结构较大

　　心理学家对音乐人与非音乐人的认知方式和能力进行了对比，发现音乐人在言语记忆任务中表现较好，而非音乐人在逻辑任务中表现较好。这也许与音乐人对听觉信息整体加工的特点有关。因此，应该培养音乐表演专业的学生具有整体的分析的思维，他们会从中受益，为以后的职业生涯打下基础。

　　目前一些有条件的高校开设了“表演与创编”的选修课，表演的内容主要涉及音乐表演的历史、演奏风格、演奏姿态、音响版本比较、练习策略、识谱与眼动、情绪表达、表演焦虑与调节等。学生在了解这些知识后重新审视自己的练习和表演过程，会对表演有更深刻的认识，并有意识地对自己的练习和演奏进行些许调整。但这类课程还没有作为音乐表演专业的培养方案中的一门选修课或限选课固定下来，大多数音乐表演专业学生没有机会接触此类课程，也就不能从中受益。因此，在高校音乐表演人才培养过程中，应该有意识地加强整体学科知识的建构。内容可以包括表演技巧方面的问题，比如演奏乐器的物理、生理和心理基础，即兴、表现、读谱、记忆、音准；也可以包括演奏者个人的发展和职业技能的发展，比如动机、练习、元认知和自我效能感、表演焦虑、音乐医学，以及个人生理和心理健康等方面。

　　从音乐心理学的角度认识音乐表演过程不仅为教学经验提供了理论和实证支持，也有助于学生“理性地”了解“感性的”音乐表演，自主调整练习策略和表现方式。总之，将研究成果真正服务于音乐表演，更加有效地培养音乐表演类人才，是音乐心理学研究的真正意义之所在，也是当代音乐表演教学之所需。

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