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中国画线条基本技法
线条作为最基本、最单纯、最简单、最朴素的造型语言，被各种绘画所广泛使用，但是，线在国画里却有着特殊的地位。那么，下面是小编为大家分享中国画线条基本技法，欢迎大家阅读浏览。
一、线条的训练
线条作为最基本、最单纯、最简单、最朴素的造型语言，被各种绘画所广泛使用，但是，线在国画里却有着特殊的地位。早在唐代，张彦远就在《历代名画记》中宣称：“无线者非画也”，中国画是线条的艺术。在中国画里，线条不仅起着塑造形体、界定形象的作用，它还无时无刻不在表现作者的个性品德、人格修养和思想感情。线是中国艺术，尤其是中国画的灵魂，石涛和尚就精辟地道出了线条的重要意义：“夫一画，含万物于中”(《石涛画语录·一画章》)。
线条语言虽然单纯，但中国画在表现不同对象和物体时，通过对线条进行各种微妙变化，使其产生了独具个性的形式语言，如根据丝绸、棉布和麻料等不同质地的物体，使用不同线型、力度、弹性的线条进行表现。这种不同变化、不同形式和不同线型的线条在人物画中被总结成“十八描”，在山水中被概括成“十六皴”，在花鸟画中，则根据描绘对象和作者当时的思想感情的不同而千变万化。
国画里的线条并不仅仅局限在描绘形体，刻画形象上，它一直都试图表现作者的精神世界，事实上，线条在运行过程中的各种变化，如轻快凝重、提按转折、干枯秀韵等都与作者的心理变化紧密相连，一些抽象的心理感受在线条的点划之间得到了物化。如八大山人以阴柔的长线、转折多变的侧锋表现自己冷峻的个性和孤傲不拘的叛逆精神;石鲁则以似刀削斧劈、铿锵有力的坚硬线条表现自己不畏强暴、宁折不弯的个性。
学习绘画有两种基本途径：一是通过对实物进行写生练习;一是通过临摹前人的作品进行学习。方法不同，但学习的目的只有一个，就是通过写生或临摹掌握造型能力和表现技巧。不同的画种有不同的造型规律和形式语言，这两种不同的学习方法在造型能力和形式语言的学习上也各有特色：通过写生，可以直接来源于生活，这种方法更注重对象的真实性和写实性，与西画的造型观一致，因此比较适合西画的学习。中国画在造型上讲究“意象”，并不追求对象的真实性，在形式语言上具有较强的程式性，“意象”的造型和“程式”的语言是可以通过临摹学习其规律的，所以学习中国画从临摹入手是一个好的方法。
线条是中国画的基础，它的好坏直接决定作品的成败，因此在学习中国画之前，尤其在学习工笔画之前进行线条的学习尤为重要。学国画练习线条就犹如学书法练习笔画一样，通过对线条的起、行、收的练习，掌握线条运行的基本规律，在此基础上再进行各种线条变化的练习，熟悉不同笔毫的硬度特性和用笔的不同角度变化规律，准确把握指、腕、肘的运行方向和力度，灵活运用各种顿挫、转折、提按。在书法笔画线条练习中，要求“藏锋”，也就是要将笔锋藏于笔画线条之中，切不可“露锋”。线条在运行时要始终使笔锋藏于笔画线条之间，如果笔锋露出线条之外，就犯了“侧锋”的大忌了。虽然国画线条和书法线条不尽相同，国画线条变化丰富，要求多样，但在进行基础线条练习时，它也和书法笔画线条的要求基本一致，重点要求掌握“中锋运笔”，这样才能画出挺健流畅，“如锥画砂”、“如屋漏痕”般遒劲有力的线条。
任何一根线，它都由起笔、行笔和收笔这三个部分组成，正确掌握和运用这三个动作是线条成败的关键。
(一)起笔——起笔要顿
所谓“顿”就是笔锋着纸后轻轻地上下抖动几下，其目的就是将外露于线条之外的笔锋调整到线条之中，使之“藏锋”。书法笔画线条起笔时要求“欲右先左”，即如果笔画是从左往右写的话，起笔时要求笔画先从右往左写，然后再回过来从左往右，这样做的目的也就是让笔锋藏于线条之中。
(二)行笔——行笔要畅
线条在运行过程中要流畅，要求线型要统一，不能出现“蜂腰”、“侧锋”和“飞白”等现象。要使线条流畅，首先要做到呼吸均匀，千万不要憋着一口气，尤其是画长线，更要气息流畅，这样就会克服紧张情绪，有效地减轻停顿和颤抖等现象。要解决粗细不均，线型不统一和“侧锋”等现象，必须“中锋运笔”，只有这样线条才能如“春蚕吐丝”般地劲健连绵。
在行笔过程中要注意线条的节奏和韵律。一根线，尤其是长线，在行笔中切不可一泻千里，要尽量利用笔触运行的快慢、轻重来控制线条的节奏变化，在转折的地方要“顿笔”，这样既可以
调整笔锋运行的轨迹方向，又可以产生节奏感，这种有节奏变化的线条才能产生韵律，只有有节奏和韵律的线条才有生命力。
(三)收笔——收笔要留
书法笔画线条要求收笔时要“回锋”，也就是要将笔锋回过来藏到线条之中。在进行国画线条练习时也要注意“藏锋”，但没有必要象书法那样“回锋”。“留”就是将笔锋留于线条之中，切不可将线条尾巴随意地拖到线条的外面。在画线条时只要将笔适时停住，不要下意识地拖带即可。
(四)顺、逆锋
在绘画过程中，人们往往习惯于从左往右或从上往下地运笔，这种习惯的运笔叫“顺笔”，而从右往左或从下往上的运笔就没有“顺笔”自然，它较别扭，所以称为“逆锋”。在练习勾线时，要“顺锋”“逆锋”交替进行，千万不要因“逆锋”难就少练习。练习“逆锋”不要为了勾勒的方便而改变画面的方向，如果随意转动画面的话，就起不到练习的作用了。
二、墨分五色
国画传统上有墨分五色之说："'运墨内五色具"。主要是说明墨的从浓到谈有五个色阶的差别。像极了l、2、3、4、5、6、7七音控节寻声，形成整个音如一样.这样才能浓淡分明，画出色调层次，不过墨的音符从靠水来调节罢人过去对墨的五色，意见很不一致，供读者参考：
第一说 黑 浓 湿 干 淡
第二说 浓 宿 焦 退 埃
第三说 焦 浓 重 淡 清
第四说 浓 次浓 淡 次淡 最淡
还有用墨，浓、湿、干、淡、白作为墨的大彩。五色是概数，是形容层次多的意思，所以不要拘于怎样办法，我们只要认识到用墨由浓到谈要有墨色层次就行了。
墨的变化实际上就是水的变化，墨的干湿度也就是水的干湿。所以画什么效果，当没有把握时，最好通过试纸试一下再画，这样实践久了，就能做到心中有数，为了掌握果法之变化，亦盯试做各种浓淡干湿的练习，以对笔头的水份能够控制自如。
“干墨” 墨中水分少，常用于山石的皴擦，可产生苍劲、虚灵的意趣。
“湿墨” 墨中加水多，与水调匀运用，多用于渲染，或雨景中的点叶、点苔、使画面具有湿润之感，或用于泼墨法，表现水墨淋漓的韵味。
“淡墨” 墨色淡而不暗，不论干淡或湿淡，都要淡而有神，多用于画远的物象或物体的明亮面。
“浓墨” 为浓黑色，多用以画近的物象或物体的阴暗面。
“黑墨” 比浓墨更黑，用于笔蘸上极黑之墨是为焦墨，常用来突出画面最浓黑处，或勾点或皴擦，可收提神醒目的功效。
下面介绍两种墨的练习，
一种是极干到极湿的练习：焦 干 润 湿
'焦'是最干的墨，笔含水份最少，是在笔头已经消失了水份后仅能绘出的枯笔。"干"是有一定水份不再渗水。"湿"笔最饱和的水份，渗化水份最大。"润"半含水份，多属渲染的部分。除最浓的焦墨必须绝对干燥之外，不管深墨，淡墨，都可以有这四种水份的变化，对比着画，就有"干裂秋风，润含春雨""的效果。
一种是湿笔分浓淡的练习：
浓墨一般用来勾人物、山石的轮廓，点人的眼珠、山水的苦点、近的层次和提醒画面等。淡墨使用的范围是辅助主线，或者皴擦人面、树、石的立体转折，渲染阴阳关系及画远景等，烘染云气效果使用。
常用墨法：
破墨
破墨之说，始于南北朝。是萧绎的《山水松石格》中提出的一种技法。破墨有两种功能：
一是，用墨时有意画成不是整块形状，称为破墨(如画破荷的叶子，雨中的山水，人物的衣帽)。
二是，把前一种效果加以破坏或改变原来的效果，产生一种新的效果。破与立是辩证统一的关系，没有破也就没有立。一般讲，后一种破墨用量较多。"破"叶以是以浓破谈，但也可以是以淡破浓;叶可以是以线破墨，也可以是以墨破线。又如五种墨色浓淡的每次积叠也都是破，现在举五种不同破法的例子：
1、是破构图的办法：在草图上布置入平均时，时以用空白破一破;直的物体太多，用横的破一破;山峰之石如果大实，用云烟雾气破一破。
2、破线的方法：如衣纹上的三根平均线，可用两根相近者破一下;兰花两笔成凤眼后，再用第三笔直破凤眼。
3、破线法：如一根山石轮廓的线，用浓墨画得有些枯，可以用苔点破一破，也可以在深线上部分破水，使原来的线变得生动一些。
4、破墨法：如画人物的头发部分，大块用墨后有些"肉"，部分加以深线，也就不"肉";画大片叶子的墨，用深线一勾叶脉，也就起到破的效果。
5、色墨互破法：绿叶可以用墨线破，画墨线后又复设颜色便是用色破墨，俗称勾叶脉。又如墨点上点石青也是一种用色破墨法。
6、色与色互破法。除了墨本色的互破之外，色与色之间亦可互破，如重彩画的泥金、石青等金石色，可以用花青、胭脂等草色破之。
诸如此类，学习时可以联系贯通。
泼墨
明代李日华《竹嫩画励》中形容泼墨特点是"泼墨者用笔微妙，不见笔径如没出耳"。可见泼墨对是随物体形态光畸变化，随浓随淡一次画成，这就叫泼墨。这种效果在熟纸和绢上比较好画，如宋代梁楷的人物，晚唐王治的山水和马远的斧劈山水也多用此法。
此法与米芾之米点皴有所不同，清代的沈宗骞说：“北宗多用泼墨”。但是生纸难于熟纸。生纸并不是不可以泼墨，象黄慎的人物，徐文长和陈白阳的花卉也是画在生纸上的，实际上凡是一次画成的都可以称作泼墨，二次画成的就称做积墨。泼墨画大片荷叶，笔情墨趣，跃然纸上，极为融调。请代画家朱耷擅长以泼墨画荷叶，对近代画家有巨大影响。
积墨
"泼墨'是一道墨，是指多层浓淡积叠而成的。在画人的头发，衣服时，叮以泼墨一遍画成，也可以积墨逐次画成，或在一十画上泼墨与积墨同时并用。
"比如画人的头发，当我们用干墨画了头发的重深部分后，到头发与面部分界处，常常需要有一部分渐淡的退晕，即使是重深部分，加感到单薄，也需要加以补充。这些地方的积叠和补充，可以一而再，再而三的又破又染。又比如画厚重的棉大衣;就可以一层一层的积加，直到淡墨积够时再用浓墨皴擦到理想的程度为止，也就称为积墨，特别是在一张画幅里，如果有一个积墨的部分时，就觉得画面深厚有层次感，而这种层次，往往用一道墨很难达到。在山水画上积墨更是广泛应用，常常是把山石部分一层层积成后，又加重加浓，然后再渲再染，使他显现出山的深厚度，又可以感觉到山石上丛生的植物杂草，有极大的丰富感。
宿墨
指研墨后经过一宿甚至更长的时间的墨，实际上是一种发酵的墨。这种墨色已经失去了新鲜的光彩，在托裱后还会渗化出墨圈。有的画家就利用它的这个特点，如明代的杨龙友，近代的黄宾虹画山水时，常用宿墨画夜山。特别画一种寥廓苍茫的景色时，宿墨可以发挥这种特殊性能。要运用得当，因为宿墨没有燥性，更能发挥水墨渲染的效果。但用得不恰当，很容易出现脏污的毛病，初学应当注意，不可轻易使用。
焦墨
指最平最浓的墨，因为墨研得极浓时墨池内就会出现胶状体，作画者常常拿它作为最后手段，来提醒画面死板不精神的地方。比如大片的淡墨线画一根焦墨的腰带;或者用大片的墨块画得大肉了的衣服，被几根焦墨线，就可以化板为活，使板滞的地方再行松动。焦墨中的苦点，还可以点在树石呆板无神处。焦墨的特点是沉重老辣，但如运用过多，也会带来枯燥无味的效果。
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