古典音乐的论文
在学习和工作的日常里，大家最不陌生的就是论文了吧，论文写作的过程是人们获得直接经验的过程。那么你知道一篇好的论文该怎么写吗？以下是小编整理的古典音乐的论文，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
古典音乐的论文1
内容摘要：在东方“同情观”的影响下，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，二者深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。文章就这两个方面论述东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响。
关 键 词：东方 “同情观” 中国古典音乐 审美
一、东方 “同情观”对审美思维的影响
“万物有灵观”是东方原始自然宗教的核心，是先民对外界自然物原初的看法。他们相信万物是有灵魂、灵性的，灵魂是不死的，人的灵魂在千变万化中可转变为各种动植物。因此，先民们认为，整个宇宙的万事万物是一个相互依赖、相互联系的统一体，动植物和人的生命在本质上是一体的，是同情同构的，是相互感应、彼此渗透沟通的，甚至是可以相互转换的，这就是东方的“生命一体化”观念。原始初民在深信各种形式的生命在本质上是一体的基础上，把客观存在的自然物、自然力加以拟人化或人格化，赋予他们以人的意志和生命，把他们看成是同自己一样的具有相同的生命和思想感情的对象。他们认为，那些活动量愈大的对象，物活感愈强，生命力和情感也愈充分。既然自然事物同人类的生命现象和感觉思维有相似之处，原始初民就以一种特别的眼光去看待外在自然，以一种特别的情感和心理去体验外部的世界。因此，他们不是孤立地、片面地看待外部事物，他们以己度物，以类比的、拟人的眼光去想象、猜测其他生物的活动，对植物与动物产生了“互渗”的、生命交感的“物我同一”“物我不分”的情感。这种“以同情同构、物我交感、物我互渗”的“同情”的结果，形成了自然物与人之间“生命一体化”的生命“同情观”。这种“同情观”影响着东方的原始初民审美观的形成，因此，在“万物有灵观”的支配下，根据万物的“同情观”，形成了东方的审美思想。
由于东方审美“同情观”就是东方审美的基础，所以，在“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，也就是说，东方审美最核心部分就是天人合一，关注人的生命，以旺盛的生命力的形式为美。这种人本主义的美学思想，同东方人本主义的宗教观念、东方人本主义的伦理观念一起构成了东方哲学思想的精髓。由此导致了东方民族无一例外地以生命为美，以生机盎然的动物、植物的形态为美的特点。埃及美学思想力求表达生命永恒的理念。印度美学中的“梵我如一”的人生理想，正是对人的生命无限延伸的渴求。印度大量性感的雕塑人像，也是表现性力崇拜和对健美的富于性感的肉体的赞美。日本美学可以说是森林美学或植物的美学，植物的生命状态成为日本音乐表演的基本姿态。中国美学中更是具有生命美学的特征。钱钟书在早年的美学论文中就认为，中国美学是人本主义的美学，它是“通盘的人化或生命化”。中国美学从生死崇拜的艺术造型到龙的意象；从建筑的飞檐到山水花鸟画；从民俗画中的枣子、石榴、莲子等意象到诗歌中的桃花、青松等形象，这些都象征着生命力的旺盛或生殖力的强劲。中国美学范畴中有许多范畴是以人体或植物的生命状态来命名的，如肌理、体性、气、气势、风骨、性灵、心、姿、形神等。可见，天人合一，以生命为美，以生机盎然的生命形式为美的观念，就是东方“同情观”影响下的东方审美思想。
二、东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响
在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准， “天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的.形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。
1.“天人合一”的和谐观念，影响着中国古典音乐中音乐结构的审美
在东方“同情观”的影响下，古代的东方民族都强调人与天和谐相处，都追求“人与天调”，人与大自然和谐统一，即“天人合一。”而人生最大的理想就是自觉达到天人合一的境界。从《周易》到儒家、道家、释家都认为，人和自然，你中有我、我中有你，彼此都相融而无真正对立。他们或主张泛爱自然万物，或宣扬回归自然，都追求人与自然的和谐融洽。这种追求人与天调、亲爱自然的观念，对艺术审美有着非常深刻而强烈的影响。比如，关于音乐的构成，《礼记·乐记》曰：“感于物而动，故形于声，声相应，故生变。变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐。”比如，庄子在《齐物论》里说：“天地与我并生，而万物与我同一。”
在中国古典音乐中音乐结构的审美，也体现着这种“天人合一”的和谐观念。受东方“同情观”中“天人合一”和谐观念的影响，中国古典音乐更多地借助其结构来表现天地自然和生命意识的一体化，更多地呈现出一种“游心于万物之初，天人合一”的思维方式和宇宙观念，由此而塑造着传统音乐家随机开放的以时空意识为先导的艺术思维品格，从而形成一种象征生命运动的主体文化心理的乐之随心结构范式。他们常常运用一种即兴性的自由变化的反复，主体的情感与心理变化随机发挥而又统一于结构之中，注重整个音乐进行过程中的感受与体验，故能给人一种浑然一体的整体美和自然性结构美的印象。所以，中国古典音乐一般是一种散体性的结构，它不追求内在的一种张力，而更多考虑的是一种自然的融入，注重对宇宙自然一草一木、一事一理细细嚼味的生命领悟和情感体验。它的结构犹如水墨画的长卷构图，自由而松散，虽然没有一个严格的整体布局，但却错落有致，通过音乐速度与节奏的疏密变换、对比与统一来体现其对音乐的合理组织，即所谓贵在意到情适。比如，《十面埋伏》琵琶古曲，曲式结构采用多段体和变奏的原则，但是音乐之间又有密切的联系，具有传统戏剧及章回小说的叙事特色。这种联系，不是靠逻辑和结构来进行整合的，而是自然的一种发展和变化，也就是我们通常讲的是情感的需要，变化的需要。
2.“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，影响着中国古典音乐的精神内涵
东方民族在“同情观”影响下，形成了“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观。这一特点在东方所有的审美形态上都表现出来，东方民族所产生出的经验性的审美范畴，几乎都染上了以健旺的生命形式来类比、象征地表达的色彩。比如，东方民族人体美的观念就是健康、性感、生动、姿态优美、服饰艳丽。对山水之美的要求是雄壮、气势、葱茏的植被；森林宁静而深沉，充满深意。最根本的是，在艺术表现自然与人的时候，无论是对对象的性质、形态还是其他形式因素方面的展现，都以旺盛的生命力和物活感为基准，来传达生命力之美和崇拜这种美的感情。
正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的观念的支配下，才使得追求对生命本质的完美表达，对生活中生命情趣的自我表现，成为了中国古典音乐的重要精神内涵。因此，中国古典音乐均是通过身体与心灵的内在体验的方式去构建或接触音乐世界，以生命直觉体验去发现和把握音乐的内涵。所以，中国古典音乐重视情感和体验，重视从音乐结构到意境要体现艺术家用“心”去完善自身体验的心理过程；重视把“人”作为中心来加以强调的深层体现。中国古典音乐美学思维遵循的不是理性的逻辑思维程序，而是情感的、意愿的、欲念的趋向。在古代士人的观念里，音乐是心灵世界的直接产物，“音者，心声也”的说法就曾得到历代士人的拥戴。从对听者心灵的攫取来说，音乐由于是发乎人心，比语言要显示出更多的优越性，所以孟子说：“仁言不如仁声之入人深也。”也就具有普遍的代表性。可见，中国古典音乐就是由声构成音，由音构成乐，由乐表现为音乐的整体艺术。正如《礼记·乐记》中的《乐象篇》曰：“是故情深而文明，气盛而化神，和顺积中，而英华发外，唯乐不可以为伪。”这段话揭示了音乐极为丰富而又高尚的境界，它无疑是一种特有的文化内涵及人的生命力的表现，昭示着人类灵魂之真。《天闻阁琴谱》所记载的古琴曲《流水》，之所以被演奏者钟爱，就在于作者的内心世界对自然的静穆观照，以及同宇宙自然相与悠游所产生的体验境界，它所激起的不单纯是情绪变化，更是生命之道的超升。所以，乐曲虽然表面上是对景物的描述，而实质是借景抒情，体现着一种坦荡阔大的胸襟以及百折不回、勇往直前的精神境界。正如康斯坦丁诺夫《音乐美学原理》所言：“音乐拥有极完美的手段，以精确地组织音乐能够广泛引起那些情绪、感受和情感，并在那些情绪、感受和情感中反映特定时代的、社会阶层的、特定类型人所特有的复杂的人的态度。”正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的审美观念的支配下，中国古典音乐才走上了重神轻形，追求音乐中体现最高境界的精神内涵的道路。
综上所述，在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。
古典音乐的论文2
摘要：中小学学生身心正处在不断变化发展的阶段，自我意象具有很强的可塑性。学生所建构的自我意象会促使他们对事物产生相应的态度，包括对古典音乐。在中小学古典音乐教学中，教师可以通过榜样积极评价等各种办法创造欣赏古典音乐的积极意象，如“聪慧”“高雅”“博识”和“专业”等，并将这些积极意象转化为学生的自我意象，从而激发中小学生学习古典音乐的兴趣。
关键词：自我意象；中小学教育；古典音乐；学习兴趣
“社会影响能塑造行为”。我们在生活中的种种行为、活动都会受到大量社会心理因素的制约。中小学学生正处在身心发展的重要阶段，“自我”认知比较模糊，更容易受到影响。因此，通过在古典音乐教学过程中对学生自我意象的形成加以积极影响，可以激发学生欣赏古典音乐的兴趣，增强学生学习古典音乐的动力，从而提高教学的效果。
一、关于“自我意象”
对每个人来说，“自我”是很重要的一部分。我们会形成何种人格？我们会对何种事物更感兴趣或更为偏爱？这些都是在我们形成自我意象的过程中逐渐明确起来的。我们的自我概念（即自我意象）可以说是一个关于自己的信念的集合，它由“自我图式”和“可能的自我”两部分组成的。自我图式是指自我概念的构成要素以及定义自我的那些特殊信念。简言之，就是关于“我是谁”的答案。而自我概念不仅包括关于我们是什么样子的自我图式，还包括我们可能成为什么样子，即可能的自我。人的可能的自我包括我们梦想中自己的样子，还包括我们害怕成为的样子。“可能的自我会激发出一种我们渴望的生活愿景，对我们能够产生巨大的激励作用，或促使我们努力避免成为自己害怕的样子。”因此，人们在形成自我意象时，会更愿意去选择积极的意象，并尽力使之成为自己的自我意象。
二、“自我意象”形成的理论基础
要通过影响学生自我意象的形成来培养他们学习古典音乐的兴趣，我们不仅要知道自我意象是什么？还要知道它是如何形成的？它在形成的过程中是如何受到影响的？怎样才能使“欣赏古典音乐”成为学生积极认同的自我意象？当代著名法国心理学家、哲学家拉康·雅克通过对亨利·瓦隆的“动物与婴儿的镜像实验”的研究，提出了“镜像理论”。他指出6到18个月的婴儿通过看镜子会形成一种完整形式的图像，然后将这个完整的图像误认为是他自己。“一个尚处于婴儿阶段的孩子，局部趔趄，仰倚母怀，却兴奋地将镜子中的影像归属于己，这在我们看来是在一种典型的情境中表现了象征性模式。在这个模式中，我突进成一种首要的形式。”
此时，婴儿所产生的这个完整形式的图像并不是一个自我意识，而是“我”的另一个影像。他认为婴孩“要在玩耍中证明镜中形象的种种动作与反映的环境的关系以及这复杂潜象与它重现的显示关系，也就是说与他的身体，与其他人，甚至与周围物件的关系。”拉康认为，人是没有本我的。人一开始对自我的认识是“无”，通过对所获得的一系列外在意象的想象，建立了一个伪自我，并将其误以为是真我。之后，在各种外在性的获得中不断地加强对“伪自我”的认同，于是，人的自我意象就此建立。拉康的镜子阶段就是这样一个“想象性的自我的认同过程”。查尔斯·库利也提出了“镜像自我”，即“用以描述从他人的反馈那里获得对自身性质的发现的过程”。
简言之，就是描述我们如何利用“我们认为别人如何看待我们”为镜子来认识我们自己。乔治·米德精练了这个观点，他指出：与我们的自我意象有关的并不是别人实际上如何评价我们，而是我们想象中他们如何评价我们。例如，“人们经常会采用换位思考的方式，站在他人的立场来看待自己，对自己的外貌或行动作出判断。”就目前研究而言，自我意象的形成多是人对自己喜爱的行动和外表进行观察，根据自身的能力和特征进行一定的调节，最后将其吸收成自己所希望的意象。我们会通过他人的反馈或换位思考来反思自己，从而完善自己的自我意象，故我们每个人自己所形成的自我意象会受到他人的影响，同时也是自己所欣赏和希望的。人的`自我意象的形成会受到客观环境、他人评价以及个人感受等多个方面的影响。在自我意象形成的过程中，我们会趋利避害，尽量选择有利自己、适合自己、自己希望的自我意象，即一种自己积极认同的自我意象，一个更好的“可能的我”。教师在古典音乐教学过程中，通过各种方法创造学生积极认同的自我意象，将可激发学生学习古典音乐的兴趣，达到提升教学质量的目的。
三、自我意象在中小学古典音乐教学中的运用
在教学中，教师可以将欣赏古典音乐“与一些美好的特质联系在一起的，比如欣赏古典音乐是有教养、有文化、见多识广的行为等，借此深化和巩固学生这些可能积极认同的自我意象。当欣赏古典音乐成为积极的自我意象的一部分时，学生为了形成更好的“可能的自我”，会更主动去了解、探索古典音乐的魅力所在。他们会好奇古典音乐究竟是什么？应该如何欣赏古典音乐？因此，教师在教学过程中要主动地将古典音乐与各种积极的自我意象联系起来，让学生认同“欣赏古典音乐，感受古典音乐美”能塑造一个更好的“可能的自我”，从而激发他们学习古典音乐的兴趣。具体的运用方法如下：
（一）构建“聪慧”的自我意象
聪慧无疑是学生们都普遍认同的自我意象，在古典音乐教学中，我们可以通过构建欣赏古典音乐而形成的“聪慧”的自我意象，来培养学生对古典音乐的兴趣和爱好。由于榜样在学生当中有着自然的影响力，我们可以利用榜样的影响来构建聪慧的自我意象。榜样因其身上具有某些美好特质而对学生具有很强的引导作用。以《名侦探柯南》为例，柯南是一位富有智慧的侦探，在教学中教师可以利用柯南熟悉古典音乐这一特质来引导学生形成喜欢古典音乐的自我意象。在动漫中柯南便是利用他所熟悉的古典音乐进行破案。他利用贝多芬《月光奏鸣曲》的第一乐章为主要线索，破解了乐谱中所暗藏的密码，最终成功破案。主人公是怎样做到如此了解这首曲子呢？自然是“只有平时常常聆听古典音乐，并对乐曲有深度的了解，才能如此娴熟地破案。”课堂中可让学生来扮演他们视为榜样的聪慧的侦探柯南，通过聆听音乐来“推理”破案，激发学生的兴趣，并在此基础上去欣赏《月光奏鸣曲》。这实际上是给学生创造一种积极自我意象的情境，即能够发现古典音乐暗藏密码的他们也是“聪慧”的。这样，学生会在自觉或不自觉之中更专注地欣赏古典音乐的美，从而达到教学目的。“榜样的力量比格言大得多。”我们通过榜样的力量让学生形成“聪慧的人喜欢欣赏古典音乐”这一意象，并逐步转化成为他们的自我意象。
（二）构建“高雅”的自我意象
古典音乐是一门高雅的艺术，欣赏古典音乐能够培养高雅气质。在教学中可通过积极评价来帮助学生构建“高雅”的自我意象。积极评价对学生的自我意象形成极为重要，因为人普遍会在自己的期望和他人的评价中认同某些意象为积极意象，并逐渐把这些意象吸收为一个自己接受和认同的“自我”。“喜爱古典音乐”在内化为一种“高雅”自我意象的过程中，需要他人给予积极评价。教师可在教学中利用学生对“可能的自我”的期待，通过积极评价强化学生对“懂得欣赏古典音乐是一种高雅的的行为”这一观点的认同。在教学中可以通过各种背景介绍、大量聆听不同的古典作品等，不断让学生接受、认同这一观点。实际上，古典音乐从一开始就是一种“高雅”的存在。在古代只有贵族才能够欣赏古典音乐。如，《哥德堡变奏曲》是伯爵为了其失眠症而让巴赫创作。在教学中可让学生把自己想象成贵族来进行欣赏，感受和分析这首曲子是怎样帮助入睡的。在较早时期，有许多贵族为了显示自己的高雅，即使不懂古典音乐也去听音乐会，附庸风雅，以至于海顿创作了《“惊愕”交响曲》来讽刺他们，在贵族们听得昏昏欲睡之时让乐队用最大音量的演奏来惊醒他们。这从反面也说明了懂得如何欣赏古典音乐对高雅品位提升的重要性。音乐课上教师可以让学生扮演有一定欣赏能力的贵族，来告诉附庸风雅的贵族们这些音乐的妙处在哪。通过这些方法让学生认同“真正懂得欣赏古典音乐是一种高雅的、能成为更好自我的行为”。
（三）构建“博识”的自我意象
欣赏古典音乐能丰富我们的视野，让我们成为“博识”的人。每一首古典音乐都承载着许多事物：或许承载着不同国家和民族的历史，或许承载着作曲家的成长与心路历程，或许承载着不同地区、民族的文化底蕴。在音乐教学中，我们可以利用“了解古典音乐背后承载的事物”来构建“博识”意象，激发他们对学习古典音乐的兴趣。“博识”的人能够了解古典音乐背后承载的国家或民族的历史，如贝多芬的《第三交响曲》原本是为了拿破仑创作的，但后来由于拿破仑谋夺革命果实自行加冕为皇帝，贝多芬对他失望到了极点，于是将第三交响曲正式命名为《英雄交响曲》，又如肖邦的《革命练习曲》是在华沙沦陷时创作的。“博识”的人能够了解不同古典音乐背后作曲家不同的成长经历及心路历程。例如，门德尔松在进行了几次欧洲的旅行后创作的《无词歌》就像是他的“音乐日记”，抒发了他的喜怒哀乐以及对人对事对自然的各种印象。又如柏辽兹的《幻想交响曲》，作品中描述的青年人就是他自己。“博识”的人能够了解不同古典音乐承载着不同民族、地区的文化，如斯美塔那创作的《沃尔塔瓦河》，描绘了支撑捷克民族世代生息的母亲河沃尔塔瓦河及捷克人民的生活，又如格林卡的管弦乐幻想曲《卡玛琳斯卡亚》，是以两首俄罗斯民歌为素材而创作的一部民族风格浓郁的双主体变奏曲。在教学中，我们可以让学生先对古典乐曲的背景知识进行了解，让他们作为音乐领域的“博识”之人来向其他的同学介绍将要欣赏的作品。通过背景、线索来欣赏古典音乐，不仅能够让学生更好地欣赏古典音乐，还能丰富学生的相关知识，成为音乐领域的“博识”之人。利用学生对提升自身素养的期盼，通过构建“博识”的自我意象，激发学生欣赏古典音乐的兴趣。
（四）构建“专业”的自我意象
聆听古典音乐是体验、鉴赏美的一个重要途径，如果要达到较高的层次也需要一定的专业知识。大量聆听、感受古典音乐的美，运用自己所学的音乐知识进行鉴赏，不仅能提高学生的审美能力和审美品位，还能使学生逐渐成为具有专业音乐素养之人。当一个人能够鉴赏古典音乐也意味着这个人已经成为对古典音乐具备一定认知和见解的专业人士。在教学中可以利用“音乐审美鉴赏家”这一专业的身份来帮助学生构建“专业”的自我意象。让学生充分意识到能够运用所学知识鉴赏、品味古典音乐，并向他人阐述、分享自己感受到的音乐美，是一种非常“专业”的行为。在欣赏的过程中，教师应积极引导学生作为“专家”进行鉴赏。如鉴赏贝多芬的《命运交响曲》的开始部分，引导学生从时值、旋律和音量进行鉴赏。乐曲一开始“三短一长”的主题动机出现得既快速又突然，之后便是动机快速连续着，音高上行级进，音量渐强，立刻就营造了一种鲜明的音乐形象，直击人心。再如鉴赏查理·斯特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》的开始部分，可引导学生从乐器配置、音乐色彩、音量等方面进行鉴赏。乐曲一开始由低音弦乐器、管风琴和大鼓营造的隆隆声进行铺垫，小号多次演奏出上行音型使音乐色彩不断变化，中间穿插的定音鼓也在不断推动音乐的前进，之后全乐队的演奏形成一个恢弘的高潮，这些都可以让学生在老师的引导下细细地品味并将自己美的感受进行分享。鉴赏家是大众普遍认同的专业能力出众、具有高水平审美能力的人，学生作为鉴赏家来欣赏古典音乐是一种高层次的欣赏行为，运用自己掌握的知识来进行这样一种高水平的欣赏能令其更有成就感。利用学生对具备专业素养的自我期待，构建“专业”的积极自我意象，激发学生聆听、体验古典音乐美的积极性与专注性。
四、结语
中小学学生自我意象具有很强的可塑性，教师在教学中可以对学生意象的形成加以积极影响，通过各种方法构建积极自我意象，如“聪慧”、“富有魅力”、“高雅”、“博识”和“专业”等，使学生对学习、欣赏古典音乐形成积极态度，在不知不觉中培养学生学习古典音乐的兴趣。以此为垫脚石，逐步强化这一学习动机，让学生产生去探索更深奥、美妙的古典音乐的憧憬。
古典音乐的论文3
摘 要：正如周海宏老师在文章开头举出高山流水，知音难觅的故事后所说的那样：其中的潜台词是：音乐中本来有着明确的表现内容，听不出来是因为听者听不懂，是因为听者不通音律。这个妇孺皆知的故事，在音乐欣赏中给听者造成的压力是：要听懂音乐，否则将被认为是不
关键词：古典音乐鉴赏论文发表,发表古典音乐论文,民族音乐鉴赏论文投稿
正如周海宏老师在文章开头举出“高山流水，知音难觅”的故事后所说的那样：“其中的‘潜台词’是：音乐中本来有着明确的表现内容，听不出来是因为听者‘听不懂’，是因为听者‘不通音律’。这个妇孺皆知的故事，在音乐欣赏中给听者造成的压力是：要‘听懂音乐’，否则将被认为是‘不通音律’。”①那么怎样算是懂了呢？要如同读由语言文字组成文章般，能准确说出每个乐段甚至是乐句描绘了什么场景就算懂，否则就是不懂？如果如此说的话，那又有多少人敢说自己真的懂音乐呢？恐怕绝大多说的音乐专业人士也无法明确说出来。大家应该有一个基本的认识就是，就音乐本身来说，音乐的基本材料———音响本身就无法做到描绘具体事物，因为它不具有空间造型性，因此不能像文学那样非常明确、有逻辑的表现一个事物或内容。所以，笔者倒觉得当大多数听众说“听不懂”才是正常的，因为我们无法做到准确说出音乐表现的是什么。如此以来，明白了这个道理的我们，关注点就不应该是如何才能让普通民众“听懂”音乐，而是让他们明白，吸引他们的音乐的魅力到底是什么，究竟是什么让大家喜欢音乐，笔者想那真的不是“听懂了”这个原因。
贝多芬、莫扎特是大家再熟悉不过的古典音乐家了，而每当我们提到他们时，大家的第一反应就是他们的音乐属于古典音乐，然后由于古典音乐又被称为“严肃音乐”，因此习惯于视觉化、概念化的接受事物的人们，还没听就先产生了“听不懂”、“难以接受”的感觉。就像同一首乐曲，若是克莱德曼改编的，大家就听的津津有味，感觉通俗易懂，而当被告知是贝多芬原创时，立马就有人又说听不懂了。所以啊，普通观众的观念的改变，才是我们每个艺术工作者们在推广古典音乐时首先要做的事情。还记得上本科那会儿，有一次上海音乐学院作曲系副教授田艺苗老师在天津大剧院小剧场开讲座———《穿T恤听古典音乐———音乐中的自然法则》，最初吸引笔者买票去听的其实是讲座的名字。它传达了一种对于古典音乐的新的观念和态度，正如田艺苗老师自己所说“古典音乐不深奥，我们可以爱的'更轻松，音乐本身不正诠释了自由？”所谓的“严肃音乐”，“我们可以在家里随时抽出喜欢的唱片来听，可以窝在沙发听，躺在地板听，可以穿着T恤听，穿着睡袍听，也可以吃饭听、刷牙听，也可以爱听不听，对于真正喜欢的音乐我们听起来就是这样没日没夜的。”人们常常觉得古典音乐很遥远，其实它们早就不知不觉的在日常生活中扎根了。例如电影《肖申克的救赎》的片段中，主人公安迪溜到广播室为狱友播放音乐时，就是莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》中的咏叹调《Duetto》。日常生活中，我们说巴赫，率先想到的是他的宗教音乐、是复调音乐，看似离我们好遥远，而他的《小步舞曲》，却是人人耳熟能详，甚至可以说是“俗得不能再俗”的古典音乐了。去过首都机场的人应该都听过一首非常好听，优雅中还带有一种摇曳生姿、仪态万千的气质的器乐曲，那就是博凯里尼的《小步舞曲》。这样的例子不胜枚举，其实，音乐无论是所谓的古典音乐，还是现在的流行音乐，其本质都是取材于生活的种种。换句话说，古典音乐不也算是当时的流行音乐吗？所谓听不听的懂，更多的是一种心里上的障碍，当我们把听古典音乐只是当成一种放松身心的娱乐方式，也就会产生“当感觉很烦躁的时候，打开巴赫，就感觉它像一个屏障，隔开了世俗的生活。”或者是当睡眠不足以使自己从疲劳中休息过来时，听一段音乐就好像人一下子振奋起来了，或整个放松了。笔者常常觉得听古典音乐尤其是纯器乐曲是最放松的时刻，它不像声乐曲还要听歌词表达了什么，可以随着音乐随意想象，没有对错。
音乐有时就像一条小溪，在你心里干涸的时候，就会有东西流进去。曾看到过这样一个比喻：“古典音乐是茶”，如同“小孩子总是认为糖水、可乐好喝，不喜欢喝茶。同样，人们听古典音乐，在没有入门之前，也会感觉古板、晦涩、不如流行音乐好听、打动人。可是，你还慢慢喝上了茶，并渐渐地，就再也不那么喜欢可乐和糖水了，喜欢上古典音乐，再听流行音乐，总觉得不是那么有意思，甚至听不下去了。”②其实，现如今时的社会，声称只听古典音乐的人都是附庸风雅，甚至是不诚实的。所谓的古典音乐与流行音乐间本身就没有什么对立的关系，因为音乐本身就是一个缤纷多彩的音响万花筒，它是一种宽容的艺术，一种包涵量特别大的艺术，它没有语音不通之说，更没有时代和国界之分。如若我们也用一种包容的心态去听古典音乐，或许那些“听不懂”古典音乐的说法也就不攻自破。欣赏古典音乐，入门阶段很重要，大家想了很多方法。有人说应该多听小曲子，多听熟悉的。也有像刘雪枫（国内著名音乐评论家）这样的态度：“上来要一棒子打蒙”，上来就听瓦格纳。瓦格纳的确是经典，德国有一个著名的访问，相当于中国做的“孤岛访谈录”———一个人去孤岛带什么走？结果德国人选择带上“孤岛”排第一位的东西不是《圣经》，而是瓦格纳的歌剧，这一定有它的道理。笔者认为这个调查也是有一定的文化背景的，对于中国的广大普通观众来说，不一定上来就推荐大家听瓦格纳的歌剧，因为他不像意大利的歌剧往往会用几个熟悉的旋律让你瞬间找到感觉。但就歌剧这种艺术形式来说，听歌剧倒是一种不错的接触古典音乐的方式。而且这个事确实反应出一个问题：那就是歌剧不是什么高不可攀、只能远观的艺术，歌剧是一门综合艺术，它综合了音乐、舞蹈、舞美设计等多方面艺术形式的综合艺术形式，欣赏歌剧时，如果这块没有吸引你，另一块就有吸引你的东西，因此它恰恰是带领相当多人走进音乐世界的重要的门。
音乐是最纯粹、最自由的艺术，也是最真的艺术，如白岩松老师曾在天津大剧院做的《为什么要听歌剧》的讲座中所说：“当文字停止的时候音乐开始了”。“当我们能够安心地坐下来聆听音乐的时候，哪怕周围都站着警察和法官，你内心的活动和你的感触依然是自由的，属于你自己的，没人能够剥夺和强制扭曲你，这便是聆听时候的真。”古典音乐，它的魅力正是在于它的经典，越听越有味，越觉得内涵丰富。“音乐何需‘懂’”？最纯粹的音乐艺术本不需要“懂”！音乐的最大的魅力是真，当我们换一种对待古典音乐的心态，它离我们也就不那么遥远了。
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作为一名当代的大学生，在素质教育的大潮中，不仅要学好自己的专业知识，更要有广博的知识，提高自己的综合能力，适应时代的挑战。为了使我们的人文修养更上一城楼，在这个学期为我选修了《大学音乐鉴赏》这门课，当我上完这门课的第一节的时候，我的心灵受到了很大的震撼，我感觉我听到了“音乐” ，听到了真正的音乐。
许多人认为欣赏音乐，首先要先了解乐曲的时代背景、作者生平、音乐结构（和声、伴奏、配器）。我认为音乐的产生非常自然，是出自感性、本性和天性的东西，它出自人类第一声喊叫。欣赏音乐、走进音乐，首先要感受音乐，感受音乐带来的感动和心灵的共鸣，然后才能理解音乐、表述音乐。
音乐包含了艺术和思想等在内的丰富内涵。要对音乐所表达的内容含义进行深入的体味和得到完美的艺术享受，就必须从“感情”欣赏上升到“理智”欣赏，从“感觉”上升到“感受”。
①熟悉音乐语言：音乐语言依靠它特有的各种表现手段，包括旋律、节奏、音色、力度、等要素构成了音乐形象。听者要对不同的要素具有一定的敏锐的感受和理解能力，良好的分辨和记忆能力。不同的作品都有自己的'主体及主题变化发展的手法，听者应努力培养自己具有依靠听觉去感受器乐化主体的能力。而培养这种能力离不开对音乐语言的熟悉。
②掌握乐曲曲式结构形式：曲式是音乐在长期发展过程中形成的一套典型的结构方式。正是这种形式决定了主题呈示，重复，发展变化或再现的基本规律。了解和掌握它，才能进一步体味音乐作品的内容所体现的整体及形式美。
③了解音乐流派和风格：听者必须对作曲者所处时代、环境、经历、遭遇、身世等等有所了解，同时还要了解他写作此曲时的动机、以及乐曲的基本内容（最好也了解一些音乐形式和手法等）。如此，在听音乐时，听者就能随着乐曲感情的起伏变幻，而在内心得到一种讯号，随着乐曲之乐而乐，悲而悲，愤而愤，并转化成哲理概念。
④把握准确的欣赏方法：音乐在精不在多，而且要分层次和整体相结合。首先，面对一部作品，最好采取分章分段和完整聆听行相结合的方法。感情上，我们要熟悉它，跟踪音乐的信息；理性上，作品文字介绍或讲解能够帮助我们加深理解。其次，分层次听，可以感受旋律、伴奏、织体的进行等。最后，整体综合欣赏，感受整体的立体感，由表及里，由此及彼，逐步深入。
⑤现场聆听音乐会：听现场演奏可以使人感受音乐，使人置身其中，在无言中体会音乐的魅力，对于提升个人音乐素养起到潜移默化的作用。
在课上, 老师也为我们介绍了基本的音乐理论知识. 像音乐最基本的要素有节奏和旋律, 西方的文艺复兴时期的音乐, 巴洛克音乐. 还介绍了像贝多芬和肖邦等音乐大师的一些作品. 这些音乐知识都很吸引我。巴洛克时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔第和亨德尔。古典主义代表人物：海顿、莫扎特、贝多芬。浪漫乐派代表人物：门德尔松、舒伯特、舒曼、罗西尼、肖邦、柴可夫斯基、普契尼、理查施特劳斯。
在西方古典音乐欣赏中, 老师还给我们欣赏了中国的古典音乐, 其中使我感悟最深的是我国在著名的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》了，这首曲子描绘了梁祝相爱、抗婚、化蝶的情感和意境，歌颂了他们真挚纯洁的爱情。尤其是乐曲的展开部，描写“英台抗婚”和“楼台相会”的情景。铜管乐严峻的节奏，阴沉的音调，阴森可怕的大锣和定音鼓，惊惶不安的小提琴与大提琴，拉开了这场悲剧的序幕，成功地刻画了英台誓死不屈的反抗精神。由于封建礼教的摧残，一对青年男女无法摆脱即将降临的厄运，他们在楼台相会，互诉衷肠。小提琴代表祝英台，大提琴代表梁山伯，倾吐了他们无法用语言表达的切肤之痛。通过老师的讲解一个古老而动人的传说清晰的展现在我们的面前。在欣赏的过程中不仅使我们受到了艺术的感染和熏陶，美化了我们的心灵，而且培养了我们有崇高品德和高尚的情操，以及认识美，感受美，创造美的美感能力。
时间过得很快，一个学期的课程就要结束了。虽然《大学音乐鉴赏》课学习的时间不是很长，但我的收获却非常多，这门课程对我的影响也非常大，我对欣赏音乐的看法不再是那么简单了。通过上《大学音乐鉴赏》课激发了我对音乐的兴趣，使我更加注意听，去想，去感受，去体验音乐，使我懂得了在欣赏音乐中去陶冶性情和品格。
我想，今后我会经常利用休息时间去收集各种音乐文化资料，学习音乐知识，多听，多看，多接触优秀的作品，从而增长见识，并获得更多美的感悟。最后，我想说：音乐是一种美好的特殊的听觉艺术，不同的音乐形式就像是各式各样的色彩，只有你接触的越多，越广，才会给我们在生活中增添色彩，使我们的生活五彩缤纷，因而人们的生活离不开音乐。
古典音乐的论文5
引言
通俗古典音乐是当代新兴的音乐形式，是文化融合和音乐发展的必然结果。古典音乐文化底蕴深厚，旋律经典、优美，通俗音乐表达形式丰富，表达手段多样，因此集二者优点于一身的通俗古典音乐有着深厚的文化内涵和丰富的文化表达，是当前音乐发展和文化发展的主要趋势。下面本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。
一 通俗古典音乐的艺术特点
1 融合两种音乐艺术特点的表达方式
通俗古典音乐是以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行重新演绎，因此通俗古典音乐具有融合两种音乐艺术特点的表达方式，这也是通俗古典音乐的基本艺术特点。古典音乐有着悠久的历史和深厚的文化沉积，在漫长的发展岁月中流传下来很多经典的音乐曲目。通俗音乐则是近代发展起来更加贴近人们生活的音乐表现形式，具有当前最广泛的听众基础。因此，融合了两种音乐艺术特点的通俗古典音乐在音乐艺术的表达方式上能够兼两者之长，以更加丰富的表现方式表达音乐中的各个经典。通俗古典音乐让古典音乐通俗化，让通俗音乐经典化。通俗古典音乐可以从通俗音乐中汲取更加丰富的表现形式，更具色彩的舞美效果，更具现代特色的时代气息，同时还可以从古典音乐中挖掘更具文化力量和内涵的音乐内容，从而在艺术表达方式上实现雅俗共赏的表达效果。
《春江花月夜》原本是一首中国古筝独奏曲，在经过现代手段改编后，曲中添加了琵琶、笛子等其它中国民族乐器，成为了一首更具时代气息和古典韵味的中国民乐协奏曲。改编后的音乐由于增加了乐器从而使得音乐表现力得到了加强。此外，改编者还对原音乐节奏和衔接进行了更改，使得音乐更具动感的艺术表现力。通俗古典音乐便是在保留古典音乐主题思想的前提下对音乐进行从音乐内容到表现形式等方面的包装，使得这些古典音乐更加符合现代人的音乐需求和感知变化。当代著名小提琴手陈美便是对古典小提琴演奏进行了大胆的通俗化改革，并首先使用电子小提琴进行演奏，将融合两种音乐艺术特点的通俗古典音乐表达优势表现得淋漓尽致。她改编的《化蝶》既有古典音乐的婉转动人，又有现代音乐的激昂、壮美，将生死缠绵的爱情主题表达得更加彻底。改编后音乐在表现梁山伯与祝英台两人由相识到相爱的过程时曲风秉承中国传统古典音乐的舒缓、悠扬，喜悦、亲切，让听众如醉如痴而在表现两个人无法在一起时又采用电子小提琴激烈的演奏方式，将两个人与命运抗争的悲愤表现得壮烈、激昂。由于融合了古典音乐和通俗音乐的两种表达方式，因此这首改编后的《化蝶》一经推出便受到了音乐爱好者的追捧，其观众群体也包括了不同年龄段的音乐群体。由此可见，将古典音乐和通俗音乐融合而成的通俗古典音乐，在音乐表现方面并没有失去古典音乐的文化底蕴和流行音乐的表现能力，也没有失去两个不同音乐受众群体的观众。不同的音乐爱好者都能在通俗古典音乐中找到自己所钟爱的音乐元素，并且喜爱这种新型艺术的表达方式。
2 对文化的多元化表达
无论古典音乐还是通俗音乐，都是文化的重要表现形式和主要载体。即使单独分析古典音乐或者通俗音乐，不同地域的古典音乐和通俗音乐也都有着文化上的差异，例如，中国的古典音乐和欧洲的古典音乐就有着较大的文化差异，不同国家和地域的通俗音乐也都有着各自鲜明的文化特色。因此，将古典音乐通俗化过程中所进行的通俗古典音乐中可以看到更多对于文化的多元化表达。古典音乐通俗化的发展背后是世界各民族文化互相学习、交流和融合的结果，因此这个过程是对文化进行多元化表达和融合的过程。从层次上看古典音乐和通俗音乐属于不同的文化形态。古典音乐是不同民族传统文化或者古典文化的集中体现，例如，中国的古典文化便体现着中国传统文化中“天人合一”的道家思想。欧洲的古典音乐则体现着欧洲古典文化中对于礼教的规范和对科学的研究。而通俗音乐则表现的是在当前社会发展的状态下，普通大众人们的文化意识形态，即以各种音乐形式和文化形式来表达心中的情感，而不再过分强调表达的形式，打破形式上的束缚，是通俗音乐最主要的文化特征。
通俗古典音乐则是以更加开放、自由的形式对不同文化的表达和致敬。中国年轻歌手李玉刚演唱的《新贵妃醉酒》从名称上看便是一首对古典音乐重新演绎的曲子。演员的服饰也深合中国古典文化的内涵。但在演唱的风格和唱法上，李玉刚则展现了在古典音乐和通俗音乐之间游刃有余的演唱功底。其中，无论是对于歌曲通俗唱法的叙述还是对于歌曲升华时中国传统旦角唱法的演唱，李玉刚都演绎得尽善尽美。这首对于文化多元化表达的古典通俗歌曲一经推出，便深受不同层次音乐爱好者的喜爱。通俗古典音乐的文化魅力可见一斑。美国著名的跨界歌手莎拉·布莱曼便是一位融合古典和通俗两种演唱风格于一体的著名歌手。北京奥运会上她演唱的主题曲《我和你》让全世界人们感受到古典音乐的.空灵和现代音乐的激情完美融合的音乐佳作。而在演唱的背后，是莎拉·布莱曼音乐学习过程中对于两个层次的文化进行学习和理解的结果。通俗古典音乐对于文化的表达内涵和表达形式更加丰富和多样，是对文化多元化表达的体现。
二 通俗古典音乐的创编手法
1 编配手法改变
在通俗古典音乐的创编手法中，编配手法改变是其最常用的创编手法。古典音乐虽然在创作的格式上不如通俗音乐那样自由和丰富，但其漫长的积累和沉淀是新兴的通俗音乐所无法相提并论的。古典音乐中经典、优美的旋律举不胜举，并且经过代代相传在人们心中留下了深刻的印象。因此，对于古典音乐中一些旋律的借用变成了通俗古典音乐创编的主要手法。例如，中国的古典音乐《茉莉花》原本是一首江苏民歌，因为其旋律优美，流传甚广，深受广大听众的喜爱，因此被中国乃至世界的众多音乐家重新编配出各种不同版本的《茉莉花》。同样迷人的旋律，因为编配手法的改变而使得音乐在不同的地区散发出不同的色彩。上文所述陈美演奏的《化蝶》从创编手法上看同样是一首用通俗的编配手法对古典音乐进行创编的过程。创编者对这首古典的曲目进行了深入的分析，通过编配手法的改变对曲子中的旋律情感进行加强，尤其在表达两个人在和命运进行抗争的旋律时，通过电子小提琴演奏的编配使得曲子的基调变得格外激昂、壮烈，这是传统旋律中所无法达到的艺术效果和文化效果。对于古典曲目创编手法的改变同样体现着不同文化在音乐表现上的融合。通俗音乐中自由、开放、丰富的创编方式体现着现代流行文化中对于情感表达的自由、开放和丰富。因此，对于古典音乐运用现代文化的创编方式进行重新编辑是现代文化对于古典文化重新解读和演绎的过程。例如，中国的传统音乐中多以单乐器表演为主，这源于中国传统乐器多取材于自然，因此单乐器演奏更能够表达人与自然的和谐关系和意境。而现代文化中多文化的交流与融合已经成为了文化发展的主流趋势和动力，因此人们在对古典音乐重新编配时，自然引入了更多的乐器来表现更加复杂的情感内容和文化内容。此前一些不曾有过的乐器搭配在新时期的通俗古典音乐创编中被全新地组合和搭配在一起。文化的融合为创编方式的融合提供了文化基础和动力。经过创编后的通俗古典音乐在保留原古典音乐文化内涵的基础上又增添了多元化的文化形式。
2 音乐元素的融合
通俗音乐中的音乐元素更加丰富，音乐表现上也更加注重对各种音乐元素的运用。灯光、舞美、音效、服饰等都被十分重视地运用到音乐表演中。在通俗古典音乐中，创作者通过对各种音乐元素恰到好处的改变，将古典与通俗两种音乐完美地融合在一起。如上文所述的莎拉·布莱曼在一场演唱会中为了突出“月光女神”这一主题，设计者用圆形的幕布将舞台四周围起，并通过灯光的变幻营造出一个神秘的宫殿氛围并且根据演唱的曲目而不断变化着场景。在演唱《月光》时，站在舞台中央的身穿黑色纱裙的莎拉的歌声在上空悠悠地回旋，舞台布景随着天籁般的音乐变成了一个广裹的夜空，上面点缀着星光。无不带给人以巨大的视觉冲击力。演唱会灯光的运用可谓是恰到好处地把握了音乐的脉搏，如同人的情绪一般非常好地调节了现场气氛。当音乐的旋律低缓时，灯光也变得暗淡。当莎拉演唱《今夜无人入睡》时，原先一直固定不动月亮形状的天桥这时开始旋起来，此刻身穿一身金光闪闪的演出服的莎拉站在天桥的顶端。当莎拉用她那极具难度的高音唱出歌曲最后一个音符的瞬间，舞台上所有灯光全部聚集在这位女神身上。完美的舞美、灯光和音响效果为这场融合古典和通俗音乐元素的演唱会画上了圆满的句号。一次完整的音乐表演是由各个音乐元素组成的，因此通过不同文化风格、艺术风格和音乐风格的音乐元素组合而成的通俗古典音乐对于音乐和文化的多元化表达起着十分重要的作用。其中古典音乐元素中的旋律和主题是灵魂，而通俗音乐元素中的舞美、灯光、音效等形式是躯体。两者的完美融合必然塑造出具有灵魂，表现充实的音乐文化作品。同时，不同音乐元素的融合也体现着多元化文化的融合，具有更具时代性的文化创作。
3 音乐结构的改变
对古典音乐结构进行大胆的创新和改变，创造出兼具古典音乐和通俗音乐结构的新型音乐是通俗古典音乐发展过程中的重要过程。每一首音乐的创作都源于那个时期特殊的文化背景和创作者的情感状态。在古典音乐发展的漫长岁月中，音乐人对于古典音乐尤其是一些经典音乐曲目只有传承而稍有创新，更不用说改动。代表着文化融合的通俗古典音乐由于丰富了音乐的创作手法，因此便开始了对古典音乐结构改变的创新式设计。例如，现代著名的钢琴演奏家理查德·克莱德曼便善长对古典音乐结构进行创新和改变。在他演奏的贝多芬《命运交响曲》中的《命运》不但承袭了贝多芬的庄严宏伟以及与命运顽强抗争的音乐精神，同时用动感而鲜明的节奏把贝多芬的这首乐曲“摇滚”化了。在演奏的开头，理查德·克莱德曼采用了猛烈的键盘敲击来表达命运所具有的壮烈、激昂等主题属性，之后又改用辽阔的旋律表达了与命运抗争胜利之后的安宁与喜悦。前后音乐结构的巨大反差将贝多芬的名言“如果这是命运，我要扼住命运的喉咙”表现得淋漓尽致。钢琴曲的原结构虽然同样用于表达贝多芬与命运抗争的主题，但强烈之中缺少变化，所以表达的情感虽然强烈却并不丰富。理查德·克莱德曼对这首乐曲结构的改变无论从情感的表现上，还是音乐的变化上都是十分成功的。由于融入了不同的文化内涵所代表的音乐结构，这首改编后的钢琴曲也成为了通俗古典音乐中一个重要的符号被广泛研究。
结语
古典音乐是人类重要的文化遗产。那些经典、优美的旋律是人类千百年来文化和智慧的结晶。以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行新的创新和演绎是当代对古典音乐重要的传承方式。通俗古典音乐不仅表现着两种不同音乐形式的融合，也承载着不同文化的交流与融合。本文从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现所做的分析为中国通俗音乐的发展和古典音乐的传承起到了积极的推动作用。
古典音乐的论文6
一、课堂导入环节，借助音乐导入课堂，创设情境，激发学生学习兴趣
兴趣是学生最好的老师，这句话是每位教师关注的重点。怎样成功吸引学生的目光，实现优质的课堂引入，是教师需要深入探究的课题。传统的课堂导入环节有许多，音乐就是其中一种。对于美术教学来说，将音乐作为导入手段，可以立刻抓住学生的眼球，有助于课堂教学的开展。音乐以其独有的属性潜移默化地影响人的心理，拓宽人的体验领域，丰富人的感受。相信每个人都有这样的感触，聆听优美的音乐时，更容易实现心态的平和，缓解一定的压力。为了更好地开展高中美术教学，教师可以为学生播放音乐作品，从而让学生更容易产生灵感和感悟。如，在高中美术《中国画》一课的教学中，教师就可以利用中国传统民族音乐《江南春》导入，配以信息化技术的运用，将中国山水画和花鸟画活灵活现地展现在学生眼前。伴随着悠扬婉转的笛声，教师将学生带入这山水、鸟语花香间，进一步刺激学生的感官，使其获得美的感受。结合学生以往的知识经验和生活体验，设置启发性问题，其对于学生的`刺激程度将超过一般的讲解。以《中国画》这一课的课堂导入为例，教师在播放多媒体之前可以向学生提出问题，让学生带着问题观看视频。视频展现了中国传统山水画、花鸟画，悠扬婉转的笛声将大自然中的声音模仿得惟妙惟肖，学生仿若身临其境，感受大自然的壮阔秀丽，其思维会被自然而然地调动起来。学生思维活跃了，也会提高课堂教学的高效性。成功的课堂导入是实现教学目标的第一步，利用音乐先声夺人，将原本单调的教学画面丰富起来，充分调动了学生的学习主动性和积极性。
二、教学过程中，借助音乐体会美术作品想要表达的情感
在高中美术课堂教学中加入合适的背景音乐，不仅能营造出相应的氛围，还能使艺术作品的形象更加鲜明，促进学生的视觉感知和审美培养，丰富学生的想象。在鉴赏中国古代绘画时，教师可以古筝、古琴等民族乐器演奏的曲子为背景，传统的古典音乐可以有效地将学生带入一幅幅美丽的画卷。在欣赏《清明上河图》时，可以配上《渔舟唱晚》。因为《清明上河图》反映的是一幅幅生动的市井画面，正好借用《渔舟唱晚》的几个乐章，分别进行鉴赏。生动的画卷在学生眼前展开，与曲子的不同部分相结合，恰似一个个故事相连接。当画面出现繁华拥挤的市井时，可以选取乐器合奏的章节，烘托出画面的精彩。伴随着古筝行云流水般的演奏，悠扬悦耳的旋律从学生耳边缓缓流过，同时结合教师完美的讲解，实现了中国传统画卷的鉴赏。古筝曲会给人带来古风古韵的感觉，更容易帮助学生产生情感共鸣。古琴一直以来就是文人骚客所喜爱的乐器，其不仅是修身养性的物件，也体现了我国深厚的传统文化底蕴。古典音乐的创作向来追求人器合一的境界，用以抒发人的心境。在鉴赏《六君子图》时，可以用《潇湘水云》烘托元代文人失意落寞的心态和作者淡泊明志的审美情趣。空灵的琴声与简洁清明的画面融为一体，极大地帮助了学生理解元代山水画的创作理念和风格特点。中国传统画作时常伴随着书法文化呈现。中国书法是传统历史文化的承载者和发扬者，其特有的深厚文化底蕴与中国的古典音乐相得益彰，两者具有一定的共通之处。古代书法家创作时，时常会有丝竹管弦等乐器陪伴，从而实现身心的放松，营造一种舒缓的氛围。在行书《兰亭序》的字里行间，我们很容易发现一定的节奏和韵律美感，从而可以窥见作者所追求的洒脱和自由。在鉴赏此类画作或书法作品时，可以选取《平湖秋月》或《梦江南》等古筝配乐，让学生伴随着旋律的起伏，感受平和细腻的诗情画意。
三、结语
全新的教学理念为高中美术课堂带来了新的活力。打破固有的课堂教学模式，构建起美术和其他艺术门类的关系，进行科学的艺术融合，可更有效地探索艺术领域。利用古典音乐提高高中美术课堂的教学效果，丰富传统画作的内涵，激发学生学习中国古典画作的兴趣，实现高效课堂，可为学生打造一个多元化、多角度、多层次的高中美术课堂，从而丰富高中美术教学的形式和方式，促进学生综合素养的提高，进一步实现素质教育的目标。
古典音乐的论文7
一、中国古典音乐的审美特质
中华文明源远流长，中国古典音乐算是中华文化圣境中的一朵奇葩，我们的祖先在不断抗拒自然界的威胁以及漫长的艰苦劳动中提炼出最早的音乐，早在周朝，就有了由政府设立的“大司乐”总管的音乐机构。《史记·五帝本纪》记载，尧命舜摄政，后舜任命夔为典乐，“教稚子”，“诗言意，歌长言，声依永，律和声，八音能谐，毋相夺伦，神人以和”。《史记·乐记》记载，“昔者舜作五弦之琴，以歌南风；夔始作乐，以赏诸侯”。
中国古典音乐经过千百年来的流传发展，形成了优美动人的曲调与层次丰富的多重美感以及丰富的情感表达。
（一）情境交融意境美
中国古典音乐的创作中，精通乐律的创作者大多以文人雅士为主，所以中国古典乐与中国画有着共通的追求——意境美，力求将生活图景与思想感情融合在一起，使听众通过想象融入到乐曲中，在思想感情上产生共鸣获得身临其境之感。如《春江花月夜》这首名曲，清新优雅，其旋律婉转质朴，节奏流畅而富于变化，明快处若江水横流；静谧处若清风拂面，凡是听者都能融入其意境：江南春时，江畔泛舟，清风徐徐，明月初升，江两岸花影摇曳，使人沉醉。
（二）磅礴悲怆悲剧美
悲剧的特殊效果在于引起人们的怜悯与恐惧之情，其内在往往蕴涵着激烈的矛盾冲突，给人以痛苦、悲哀的感受，使人产生悲悯之心，激发人们对现实生活的思考。这种感觉不仅仅只有戏剧可以带来，同样音乐也可以通过深沉、哀怆的悲剧性情感表达带给听者上述体验，观众可随着哀婉动人、如泣如诉的旋律感受到乐曲的情感表达。如古曲《阳关三叠》，该曲取材自王维的七言绝句《送元二使安西》，共分三大段，一个曲调变化反复，迭唱三次，故称“三迭”。整曲曲调淳朴而又蕴含激情，情真意切，苍凉沉郁，表达了挚友分别的无穷伤悲与深切关怀之心。
（三）气势恢弘壮丽美
音乐的神奇之处在于，它可以凭借旋律就使人热血沸腾、人心激荡。也可以通过一件或几件乐器就描画出壮丽恢弘的大场面，琵琶曲《十面埋伏》描述了公元前202年楚汉战争垓下决战时的恢弘情景。用不同的`演奏技法表现了出征前金鼓齐鸣、众人呐喊的激烈场面，乐曲有散渐快，调式的复合性及其交替转换，增加了乐曲的不稳定性。又以接连不断的长轮指手法和“扣、抹、弹、抹”组合指法，表现将士威武的气派。曲调时而宁静而紧张，意表现垓下伏兵；时而急促紧张，表现两君刀剑相向、短兵相接。其中有描述两军激战生死搏杀的场面，又有悲情壮丽败阵自刎的无奈。
二、服装表演中音乐与服装表演的关系
服装表演中的音乐是指为配合服装表演而专门制作或选择的背景音乐，音乐的选择依据是要与服装表演的主题和编导的所要表达的意图而相合的。服装表演的音乐的作用就是要在表演过程中将服装、模特、观众三者联系起来，从听觉角度来调动模特情绪使之准确把握服装内涵、感染观众拉近观众与作品距离，从而补偿服装表演因表象性而产生的不足，深入观者内心，为观众提供情绪、情感等心理暗示并引导观众的观赏思路，从而营造更好地表演氛围。
三、中国古典音乐与服装表演的融合
服装表演是舶来品，所以服装表演中常见的背景音乐多见现代流行乐或西方音乐，少有中国古典音乐现身其中，随着中国风火遍时尚圈，中国古典音乐作为不论是从任何一种审美角度都经得起审视的音乐形式，早应该褪去大众印象中的古板外衣而被融入进现代服装表演当中。近年来音乐工作者们也在为中国古典音乐现代化可重回大众视野做着不懈的努力，其中经过改良的中国古典音乐不仅没有失去其厚重古朴的特色反而变得更加时尚了，比如“十二女子乐坊”的新民乐就多见于服装表演的舞台之上，新改编的《茉莉花》、《春江花月夜》等乐曲经过新的编曲及配乐后时尚动感、节奏鲜明、旋律流畅、气质清新，更加契合了服装表演音乐的选择标准。改良后的中国古典音乐很适合做展示中国风格服装的背景音乐，这使得观者感受到的视觉美与音乐的美感能完全契合，形成一个“美的整体”。使舞台上具有中国元素的服装更加的贴近观众内心，模特的表演愈加鲜活。音乐的感染力與模特的表演相互呼应，整个表现过程顺畅连贯、丰富生动，不仅使服装的魅力得到了提升，更是赋予了服装生命。
古典音乐的论文8
1前言
弗雷德里克弗朗西斯克肖邦(Fryderyk FanciszekChopin, 1810一1849)伟大的波兰音乐家，自幼喜爱波兰民间音乐，不满20岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家，电影《钢琴师》中古典音乐欣赏。后半生正值波兰亡国，在国外度过，创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品，以此抒发自己的思乡情、亡国恨。导演罗曼波兰斯基的经典电影《钢琴师》，作为一部波兰大导演摄制的反映波兰犹太人在二战期间遭受德国人残酷迫害的电影，不可避免地选择肖邦的音乐为电影的主导音乐。
我要说，波兰斯基在选择音乐上匠心独具，使历史背景及主人公的性格和故事发展巧妙结合，对于音乐素材的运用达到了炉火纯青的地步。波兰斯基从众多肖邦的作品中选用了三首夜曲、两首叙事曲、一首圆舞曲、一首前奏曲、两首马祖卡和电影结尾时的钢琴与乐队的Grande Polonaise，每一首都选用得恰到好处，和电影的结构、情节和场景的转换、主人公的心境环环相扣。
2《 钢琴师》 音乐赏析
电影伊始，1939年9月23日，正当钢琴家斯皮尔曼在华沙的录音棚里录制肖邦的《升c小调夜曲》，纳粹的炸弹无情地降落下来。爆炸了，他还不走，外面有震动声音，录音师劝他赶紧出来，他还不走，玻璃碎片夹着浓烟冲进录音间，这个场景给人印象很深。其实，波兰斯基在这里采用的完全是史实:《升c小调夜曲》平静舒缓的开始，忧伤宽广的基调，似乎预示着千百万犹太人的生命即将终止的厄运。德军占领了华沙，犹太人被迫戴上大卫星的袖标，禁止在人行道上行走，禁止去餐馆和公园钢琴家卖掉钢琴，全家人被赶到城中央几个高墙圈起来的集中营，他只能在餐馆里弹钢琴，换回一点点粮食。在这个时候，音乐，只是一种谋生的手段。
影片的高潮出现在将近结尾处，1944年的冬天，德军在东线节节败退，华沙已经被苏军包围，胜利解放指日可待，对于主人公斯皮尔曼来说这可能是黎明前最后的黑暗，但是一个意外发生了。这是电影中最震撼人心的一个片段，是在钢琴家为了打开一听罐头，在火炉旁被德国军官发现。波兰斯基在这个场景之前，已经通过音乐为这位德国军官是个什么样的人作了巧妙铺垫。当时钢琴家发现有德国人回来，便抱着罐头躲进阁楼里。这时，楼下隐约飘来贝多芬《月光奏鸣曲》第一乐章的琴声，德国军官将这段音乐弹奏得清冷幽怨，充满了人情，弥漫着惆怅和无奈，既暗示了他心有音乐灵犀、是一个艺术的欣赏者和同情者，又暗示了他骨子里没有其他德国刽子手那种凶残本性。
有了这个铺垫，他作为一个德国军官，冒险拯救一个苟延残喘的犹太艺术家的薄命，才不显得唐突。不知道过了多久，饥饿的斯皮尔曼也许是认为德国人已经走了，于是下楼在房间里找工具撬罐头盖的时候，罐头不小心掉在地上，里面的水撒了出来。斯皮尔曼心疼地把罐头捡起来，抱在怀里。突然，一个全身穿着德军制服的德军军官出现在他的面前，对于他来说一个身穿德军制服的人意味着什么?当军官得知自己面前这个瘦弱无助的犹太人是钢琴家时，便请他弹点什么。我开始在猜想他会弹一个夜曲，经过这么多的磨难，他难道不厌倦和疲惫吗?钢琴家略微迟疑了一下，似乎是惊魂未定，因为这个时刻也许就是他弱小生命的最后一刻。
沉静下来后，他选择了弹奏肖邦的《g小调第一叙事曲》。+g小调第一叙事曲》是肖邦根据密茨凯维支的叙事史诗《康拉德华伦洛德》而写。1828年，《康拉德华伦洛德》问世，叙述13世纪立陶宛爱国者华伦洛德领导民众抗击入侵的日耳曼十字军骑士的故事。斯皮尔曼在此时此地选择演奏它的用意无疑只有一个一一反抗!是冒着极大的风险的斯皮尔曼式的反抗!为什么是反抗?他没有选择莫扎特或贝多芬等德奥系的音乐家而选择了自己最拿手的也是本民族的骄傲肖邦的作品，如果导演选择让斯皮尔曼演奏莫扎特或贝多芬的曲子，那么斯皮尔曼就纯粹是卖艺求生了，无疑全片的魅力会大打折扣。但不是，他选择了肖邦，而在肖邦的作品里又恰恰选择了《g小调第一叙事曲》，因为这首曲子是一部弘扬爱国主义的乐曲，音乐论文《电影《钢琴师》中古典音乐欣赏》。这一切都是斯皮尔曼在坐在钢琴前那短短的一刻决定的，我想导演的意图就是斯皮尔曼在这一刻已经决定选择自己的方式反抗!他已经不再软弱了。但他同时也知道演奏以后这个懂得音乐的德国人很有可能会打死他，于是先前摔瘸一条腿的形容憔悴的斯皮尔曼不见了;询楼着身子四处找食物的斯皮尔曼不见了;对德国人P}若寒蝉、唯唯诺诺的斯皮尔曼不见了。现在这个坐在钢琴前的.斯皮尔曼是坚强的，重新获得自尊的斯皮尔曼，他要用自己的方式反抗给他带来痛苦的人!而在这种反抗中无疑他的祖国伟大音乐家肖邦的《g小调第一叙事曲》是他最佳的武器!
钢琴家坐下来，把颤抖的、带着伤疤和冻疮的手放在钢琴上，第一叙事曲开始的琴音缓缓奏出来，一段略显迟疑的开场白后，曲调变得流畅起来。这时，德国军官走到一把椅子前坐下，开始聆听斯皮尔曼的演奏。在短促的、我们听到了内心的忧虑的曲调后，忧虑不断地增长，变成了暴风雨般的悲愤。预示着未来的悲剧性的冲突。一段忧伤叹息之后，主题听起来特别宁静而明朗。
这时的镜头里是华沙城的废墟上撒满的月光，一束月光透过窗户投射在演奏中的斯皮尔曼身上，像罩着一层薄纱，此时的钢琴家也许在回忆过去美好宁静的生活。突然琴声的表现怀有警觉的沉静，继而旋律充满了惊心动魄的悲愤之情，而最终失去了明确的轮廓，成为势不可挡的滚滚波涛!最后结束部分还原为原来那样真挚、忧伤。但平静的气氛只延长了几小节，旋风般的尾声又重新卷入狂风暴雨般的激情和悲剧性冲突的气氛里!我相信不只是那个德国军官，根本没有人能不为之动容。第一叙事曲的开头和结尾，这是不是也预示了他的经历，他的回忆，他已经不知道能不能再见到自己的家人，没有食物，没有保暖的衣服，甚至连钢琴也没有了，开头的沉重和结尾的疯狂，从沉寂到爆发就在这短短的两页谱子中了。
钢琴家选择这首曲子是一个大义凛然的选择，他要用生命的最后一刻，不屈地抗击日耳曼恶魔，表达自己对迫害者的反抗，准备从容赴死!以前那个曾经对自己的同胞的反抗不理解的斯皮尔曼不见了，他的灵魂似乎变得坚强起来，五年来的痛苦遭遇，自己和家人悲惨的命运，对德国人暴行的仇恨和愤怒，都由肖邦的《g小调第一叙事曲》畅快地表达了出来。德国军官显然是被他的琴声所打动了，是人性的光辉还是音乐的力量?是出于对战争的厌恶还是出于对美好事物的珍惜?我想还是不用说明才是对故事最好的理解吧!
3小结
电影的末尾，由阿德里安布劳迪扮演的钢琴师斯皮尔曼正坐在金碧辉煌的音乐厅里演奏。在管弦乐团的伴奏下，战后演奏会上斯皮尔曼和乐队演奏的是肖邦平静的行板与华丽的《波兰舞曲》。战争结束了，宁静和平的生活再次回到人们身边。他试图去寻找和帮助那位德国军官但没有成功，在肖邦辉煌的波兰舞曲声中，影片结束了，迎接斯皮尔曼的依然是鲜花和掌声。
古典音乐的论文9
摘要：音乐艺术作品的创作离不开创作者本身的创造力，而艺术表达则需要包含情感和技巧两个方面。对于音乐创作来说，创造力的形成离不开创作者对于音乐的感悟，同时也强调创作者本身要拥有丰富的音乐理论基础。本文将从音乐创作实践角度，对音乐基础理论技术在作品创作当中所起到的作用进行分析，结合音乐创作规律，对音乐理论学习的重要性进行阐述。
关键词：音乐理论；艺术；技巧；创造力
艺术是主观情感通过载体进行外部表达的成果，通过观摩艺术作品，人们能够体会到创作者的情感流动，最终产生对于艺术作品的共情。但是艺术创作本身并非单纯依靠情感来完成的，其中创作者自身的创作技巧是打开情感传递大门的“钥匙”，只有选对进行情感表达的方式，才能够使单纯的个人情绪转变成为艺术创作。对于音乐艺术来说，理论基础作为前提性的技巧要求，其地位更为重要，缺少了理论基础，创作者便无法从音乐视域对情感进行审视，更无从通过音乐创造来完成精准、传神的情感表达。
一、音乐教育体系当中的音乐创造力
音乐创造力是现代音乐教学系统当中针对音乐学习者所提出的教学目标之一，主要是指创作者能够基于音乐作品的表达，借助音乐最终形成新的想法，创造新的事物。《义务教育音乐课程标准（20xx）》当中对音乐创造力提出了明确的概念界定：义务教育阶段学生所具备的音乐创造力应当是学生在音乐运用当中凭借自身拥有的想象力以及涉及音乐的思维潜力来完成的对于音乐的创新和应用。教学系统当中针对学生创造力的培养主要从开发学生即兴音乐编创能力和充分利用音乐材料进行音乐创作两个方面开展工作。从音乐课程标准来看，音乐创造力应当包含广义和狭义两个层面的含义。其中广义的音乐创造力是指通过音乐进行不同形式的创新创造，展现音乐素养，表达音乐情怀；狭义的音乐创造力主要是指音乐作品的创作能力，学生需要通过音乐学习的方式来掌握音乐作品的创作规律，并最终能够独立完成音乐创作。本文在进行音乐创造力与音乐理论学习之间关联的研究时，主要以狭义的音乐创造力为研究对象。
二、音乐理论及其技巧应用
（一）音乐理论的主要内容
音乐是人类文明发展到一定阶段所形成的一种文化活动和艺术表现形式，人们主要通过对声音的控制来最终呈现出乐音。音乐通常具有一定的音高，拥有固定的调性、音色和强弱节奏，人们将这些因素组合在一起，最终形成乐音，并完成情感表达。人类早期的音乐是一种自觉性的音乐，人类更多通过发出不同声音的方式进行情绪的表达和渲染。而随着音乐逐渐发展成熟，它有了更加丰富的内容系统，在情感表达方面也更加深入，与音乐创作、音乐表现相关的音乐理论也相应诞生了。音乐理论即“乐理”，是了解音乐、聆听音乐、创作音乐的基础理论。伴随时代发展，现代乐理系统逐渐完善，相关乐理体系教学当中一般需要包含基础乐理、乐谱、调式、音程、旋律、配器等内容。其中基础乐理包含认识声音和音高、认识音律、识谱等；调式部分包含调式和调性、多声部、调式的音乐表现等；音程包含自然音程和变化音程、音程的转位、构成音程的方法、识别音程等；旋律包括和弦、节奏、节拍、切分音、音乐速度等。现代乐理体系复杂、内容众多，乐理学习在认识音乐、创造音乐中是最为基础的环节。
（二）音乐理论的技术运用
通常情况下，理论知识的最终目的都是指导实践，音乐理论同样需要最终应用到创作实践当中来，借助技术呈现的方式，音乐理论最终会以音乐作曲技巧的形象展现在音乐学习者面前，而音乐作曲技巧也是所有音乐创作者必不可少的学习阶段。在完成了基础乐理的学习之后，学生开始接触到更加专业、更具实践性的学习内容，其中和声、复调、曲式和配器四个方面的学习将是学生从音乐认知到音乐创造的过渡过程。在学习当中，学生将从原本对音乐作品的解析出发，尝试对一首音乐作品如何被创作出来，如何进行情感价值表现，如何形成一首完善的作品进行了解。同时在教学系统当中还会引入实践训练等内容，引导学生尝试进行音乐作曲，在实践过程中不断磨练技能，掌握基础层面的音乐理论和作曲技巧，为后续的融会贯通打下坚实的准备。在乐理技术中，和声的运用决定了一首音乐作品的整体结构框架和情感基调。通常在音乐创作中，创作者需要优先完成作品构思，再思考如何运用和声编写来完成构思内容的表达。和声在音乐创作当中需要包含三个方面的功能：其一，和声编写要明确音乐作品进行时的声部组合方式，要保证各声部之间相互协调、和谐统一；其二，和声的编写从最初便决定了整首音乐作品的结构构成，创作者在编写时需要利用进行、收束和调性布局等方式来进行结构和曲式的设置调整；其三，奠定音乐作品的感情基调。和声进行的调性直接决定了音乐作品的情感走向，创作者需要运用不同的和声编写来贴合音乐情感。复调是一种多声部的音乐创作技巧，虽然复调主要集中在古典音乐尤其是巴洛克音乐的创作，但是现代流行音乐创作当中也偶见复调的身影。复调主要通过两个或以上的声部旋律共同参与音乐进行，能带给人以宏达壮阔之感，提高音乐作品的表现力。音乐创作者在进行一些需要表达独特情感、场景化的音乐作品创作时，可以尝试运用复调的创作技法，通过同时进行多声部来烘托氛围。曲式是音乐乐曲组成结构的基本方式。在音乐创作中，通常会考虑小型曲式或大型曲式，其中小型曲式在当前流行音乐创作当中较为普遍，而大型曲式则主要是以交响乐的创作为主，其中奏鸣曲、变奏曲等形式是大型曲式的主要曲式内容。配器是指在音乐作品当中的乐器调配，不同类型的乐器能够发出不同类型的乐音，产生不同的情感。在丰富音乐色彩、进一步呈现音乐作品风格特征的过程中，配器可以起到准确把握情感脉络，彰显艺术思考等创作作用。
三、音乐理论在音乐创作当中的应用
（一）和声在音乐创作当中的应用
和声当中的“和”主要是指音程上的'和谐，通过合理运用和声，能使音乐音程、进行和各个声部之间保持和谐统一。一般在音乐作品创作过程中，创作者的和声选择会以平衡为主，保证整体音乐行进过程平衡稳定，带给观众以愉悦感。虽然部分先锋音乐、实验音乐的创作者善于运用不协和音程等方式，通过调整和声表现来制造音乐艺术情境的疏离感，带给听众不一样的体验，但是那更多是创作者在基础训练十分扎实、对于和声的运用十分熟练后的一种创新性的尝试，为音乐世界增添色彩。常规的流行音乐、传统民族音乐的创作中，创作者的功底和对技巧的运用不够纯熟时，仍然应当以平衡的和声应用为首选。在创作当中，创作者应当将整首乐曲看作是一个平衡单位，并对其进行各个环节的片段划分。小的乐曲片段再根据音高进行有序排列，创作者便可以从中找寻到整个乐曲的平衡点。创作当中较为常用的三度和弦，在实际应用中也需要通过找寻平衡点的方式来实现其表达功能，使乐曲听感增加、表现情感更为突出和完备。
（二）曲式在音乐创作中的运用
我国传统音乐和古代文学当中，音乐的曲式结构十分丰富。宋词元曲当中的各种词牌、曲牌其本质就是一种曲式。现代音乐创作在曲式的选择方面可以用仿古的方式来增添韵律，凸显曲式运用背后的文化感，搭配五声调式能够进一步增添音乐作品的文化韵味。对于创作者来说，曲式的选择应当注重统一性，应当在了解明确乐曲结构的基础之上，结合不同的创作章法和创作意图，对曲式进行选择和调整，以达到完整表达音乐情感的艺术创作目的。
（三）复调在音乐创作中的运用
流行音乐当中较少出现复调的运用。常见的复调如对比复调、衬腔复调等，乐声的表现形式相对独特，对于听惯了流行音乐的社会公众来说，一首乐曲进行当中出现两个及以上的声部会令他们产生一定的困惑。而对于音乐创作者来说，复调在渲染情境、表现情感方面作用十分突出，创作中可以尝试选用一些复调方式来进行音乐作品情感表达的衬托，追求多样化的艺术审美，呈现独特的古典音乐艺术魅力。
（四）配器在音乐创作当中的应用
随着音乐制作技术的快速发展，越来越多的计算机技术手段开始被应用到音乐创作当中，相比于传统的音乐创作方式，技术应用下的音乐配器可以通过技术合成的方式来完成近似音色的表现，而电子音的运用也成为现代音乐创作变革的重要节点。对创作者来说，根据音乐创作要求选择的乐器类型和配器方案更加丰富。通过音乐理论的学习和对配器知识的掌握，创作者能够更好地把握不同乐器、不同配乐方式在音乐作品情感表现当中的呈现效果。一些民族乐器如二胡、琵琶、唢呐等，融入到乐曲编配后往往能够呈现辽远、悠扬、苍茫的情感基调；而架子鼓、吉他等乐器作为流行乐团的标配，更多以激进、昂扬、喧嚣的情绪为内容；而在一些趣味、恶搞的音乐创作当中，创作者还会通过加入电子节拍器和反拍贝斯来烘托场景，营造节奏快速进行的氛围。因此创作者需要具备较好的音乐素养，了解各种乐器在实际音乐创作当中所呈现出的特征，进行有意识、有想法的创作思考。
四、总结与讨论
（一）音乐理论水平的提升带动了音乐创造力的提高
毫无疑问，音乐创造是基于情感抒发的艺术化表达，而创造力事实上还包含了音乐创作的不同等级。一些音乐创作者按部就班，在音乐创作中多快好省，态度相对敷衍；有些创作者希望能够在音乐创作道路上有所突破，大胆尝试各种新奇的音乐创作技法，敢于在公众无法接受的环境中进行音乐实验。从创作规律来看，音乐理论基础水平和音乐能力的高低在一定程度上直接决定了创作者是否会选择较为激进的创作方式，前述提到关于先锋音乐、实验音乐的创作中创作者非比寻常的和声应用，恰恰来自于创作者自身的高度自信以及创作技法的纯熟，他们拥有更为深厚的理论知识基本功，才能够拥有音乐创新的资本，才能够形成对于音乐不同创作方式的思考，并付诸于行动。可以认为，音乐理论的学习是音乐创造力的基础，同时决定了音乐创新水平的上限。
（二）音乐文化潮流的全面引领
文化潮流是音乐创造力放置在更广阔视域下的文化现象，音乐艺术与其他艺术的创作影响规律十分近似，新兴的音乐作品更多是从传统音乐环境当中孕育，经历“离经叛道”的环境误解，逐渐受到社会关注，并在一定的文化契机当中获得认可，最终形成更为广泛的影响、成为音乐表现的重要形式之一的。在传播学理论当中，潮流的实现来源于对人们内心深处隐秘欲望的挖掘和认同，事实上，这类最终能够成为潮流的音乐作品，无论在发展过程中表现得多么“先锋”，本质上并没有抛弃艺术性的核心，同时也没有违背既定的艺术创作规律。音乐作品本身始终不是凌驾于情感价值之上的存在，自始至终它都是知识情感个性表达的艺术桥梁，承担着传播和搭建的使命。而桥梁的“用料基底”，仍然是基本的音乐理论。可以认为，音乐理论的学习与完备，决定了音乐创造力的下限，音乐创作者需要达到完备理论系统化的学习标杆之后，才有可能在后续的发展当中成为真正有影响力、创造出真正感动人心作品的“潮流引领者”。相反一些急功近利、试图通过浑水摸鱼的方式来获得市场短暂的喧嚣的人，他们的作品在喧嚣褪去后，一样会被人们抛弃和遗忘。
（三）音乐文化发展的未来展望
从艺术实质来看，音乐实际上是一种忠实记录下的感官超越。其中忠实记录能力是基本功，是音乐创作者在创作之前的先验能力和系统化的学习成果。很多音乐创作者在音乐发展道路中，认识到了如何运用旋律走向、和弦进行和配器等方式，对事实与历史进行记录。这种记录是感官层面的，是通过主体性体验来获取的。与文字记录不同，音乐的忠实记录来源于音乐本身的真实性，即音乐创作者无法借助假的情感来完成真实记录，音乐创作所完成的一定是对真实的回应。但是音乐的创造不只是完成记录，而是需要在记录之上，实现对于感官经验的超越，而这种超越才是音乐拥有恒久生命力的关键。从发展角度来进行音乐审视可以发现，音乐的传续和每一代音乐人的出现，实际上都是对既有感官的一次超越，这种超越是多方位的，除了对物质世界挖掘的进一步深入之外，对于精神层面的提升也十分显著。对于创作者来说，音乐理论更近似于“敲门砖”，是进入丰富音乐世界的钥匙，而创造力则是在音乐理论基础之上的升华。未来音乐若要继续发展，就需要不断涌现出新的“探路者”，凭借他们扎实的音乐理论和空灵的音乐思想，完成对音乐的遐想和创造，打破既有的音乐思维逻辑，塑造全新的音乐世界和音乐文化场景，使音乐真正成为人类灵魂最忠实的表达和记录。
古典音乐的论文10
摘要：古典主义时期是欧洲音乐历史发展的里程碑阶段。
受启蒙运动的影响，古典主义的艺术大师们对音乐构思中的理性精神和逻辑进行了探讨，并使得情感在音乐中得到更加适度的表现。本文从当时歌剧领域和启蒙思想的理性精神两个方面，来探讨启蒙运动思想对欧洲古典音乐的影响及带来的变革。
关键词：启蒙运动；古典音乐；喜歌剧；理性精神
古典主义时期是西方音乐史上的一个重要阶段，这个阶段深受欧洲启蒙运动的影响。发生在资产阶级革命时代的欧洲启蒙运动，引导着新思维不断涌现，它和理性主义等思想一起构成一个长期的思想革命和文化运动的主要内容。启蒙运动的影响覆盖了自然科学、文学、哲学、教育学、伦理学、政治学、经济学、历史学等各个知识领域。18世纪中期，随着工业革命和科学技术的发展和法国大革命的影响，欧洲的社会发生了深刻变革，英国资产阶级革命的胜利标志着欧洲进入资产阶级革命时代，当时法国是强大的封建集权国家，资本主义工商业发达，资产阶级队伍不断壮大致使资产阶级所需要的权利也随之膨胀，但是随着资本主义的发展资产阶级与封建阶级统治者之间的矛盾日益激化，资本主义只有打破封建制度的束缚与羁绊并冲破封建的藩篱才能找到出路，启蒙运动也正是这种社会局势在思想上的真切体现。
启蒙运动作为一场资产阶级的革命首先兴起于西欧，之后波及到欧洲大多数国家，最后影响到全世界，并孕育和推动了资本主义、社会主义的形成，是继文艺复兴以来的第二次大规模的思想解放运动。它反对封建制度与教会神权，比文艺复兴更强调“人”的作用，“人”的解放，它主张人的理性推理可以作为知识来源，高于并独立于感官感知，以“人”为中心，回归自然，追求共和、民主、权利、自由、平等、博爱，讲究普世性，推崇建立一个以“理性”为基础的社会，人的理性分析和推理成为分析问题、解决问题的主要途径。
音乐是一种文化，一种思想，它并不是空中楼阁，虚无飘渺。受到启蒙运动影响的音乐家也走出宫廷深院的大门，为新兴发展起来资产阶级构思创作，于是音乐的令人愉悦、容易理解和感情生动等品质，成为音乐美的准则，这是启蒙思想融入了音乐创作中的体现，如启蒙运动的代表人物卢梭等思想家的理论，会让我们更好的了解启蒙运动时期的音乐特质，更加了解这个时期的音乐家的创作与之前的巴洛克音乐和之后的浪漫主义音乐产生本质差异的原因。卢梭在政治上提出了“社会契约”论和“人民主权”说，猛烈抨击封建王权，认为统治者如果反对民意、侵犯人权、践踏人民的公共意志，人民就有权推翻他，政府应该着眼于个人权利的平等，而不是保护少数人的财富和权利。不管任何形式的政府，如果它没有对每一个人的权利、自由和平等负责，那它就破坏了作为政治职权根本的社会契约。人民的意识不仅在卢梭的政治思想中得到了深刻的体现，同时在他的歌剧美学思想中有着更加令人惊喜的体现。另外，法国著名的思想家孟德斯鸠提出的三权分立学说、天赋人权学说，明确的显示了他强调人民权利的思想。本文选取两个在音乐领域中最能体现启蒙思想影响的方面来探讨启蒙思想的影响在西方古典音乐中的渗透。
一、歌剧领域方面
历史上著名的三次歌剧改革之争只有以瓦格纳为中心的改革与启蒙思想没有关联，而以卢梭为主要代表的喜歌剧之争和以格鲁克为中心的歌剧改革都与启蒙运动的思想有着密切联系。传统意大利歌剧在发展过程中，受贵族听众需求的影响，变得越来越偏重音乐性，尤其是在咏叹调等体现人声线美感的独唱段落中段落式炫技的性质不仅显示了歌唱家的高超歌唱技巧同时也极大的满足了听众的听觉感官。但是这种“音乐性”却发展为一个极端：歌唱家为了炫技而歌唱，不再真切抒发情感，不再有进入角色的表演，也不再注重体现音乐要表达的思想，使音乐逐渐失去了它应有的意义。这种极端的音乐表现形式过于僵化，缺少情感的音乐无异于缺少灵魂，于是听众对这种音乐也开始逐渐的放弃。于此同时佩尔格莱西的喜歌剧剧目《女仆作夫人》于1752年在巴黎上演，而这部喜歌剧剧目新颖、生动的特点立刻使已经疲惫的人民精神振奋，欣喜不已。在喜歌剧受卢梭和部分统治阶级以及广大民众的.热烈拥护的背景下，西方音乐史上法国大歌剧派和意大利喜歌剧派著名喜歌剧之争便由此上演，为此，卢梭还自己创作了一部喜歌剧——《乡村卜者》。
“喜歌剧”是指18世纪上半叶在启蒙主义思潮影响根据意大利幕间剧的基础产生的，喜歌剧是反对意大利正歌剧的“装腔作势”并追求“自然”的歌剧体裁形式。喜歌剧的题材通常取自日常生活，音乐风格轻快幽默，这也就造就了喜歌剧的重要特质：喜歌剧不再反映王公贵族的生活而是以平时生活中的小人物、社会中下阶层为主要表现对象；表现人们熟悉的生活场景、细致描写人物的性格特点，具有喜剧因素，结尾往往是团圆或胜利；它的音乐轻快活泼，常用本民族语言表演，戏剧情节简单，人物精炼等；剧词幽默、口语化，音乐也十分生动多样，喜歌剧充分表现了人民的真实生活、人民的喜怒哀乐，更重要的是在这种歌剧的主题中，一般都会对小人物进行赞扬，赞扬他们聪明、热情、公正、智慧，拥有巨大的力量，总是能战胜邪恶势力，取得胜利。
卢梭的歌剧美学思想与喜歌剧的特质一致，他力图表现平民世界的美，所以在他创作的《乡村卜者》中的人物多数为穷苦的人；他在音乐风格、音乐语言上力求单纯、朴实、自然清新的乡土气息；音乐旋律追求简单，朴实无华，没有复杂的对位与浓重的和声，平易近人，通俗易懂。他强调音乐要模仿自然的旋律，模仿语言声调和语气。“自然”不仅指自然界，还指自然人的本性，没经过文明社会污染的人的纯朴、自然的热情。音乐对自然的模仿就是对人纯朴的热情进行模仿，音乐的感染力也正在于用“热情的抒写激起我们的热情。”法国评论家圣。勃曾说：“没有一个作家像卢梭这样把穷人表现得卓越不凡。”启蒙运动思想就是这样清清楚楚在歌剧中有了它的体现，喜歌剧的内容、形式、所表达的情感，无一不说明启蒙思想对音乐的影响。
在18世纪的意大利正歌剧过份注重美声、炫技性而无视戏剧性的背景下，一些艺术家也开始思考对正歌剧进行改革。格鲁克是其中重要作曲家之一，他早年主要创作传统风格的意大利歌剧。18世纪50年代，受歌剧改革浪潮影响，他先后创作了《阿尔切斯特》《奥尔菲斯与尤丽狄茜》等歌剧，在这些歌剧的创作中他实践对歌剧改革的一些设想。他的观点主要体现为：在歌剧中，声乐要去除不必要的装饰，音乐必须随着剧情的发展，简洁自然地表现出来；太多的咏叹调，会破坏剧情的连贯性；歌剧序曲的基调应与整个戏剧的基调相吻合；歌剧音乐应该追求清晰和简洁的原则。而格鲁克歌剧取得的成功也证明了这些观点的价值，《奥尔菲斯与尤丽狄茜》中的咏叹调“我失去了尤丽狄茜”等唱段，至今仍被音乐界视为既富于美感又简洁明晰的佳作，奥尔菲斯下冥府拯救妻子的场景则以音乐和戏剧的浑然一体而动魄感人。格鲁克在18世纪70年代又创作了《伊菲姬尼在奥利德》《阿尔米德》和《伊菲姬尼在陶里德》等优秀的歌剧，这些歌剧的美学观点启发着后世许多著名歌剧作曲家的思考和探索。
二、启蒙思想的理性精神
理性主义精神是承认人的理性可以作为知识来源理论基础的一种哲学方法，主张人的理性高于并独立于感官感知。
启蒙主义者认为“理性”是人们思想和行为的基础，他们呼唤用理性的阳光驱散现实的黑暗，批判专制主义、教权主义，号召追求政治民主、权利平等和个人自由。启蒙运动文学家痛斥想象和飘忽无常的情感，认为凡是天生的事物总是符合理性的，是永恒并且真实的。在这种思想与主张的影响，西方古典音乐开始强调人类理性，并着重于反映资产阶级新兴市民的精神面貌，主张音乐要从宫廷、教堂走入平民百姓的世俗生活。音乐文化的发展在渗透人类理性的基础上也极大地受到了当时时期平等、自由、博爱，尊重科学、尊重人权、提倡个性解放等主导思想的影响。因此，在古典时期的音乐中最突出的特点之一是：在情感表达与理性的形式美中更注重后者，尤其体现在结构形式方面。古典主义时期，人们更多提倡清晰的主调音乐，逐渐不再喜欢复调那种繁复的音乐风格，这便更加突出了旋律与和声这两大音乐要素。对称的段落结构和清晰的音乐旋律句法取代了巴洛克音乐动机加变奏的装饰性旋律方法。古典音乐结构形式中，作曲家更加乐于运用带有抽象辩证思维的奏鸣曲式并使它成为几乎无处不在的音乐形式，独奏奏鸣曲、三重奏、四重奏、五重奏等音乐形式出现在私人客厅里；五人以上的合奏也作为宴会、婚礼背景音乐出现；小夜曲、嬉游曲也都在这个时期发展起来。当由庞大的管弦乐队演奏的交响曲从宫廷的娱乐转向了面向大众的音乐会时，它便融入了时代精神的内涵，器乐音乐的意义得到了升华。
启蒙思想认为理性是组织、分析的基础，同样，在音乐艺术中，古典主义音乐家的音乐创作也是如此，格鲁克、海顿、莫扎特和青年时代的贝多芬等音乐家对影月形式的理性与逻辑做出了探索，使作品更加完美地表现了情感。音乐大师海顿认为艺术的真正意义在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。他的这些思想也体现了启蒙主义中以大众为中心的思想，明显的体现出启蒙思想在其音乐创作主张中的渗透；莫扎特是是西方音乐史上最富有智慧的音乐家，从他笔下涌流出的音乐具有古典美，是艺术的一种升华，同时他以其多面的杰出才能推动了古典风格趋于完美；时代的音乐巨人贝多芬完善了古典主义风格，他的音乐充满时代斗争精神和高度个性，最终，他的音乐超越了古典主义精神，他也成为19世纪浪漫主义的引路人。
通过分析此阶段的音乐作品笔者发现，在他们的创作中内含着严密的逻辑思维的运用和对结构的清晰安排。音乐上的奏鸣曲式在他们的笔下走向成熟阶段，直到现在我们还在津津有味的分析着这些作品的绝妙结构。古典主义与浪漫主义不同，浪漫主义的作曲家们更加有自己的个性，这种个性只是体现他一个人强烈的情感，这种肆意的宣泄、心理的瞬间变化，使他们创作时不可能再有一个完美、对称、均衡的形式，为了更能抒发情感，他们可以随意的打破秩序，音乐成为表达主观情感的工具。而古典主义音乐是在理性的控制之下来创作的，音乐家把音乐作品本身当作自身存在的客体，追求创作中思想逻辑的清晰，主题的明确和形式的完美，它的效果是明确客观的。他们注意旋律的优美、追求精湛的技艺和细腻的感情，讲求作品整体的秩序、协和、比例以及对情感表达的控制。准确地呈示、合理地发展、自然地再现，绝对控制着全局、种子动机的铺垫和一步步发展、戏剧性的冲突与矛盾的制造、高潮的到达、音乐的目标感都是作曲家主要考虑的问题，这些问题也充满了对理性的思考。
诚然，启蒙运动是一场思想上的运动，而音乐却也恰恰是思想的表现方式之一。于是我们看到音乐创作与启蒙之一思想紧紧联系起来，那个时期的古典音乐处处都能感受到启蒙思想的气息，体会到启蒙运动的精神和理性精神的光辉。
上面内容所说的只是启蒙运动思想和古典音乐的关系最具代表性的其中两个方面。当然，这只是在用文字进行分析，摆在这里看起来似乎很简单，但实际上却绝非如此！我们说喜歌剧体现人民的力量，说它接近人民，表现人民心声，这只是内容和经验的总结，至于它是如何地体现、怎样地接近，还要我们实实在在的去听那些至今闪烁着光辉的大师们作品、观看那些大师们作品，用心体会那些作品；我们说古典主义音乐曲式结构多严密、多清晰、多有目标感，也不能只是纸上谈兵，要想真真切切明白这一切，同样需要我们去听那些优秀的作品，分析那些旋律优美的乐谱，用“理性的精神”去认知、感受。
参考文献：
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古典音乐的论文11
论文关键词：
欣赏 中国古典音乐教学 情感导入 情境创设 综合
论文摘 要：
音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域，在学校音乐教学中，音乐欣赏教学占有十分重要的地位。音乐是善于表现人们的情感，并能引起情感共鸣的艺术形式。音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境，激发学生的情感。综合教学有利于培养学生的艺术通感能力。
音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域，音乐是听觉的艺术，音乐的创作、演唱、演奏最终是为了听。在学校音乐教学中，欣赏教学占有十分重要的地位。各项音乐教学活动都是围绕着欣赏来进行的。
“随着我国改革开放的发展和人民生活水平的提高，外来不断渗入，很多新的价值观和文化元素甚至以一种‘强势文化’的形式冲击着现代人群。在我国部制定的《音乐课程标准》中，明确地提出了关于文化传承和弘扬音乐的要求”。［4］念着RAP踏着青春动感脚步而来的周杰伦；火辣的、席卷了半个地球的“韩流”，我们的下一代面对如此强烈的听觉、视觉冲击，还能容下自己本民族的音乐文化吗？
先进的科学理论和技术，是值得我们学习和借鉴的，但这并不能抹煞本民族文化的灿烂成就，相反，我国民族文化结晶也是世界文化宝库中的重要组成部分，也需要而且应当被我们后人所继承和发扬。培养学生热爱民族的音乐艺术，激发学生对民族的自豪感和自信心，这是音乐教育的目的之一。中华民族具有丰富多彩、悠久的民族音乐文化，在音乐教学的歌唱等活动中只能接触到其中的一少部分，音乐欣赏则可以让学生熟悉、了解民族音乐文化。音乐教师在这个传承与发扬的过程中，应该起到穿针引线的作用。
在音乐教学活动中欣赏中国著名的古典音乐《阳关三叠》、《渔舟唱晚》、《梅花三弄》时，我们采用情感导入、情境创设、艺术综合三种教学手段让学生理解、接受和喜爱民族音乐。
一、情感导入
《音乐课程标准》明确指出：“音乐教育以为核心，主要作用于人的情感世界”，“在音乐教学中要把情感，态度与价值观放在首位，突出情感。”［2］可见，音乐是善于表现人们的情感，并能引起情感共鸣的艺术形式。教师应有立足于学生情感、以人为本的教学思想，真正寓美育于音乐教学之中。
学生对通俗、流行音乐有浓厚兴趣，课本上的内容已远远不能满足他们瞬息万变的精神需求，既然我们无法阻挡流行音乐对校园音乐领域的侵入，何不顺水推舟，用一些优秀的、适合学生的流行音乐，在课堂上进行交流、探讨，并教会学生选择健康的、适合自己年龄的音乐。对于校园流行音乐，与其进行适得其反的遏制，不如正面引导。
《阳关三叠》又名《阳关曲》、《渭城曲》，是根据唐代诗人王维所作的七言格律诗《送元二使安西》谱写的一首著名的艺术歌曲，原诗是：“渭城朝雨浥轻晨，客舍青青柳色新。劝君更进一杯酒，西出阳关无故人。”表现了诗人对即将到关外的朋友恋恋不舍的.情谊，寄托了对友人无限的关爱之情。
本课的导引，我是这样设计的：
导引：播放通俗歌曲，周华健演唱的《朋友》。
师：你们怎样理解“朋友”这个词语？
生讨论并举手回答。
师：现在让我们来感受一下古人对朋友的情谊。
播放合唱《阳关三叠》，对比：古人和现代人对待友情的方式。
古人——劝君更进一杯酒，西出阳关无故人。
现代人——一生情，一杯酒。
古人一句“劝君更进一杯酒”既显出豪气，又道出对友人的不舍，如今的“一生情，一杯酒”，又是对友情的一种感悟：朋友之情犹如杯中之酒，越久越浓。二者都把友情寄托在了酒里。
在对本课进行了如此的感情铺垫后，学生已然接受，再对此曲进行分析，如曲中意境、何谓“三叠”等，学生们对古曲还会有排斥吗？
在本堂课中，我用学生容易接受的通俗音乐作为导引，为他们在古典与通俗间架起了桥梁。
二、情境创设
音乐教学中的情境创设，是一个吸引的过程，良好的教学情境可以感染学生，使他们产生浓厚的学习兴趣，积极投身到音乐实践中去，促进情感体验。
新的音乐课程标准在《关于教学内容》的几点提示中指出：音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境，激发学生富有感情的表现力，调动每个学生参与的积极性，培养学习音乐的信心，使他们在欣赏过程中受到美的愉悦，美的熏陶。
如：《渔舟唱晚》可以用三幅画将整首乐曲连接起来：第一幅：湖滨晚景；第二幅：渔歌飞扬；第三幅：湖边月色。
教学过程：
1。结合三幅画听全曲，并为乐曲分段。
2。分段听赏，体会每段画面和情境的不同。
第一段：安静；第二段：热闹；第二段：安静。
3。用手里的乐器和模仿每段的音响效果。
第一段水声较弱，用报纸模仿水声。第二段学生可以自己设计船桨划水声，启发学生还会有什么声音，可以有人声，有很多船靠岸，船上人的讲话声。
4。用自己设计的音响效果和音乐。
用图画和音响让学生身临其境，理解曲中意境，对于学生来说，要理解中国古典音乐，这应该是行之有效的方法。
三、综合
在教学中提倡综合教学法，把其他学科如文学，当然更少不了音乐的姊妹艺术如舞蹈、戏剧、影视、，有机融合于音乐教学中，“即以共同的要素实现各学科的沟通和连接，这种综合有利于培养学生的艺术通感能力，而达到超越种种感官的特异性而上升到相互沟通和相互替代，比如听到音乐产生视觉表象，看到形状色彩，产生冷热轻重的感觉”［4］。
诗、画、乐合为一体的教学，如：《梅花三弄》。
导引：
1。播放群舞《梅花》。
师：大家看出这段舞蹈表现的是什么吗？
生：梅花。
师：你们见过梅花吗，它有些什么特点？
学生接着会答出梅花的形态、颜色。教师再以梅花在冬季开放来引出梅花具有的坚韧品质。
2。出示梅花图片，学生在视觉上被梅花所吸引。
3。古今有许多以歌颂梅花为题材的艺术作品，如诗词：陆游的《梅花绝句》：“幽谷那堪更北枝，年年自分着花迟。高标逸韵君知否，正是层冰积雪时。”毛爷爷的词《卜算子·咏梅》：“风雨送春归，飞雪迎春到。已是悬崖百丈冰，犹有花枝俏。俏也不争春，只把春来报。待到山花烂漫时，她在丛中笑。”
师：让学生背诵王安石《梅花》：“墙角数枝梅，凌寒独自开。遥知不是雪，惟有暗香来。”
师：我们欣赏了这些表现梅花的艺术作品后，来听一段音乐《梅花三弄》，大家注意这首乐曲表现的梅花的高贵品质，并注意这首乐曲的主题。（欣赏）
师：听赏完这首乐曲，大家来讨论一下梅花的品质。
生：不畏严寒，迎雪怒放，刚毅坚贞。
师：再听一遍全曲，注意主题反复了几次？
生：主题反复三遍。
师：对，这也是“三弄”的来由。
复听全曲，进一步理解曲中意境。
四、听赏有关梅花的作品。
《红梅赞》是在江姐走向刑场所唱的，这首歌用梅花比喻共产党人的高贵品质：越是面临危险，越是信念坚定。《梅花三弄》的难点在于它是表现意境而非表现情境，前面之所以用了很长篇幅的两种艺术形式来导引，就是为了让学生先理解意境，再沿着这个方向听赏音乐。
其实在这三种教学方法中，都少不了应用其他姊妹艺术，如在欣赏《渔舟唱晚》时，可让学生先吟诵白居易的《暮江吟》。又如在欣赏《阳关三叠》时，可以让学生在课前准备一些表达友情的诗句，如：李白的《送孟浩然之广陵》、《赠汪伦》等。这些都可以和音乐教学融会贯通，帮助音乐教学更顺利更有效地开展。
参考文献：
［1］曹理，缪裴言。中学音乐教学论新编［M］。高等出版社，19XX。
［2］教育部司。音乐课程标准［M］。北京师范大学出版社，20xx。
［3］课程教材研究所。小学音乐教材六年级下册［M］。人民教育出版社，20xx。
［4］邓晓霞，杨宁。中国音乐欣赏与相关知识在教学中的综合与延伸［J］。儿童音乐，20xx，（4）：34—38。
古典音乐的论文12
摘要：无论是外来的古典音乐还是中华文明遗留下来的古典音乐，都是我们今天不可再生的精神财富与资源。古典的音乐可以带给人们对命运和未来无限的向往，留下不可磨灭的精神，但受各种原因的限制，我们的古典音乐并没有起到它应该起的作用，学校的教育对古典音乐的学习有严重的滞后性。因此根据社会的现状，提出强化初中校园古典音乐教育的几点看法，希望古典音乐能在初中的音乐课堂中得到普及。
关键词：古典音乐 知识源泉 初中音乐课堂 音乐鉴赏
在初中音乐课堂教学中，发现学生对古典音乐的学习基本没有兴趣，甚至较为反抗，很多学生都是心不在焉的状态。初中音乐教学课本里所选择的作品都是经过相关专家进行评估挑选，选择最具有代表性的经典作品，但是学生并没有对中国古典音乐有所兴趣。如今世界日新月异发展迅速，给世界带来了太多的影响，如同快餐一样的音乐文化认识有所偏见，不仅阻碍了平稳的古典音乐鉴赏教育，还影响开展古典音乐的发展和学习，使得很多优秀的古典音乐作品都没有很好的发展和普及。教育学家贺绿汀曾经说过，“音乐可教育和塑造中小学生的修养和文化，思想境界和道德品质，可以影响整整几代人，不应该被认为是可有可无，或者微不足道的”。因为中国古典音乐文化的博大精深，所以我们必须要进行有关古典音乐的教学，对古典音乐进行深入的探索，对现状进行调查，从而提高初中音乐教学质量，具备古典音乐教育服务的教学质量。
一、树立学生的课堂主体地位
由于中学生缺乏对古典音乐的兴趣，导致学生缺乏对古典音乐审美的价值，他们更倾向于现代音乐歌曲的节奏、新奇、摇滚和流行，所以发现其背后的根本原因，才能有效解决中学生缺乏对古典音乐兴趣这一问题。教学过程是一个认知的过程，这个主题是基于科学的认识论和辩证法唯物论作为其哲学基础，理性的认识并且依赖于感性认识和理性认识发展。用哲学的基本理论，探索古典音乐教学方法，这有助于中学生对古典音乐的理解，也是掌握古典音乐知识的有效途径。根据“注重理解和兴趣喜好理论是影响教学质量的关键因素”的心理学理论，在教学中正确使用多媒体，将课堂教学呈现出立体化、生动形象的表现形式，可以很好的改善学生对古典音乐课的兴趣，加强中学生对音乐的'创新思维。音乐心理学的研究更注重人的声音、音乐的记忆、想象的音乐和音乐的感知，根据人的声音感觉的四个要素：音高、音色、强度，时值，利用这些物理特性来加强理论与实践之间的关系的现状。利用这些教学方法，来有效解决对古典音乐缺乏兴趣的问题，从而树立学生的课堂主体地位。
二、研究学习方法构建来和谐教学气氛
在初中音乐课堂中，教师加强与学生的互动，增强初中学生对古典音乐的认知。古典音乐本身具有独特的艺术价值，可以增长自己的艺术素养，培养感请，有助于发展成一个充满活力、积极健康的人。怎样在这个流行音乐肆虐的时代培养初中学生对古典音乐的兴趣爱好，是一个非常考验初中音乐教师教学水平的问题。对于这个问题，教师要不断进行进修培训，联系自己的课堂教学，在培训中进行思考。还可以寻求互联网上正确有效的信息，在学习过程中，完成了对中学古典音乐课的反思，并对学生教学效果的情况进行自我评价。而且在教学的过程中重点需要研究中学生不喜欢古典音乐的重要原因，设计一个有效的解决方法来形成一个教学提案，通过基准教学的比较，表现出课程的有效性，鉴于具体的问题，可以积极研究具体方法并寻求更有效的对策。
从初中教师的角度出发，初中生学生因为什么不喜欢古典音乐、怎样才能提高学生对古典音乐的兴趣，我们需要对文献的大量阅读，找出培养中学生对古典音乐喜爱的方法，并能提供参考价值。而且在音乐教学课堂中要进行时效性的观察，掌握教学的基本情况，制定相关的教学计划。还需要用调查问卷的形式，让教师填写问卷，找出教师认为初中学生不喜欢古典音乐的原因。最后根据以往教师的音乐教学经验，总结和探讨学生不喜欢古典音乐的真正原因，并研究设计一个可以突破的教学方法，再将设计的课程与之前进行对比，通过对比教学，研究课程的有效性。教师还要为学生建立个人档案，通过观察、调查、比较等方法，在学生艺术能力的认知和情感发展的过程中进行有效的记录。最后，通过研究整个过程中进行深度的总结及反思，促使学生努力提高艺术欣赏能力和音乐评价的能力。
从初中学生的角度出发，做问卷调查时我们应该以座谈会等形式对全体初中学生进行调查，探究学生对古典音乐的理解程度，并对学生不喜欢古典音乐的情况进行分析和归纳，使得研究和评价有重要数据支持。班长和学习委员协助教师精心设计和组织各类校园文艺活动，从而引导初中学生理解古典音乐，促进对古典音乐的兴趣和爱好。
三、注重教学与实际的相结合
目前，标准的初中音乐课程是提倡以音乐基础教学为主，以教师的指导方针，提出课堂的教学内容，注重培养学生的独立思考能力和独立解决问题的能力。
在初中音乐课堂中，如果发现学生不理解古典音乐，不知道如何去鉴赏古典音乐，那么教师应该善于结合学生实际情况来创设教学情境，这样就可以调动学生的学习热情，使学生主动投入到学习活动中，使得每位学生都可以实现更好的学习。而且学生置身于教学学习情境中可以发现自己存在的新问题，提高自己的思维能力与发现问题的能力，同时也可以激发学生对古典音乐鉴赏的学习兴趣，提高学习的目的性。为了让学生能对古典音乐感兴趣，教师也应当做一些学习计划，比如每周让每个学生选择一首古典音乐进行鉴赏，有不明白的地方可以随时联系教师，也可以推荐优秀的古典音乐作品，让大家在课堂一起探讨和解读；在音乐课堂上仔细品鉴古典音乐，慢慢去感受和欣赏。通过使用这些方法，不仅可以取得了良好的学习效果，初中学生对古典音乐也会有质的飞跃和量的提高，对于流向音乐有所减弱，而在古典和民族音乐有很大的发展。从而扩大学生对古典音乐的喜爱，开阔了他们的视野。
四、结语
找出学生不喜欢听古典音乐是我们需要解决的问题，根据学生的个体差异，研究解决问题的方法，让学生可以从内心深处喜爱古典音乐，发现和了解古典音乐。兴趣是学习最好的老师，希望学生可以在古典音乐知识的海洋里畅游。在学习古典音乐的过程中，还要求初中教师帮助学
生做好鉴赏工作，因为利用鉴赏，学生可以熟悉学习内容，发现自己不能解决的问题，在听n时才能具有较强的针对性。但因为学生对古典音乐的兴趣不是十分浓厚，需要教师及时引导学生掌握其鉴赏的方法，使学生意识到鉴赏的重要性，形成良好的音乐鉴赏习惯。才能使初中学生在音乐鉴赏的过程中不断提高自己的自主学习能力，学会独立思考问题，同时也可以激发学生的主观能动性，教师利用引导学生奖赏也可以为备课作好准备。初中音乐教师也应该树立目标意识，可以使自己的教学活动有着较强的针对性，不但可以提高学生的学习效率，而且也促使教师及时转变教学观念，创新教学方法，重视调动学生的学习积极性，真正将学生作为学习活动的主体，发挥学生的主观能动性，使学生主动投入到学习活动中，创建高效数学课堂。让他们感受到古典音乐的美，原意去享受古典音乐，在我和学生的共同努力下，更好地诠释古典音乐，在研究中可能会出现失误，但我会在今后的工作学习中努力查找不足。
参考文献：
[1]曹大华.初中音乐课堂教学兴趣的培养探究[J].科技视界，20xx（33）：2.
[2]郭新秀.提高初中音乐课堂教学效果实验的探究[J].学周刊，20xx（11）：3.
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