美声唱法声乐教学中的基本点

时间：2020-09-11 09:15:41 声乐培训我要投稿

美声唱法声乐教学中的基本点

　　语言美声唱法是一种具有传统性的科学的歌唱方法，最初是指17世纪产生于意大利，成熟于18、19世纪的那种雅致的意大利歌剧歌唱风格，它具有音乐宽广、气息通畅声音连贯、混声区演唱、充分运用人体的共鸣腔体、独特的咬字等特点。下面是小编为大家带来的美声唱法声乐教学中的基本点，欢迎阅读。

美声唱法声乐教学中的基本点

　　一、美声唱法的起源与特点

　　(一) 美声唱法的起源

　　美声唱法最初是指17世纪产生于意大利，成熟于18、19世纪的那种雅致的意大利歌剧歌唱风格。 Bet Canto在意大利中的含义是“美好的歌唱”，也被我国声乐界誉为“美声唱法”，我们一般会将其理解为，一种具有声乐美学观点、声乐技术理论以及统一的声乐教学的歌唱方法，它是一种多出现在舞台歌剧、清唱剧、音乐会的唱法。然而在西方的Bet Canto的理解是指罗西尼，多尼采蒂、贝利尼等人在那个时期的作品和歌唱艺术，其包括了那个时期歌唱的风格、技巧、内容、形式以及歌唱方法。

　　1594年，在意大利的佛罗伦萨诞生世界音乐史上的第一部歌剧《达芙妮》。1600年，意大利作曲家佩里与卡奇尼合作写了歌剧《尤丽狄茜》，它是第一部至今还完整地保留着乐谱的歌剧。

　　歌剧(opera)的产生是人文主义思想发展的结果，是指一种由戏剧(脚本)、音乐、舞蹈、建筑和美术等综合一体的舞台艺术形式，其中戏剧和音乐史最重要的元素。歌剧的剧本成为Litbretto,音乐形式包括：咏叹调(aria)、喧叙调(recitative)、重唱、合唱(chorus)、管弦乐、主导动机、序曲、幕间曲，以及舞蹈(ballet)等。

　　1607年，意大利作曲家蒙特威尔第创作完成了歌剧史上第一部具有真正意上的歌剧《奥菲欧》。在歌剧中，他大量的采用咏叹调和二重唱，初步具有了a-b-a结构的咏叹调形式，注重情感抒发，对美声唱法加以重视，很少用合唱形式，弦乐器家族首次占有重要地位，加强了音乐的表现力。而后来在那不勒颠乐派代表人物A.斯卡拉蒂的歌剧创作中，确立了具有丰富旋律的a-b-a形式的返始咏叹调在歌剧中的中心地位。

　　咏叹调作为一种独唱形式，往往被安排在戏剧情节发展的关键时刻，用以现剧中人在特定情景中的思想感情，它是歌剧中的核心段落。咏叹调的演唱，注重优美的音质和华丽的演唱技巧，在这方面的要求往往胜于戏剧表演。在那不勒斯乐派的歌剧中，戏剧表演与乐队伴奏均屈居于从属地位，剧中不用传统的合唱及芭蕾场面，而是用高度发展独唱技术。由于独唱的咏叹调要求歌唱者具备高超的演唱技巧和优美的音质，因此，一种新风格的发声演唱方法便应运而生，这就是“美声唱法”。

　　美声唱法自产生以来，其演唱风格及演唱技巧，一直随着时代以及所演唱的作品的发展而发展，这种演唱方法由于具有很强的科学性，因此是歌唱艺术中最具权威和代表性的唱法之一。

　　(二)美声唱法的特点

　　1、宽广统一的音域：

　　一般美声唱法歌手都能唱到两个八度，尤其是花腔女高音和一些歌唱家都能唱到两个半八度，甚至能达到三个八度。如此宽广的音域中都包括三个不同的声区，各声区因人的自然发声状况而有又呈现出不同的音色，但是美声唱法却能使其得到平稳的过渡，并达到完美的统一。

　　2、胸腹式联合呼吸：

　　美声学派的歌唱气息是采用胸腹式联合呼吸法，是目前世界上无论是唱歌还是唱戏运用气息中一种最科学的呼吸法。这种呼吸法有弹性能控制，伸缩性强，气息储存量大;如果和声带配合的巧妙不但音量可大可小，可高可低;并有很好的声音连贯性和弹跳性。与此同时，科学的运用声带的振动频率。用意识和母音变化及咽部管状的调节，有利的控制声带频率的振动机能，并充分发挥声带优美的音色及音质上下统一。

　　3、真假声的混合使用：

　　当我们在区别美声唱法与其他唱法的时候，“混声区唱法”则是美声唱法的最主要特点。

　　从美声唱法的声音来说，是将真假声按一定音高比例混合起来使用，在真声的基础上，随着音高的上升，假声的成分逐渐增多而变得以假声为主，也就是说真假声都是会用到的，也就是绝对地要求真假声混合，不只是嗓子的混合，共鸣状态也是混合的，从而造成一种完全统一的现象。所以在美声唱法的歌唱训练中，我们会强调着重真假声的比例处在何种状态、要混合到什么程度、是以真声为主还是假声为主。

　　4、共鸣腔体的充分运用：

　　从共鸣上说，美声唱法是全共鸣，是混合声区，混合共鸣，声音真假混合共鸣同时出现的，使得我们在歌唱的同时，充分的使用人体的胸腔共鸣、喉咽腔共鸣、口咽腔共鸣、鼻咽腔共鸣、口腔共鸣、鼻腔共鸣和头腔共鸣，将其积极的调动起来，使其“韵味十足”，达到特有的音响效果。

　　5、独特的咬字：

　　美声唱法的咬字是在牙关和嘴角上，不是在嘴皮上;而母音的变化是在声带上，形成在咽腔里，也就是是唱“韵”。这种咬字法比较圆润，有利于帮助气息声带的配合，声音穿透力强，口型自如美观。

　　二、声乐教学中所需要遵循歌唱艺术规律

　　(一)正确科学的歌唱训练

　　演奏音乐需要乐器，任何一种乐器都需要有一个设计、绘画、选料、制作的过程，然而声乐的“乐器”则是长在自己身上的，这个乐器是要通过正确科学的歌唱训练来重新制造它的，而好的歌唱方法就是制造乐器的过程。通过科学的歌唱训练要制造出的人声乐器既要唱出所需要的音高、音域，又要唱出优美动听、抒发情意的音乐，并且歌唱者不感到嗓子累。有了好的歌唱方法，使得歌唱着既能自如地传情达意，又能延长艺术寿命，这就老师和同学在声乐教学中共同努力的目标。

　　1、歌唱训练方法因人而宜：

　　由于每个人的发声器官在生理结构上基本相同但又各有差异，所以在歌唱训练中，“千人一法”的教学方式是不可取的。声乐教师们会根据学生实际的嗓音条件，与后天长期养成的生活习惯、兴趣爱好、接受能力等因素，进行客观、切合实际的分析研究，采取即符合科学共性又符合个人嗓音特点的训练方式，对学生进行科学有效的歌唱训练。

　　2、歌唱训练发展循序渐进：

　　我十分喜爱学习声乐，在课下自己练习的时候，有时没有量力而行，挑选一些“大歌”来唱，忽视了基础练习，难免走进了误区。后来通过老师指导，我明白了，在声乐学习过程中一定要保持一个冷静的头脑，尊重科学的规律，要重视基础练习，不可以好高骛远，急于求成只会带来一些负面影响，从而妨碍声乐学习的进程。所以我有一个体会：歌唱训练的的负荷量应该是逐渐增加的，一些技巧性的声乐练习也是从简到繁，从易到难地慢慢的磨练，这样才能逐渐使嗓音得到一个稳固的发展，并且自身对自己声乐的认识和技巧的掌握，也是需要经历一个由表及里、由浅到深、由模糊到深刻的过程。

　　(二)在音乐学习中的人个素质

　　学音乐的首先的必备条件就是音准、节奏的感觉要好，同时也离不开基本音乐理论知识、识谱能力、听音的能力，还要具有良好的语言表达能力、丰富的情感体验能力和音乐艺术的鉴赏能力。在歌唱中会遇到各种不同的语言的歌曲，并且在不同的歌曲作品中需要不同的感情处理，要理解、感受、表达特定人物的各种感情，这就需要一定的生活实践基础、理解观察能力、文学艺术修养和语言文字表达能力。在此基础上，运用良好的音乐听觉、敏锐的节奏感觉和制造好的歌唱乐器来纵情地歌唱。

　　(三)歌唱的情感体验和艺术表达

　　声乐作为一种艺术的创造，自然讲求发声上的完美。如果不掌握一定的声乐技巧，再动人的情感也无法传递给听众。在我的声乐训练和实践当中，使我体会到，歌唱艺术实际上是“情”与“声”完美协调的具体表现。任何歌曲都有其特定的情节和思想内涵，所以在歌唱前我们必须首先理解歌曲的内容与创作背景，尽量体会词曲作者创作意图及情感，使得演唱出来的歌曲动人心弦，感人肺腑。

　　三、美声唱法的声乐教学训练中所必需掌握基本要素

　　(一)歌唱的呼吸

　　生活中每一个人都会呼吸，无论是睡着醒着，都不会去想着怎么呼吸，就会本能的很自然的呼吸，但是演唱中的呼吸与生活呼吸是不同的,歌唱时的呼吸要比生活的呼吸变化更多，我们要随着乐句的长短，根据歌曲作品的感情需要，变换着运用呼吸，所以说歌唱的呼吸是一种有意识、有目的、具有技巧性的呼吸。

　　而声音的不同变化都是与呼吸有关的。在生活中，人们的言语表达往往是表情达意的需要，没有什么严格的要求，这与歌唱时不同的。歌唱的声音(旋律)有固定的音高、长短，也就是歌唱的音调要准确，节奏的正确，力度的变化，音色的优美、动听等要求，把这些要求掌握好，歌就唱好了，唱得好了，也一定是控制好了呼吸，运用有支持力的呼吸来歌唱。因为，歌唱的本身是有生命力与感染力的，呼吸便是它有力的支持。所以说，歌唱的呼吸是歌唱的动力、支持力。

　　在声乐教学过程中，老师经常强调呼吸的支持，那什么叫做“呼吸的支持”，怎样才能做到呢?人的呼吸是由吸气肌肉群与呼气肌肉群来带动的，吸气肌肉群包括从前胸往下，主要是两肋，腰部周围与后背。另外就是呼气肌肉群，生活中的“啊!”“唉!”咳嗽、打喷嚏都是呼气肌肉群的工作。这组肌肉很强，但是在歌唱时不需要很强。当我们在歌唱时，是需要鼻子和嘴一起吸，使气吸的深，这是一种感觉，每个人的体会可能会有所差异，在声乐教学中，我们经常会将它比喻为“打哈欠”、“闻花”等。吸进去了气以后，吸气的肌肉还要继续的工作，不能放松，即仍然保持吸气时的状态，使得呼与吸成为一种对抗，这种对抗就是我们常说的“呼吸的支持”。呼与吸的对抗在身体内部产生一种压力，吸进气时时使肺的下部扩张，这种扩张使身体腰部周围的肌肉向外扩张，是由横膈膜下降所造成的。所以，在声乐训练中，当学生在歌唱呼吸的对抗中吸气的肌肉力量放松是，老师就会提示学生要“吸着点唱”，来保持良好的吸气状态，这样吸气的腔体打开了，也就有了丰富的共鸣，自然会发出正确的声音。

　　在声乐训练，我个人认为打嘟噜练习最容易体会到呼吸对抗所产生的支持点的感觉，就是用气息推动双唇颤动发出一种“嘟嘟”的声音，这种练习对锻炼横膈膜的控制力很有效果。可以采用一些音阶练习，例如：

　　1234 5432 | 1234 5432 | 1 — ||

　　嘟······································

　　在我自己声乐训练过程中，刚开始的时候会出现吸气量过深或是过浅的情况。吸气量过深，很容易造成不必要的人为压力，使得声音变得的僵硬，没有一种气息流动的感觉;而气吸的太浅，就会使气息憋在胸部，造成很虚或是很单薄声音，同时还会引起喉头与颈部肌肉的紧张。后来通过老师悉心指导，这些请况有了明显的好转。我自己的体会是：演唱时的吸气与呼气的动作都是一个巧劲，也是功夫，在吸气的那一刹那的感觉应该是一种整身向外扩展的感觉，所有的吸气通道都是放松的打开，将气息吸深，感觉身体像一只有弹性的皮球。然而在美声唱法中讲究的是胸腹式联合呼吸法，强调的呼吸会更深，必须保持吸气状态与呼气肌肉群够成对抗，产生压力，将气息控制的均匀来支持歌唱，使演唱出的声音又一个圆润、饱满、明亮、通畅的“型”。

　　(二)歌唱的发声

　　发声体都是有声源的，我们的声带就是发音体，是个基本音的地方，也就是音源。任何人健康的`嗓子都有两种机能，真声与假声，即“重机能”与“轻机能”。重机能是指整个声带的振动(全振)，轻机能是指局部声带振动(边缘振动)。无论是生活中的说话还是歌唱，都需要将这两种机能互相配合运用，不能单一的使用，任何单一的一种机能都会使嗓子出问题。

　　由于歌唱方式的不同，所以在歌唱时两种机能使用的比例也是不同的。而在美声唱法中，则绝对地要求真假声混合，不只是嗓子的混合，共鸣状态也是混合的，造成一种完全统一的现象，绝不要但机能的出现。

　　在歌唱时，从音高的角度上看，有低音走向高音时：呼吸时一个压力由小渐渐加大的变化过程，嗓子方面就是重机能为主，轻机能为辅向重机能为辅，轻机能为主的方向逐渐转化，但不是单一的只使用哪一种机能，而是两种机能的混合使用。关于全域真假声的比例，要靠老师的耳朵去分辨，也要靠歌唱者的感觉来分辨。对于不同的歌唱方式，则真假声的比例也是不同的。

　　在全音域中高低声区的唱法，道理上与理论上也是一样的，但是“乐器”的使用和“配方”的比例却不一样。在实际的歌唱过程中，高音低音的呼吸时，气的压力是不同的;嗓子的用法不一样;共鸣适应性也不一样。呼吸、发声、共鸣这三个因素是相互影响的，一个音高在变，其余的两个因素同时随之变化。

　　在声乐训练中，练音阶，高高低低的练，我们力求要做到声音的平衡，在听觉上听起来所有的音都是一样的圆润，但是在声乐训练中，很多同学在换声点时就会出现困难。女声的换声点一般有两个，第一换声点在小字一组的d~f，第一换声点在小字二组的e~f，男声的换声点在小字二组的e~f。在我的声乐训练当中，我会出现第一换声点换不好的现象。在练习过程中，在第一换声点的位置上，会出现真假声转换的痕迹过于明显，在过了第一换声点以后进入高音时，情况就会有所好转，所以在训练的时候，我会采取从下行音阶练习，感觉是音越高所给的呼吸支持就越大，感觉更加要吸着唱。所以我认为，为了达到每个音平衡的效果，最好的练习方法就是练半音，用正确的感觉去唱所有的音，也就是呼吸对抗更多些，同时真声(重机能)运用更少，而假声(轻机能)使用更多，即声带的边缘振动增加。在唱低音的时候，在概念上我还是保持正确的感觉去唱，保持声音的高位置，感觉把声音唱在眉心。也就是说，再低的音要有上边的“点”，有高位置，即要让声音立起来;再高的音也有下边的基音，也要有泛音。

　　要特别注意的是，高低音两边去的时候，平衡感很容易失去，随着音越来越高，腔体开始挤了，气也浅了，喉头也吊上去了。所以在声乐训练中，我们要特别的注意。另外声音的高高低低、上上下下都是靠压力，是气息的压力与声门的对抗，千万不能理解成只使用声门，单纯的认为是用嗓子喊，这是一个概念性上的错误。应该将呼吸的对抗理解是：为了嗓子与共鸣的回应，呼吸对抗强，则声音的力度强，共鸣大，反之则弱。

　　(三)歌唱的共鸣

　　歌唱的动力是呼吸，在有了动力后，共鸣在歌唱中占有着很重要的地位。人的声带发出的声音很小而且很单薄，不好听也不能成为歌唱的声音，需要靠共鸣把声音扩大和美化，使它成为歌唱的声音，并且共鸣是音色的好坏、变化的决定性因素。

　　人体的共鸣腔体(包括全部发声系统的腔体)有：胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔和鼻窦。根据共鸣腔在人体的部位，可将它们分为上部共鸣和下部共鸣。即软腭以上的鼻腔、鼻窦和鼻炎腔为上部共鸣;软腭以下的胸腔、喉腔、咽腔和口腔称为下部共鸣。

　　在呼吸中我们谈到，美声唱法的呼吸要深。我觉得，吸气时很自然地共鸣腔体就随之打开而形成了共鸣的通道，就好象管乐器一样，是一个管状腔体的振动，将口腔、咽腔、鼻腔、头腔、胸腔随着演唱的进行而将其打开。我个人认为，将歌唱看作是一种人的整身运动，感觉是用整个身体去唱歌，而不是仅仅用嗓子去唱歌那么简单。在歌唱过程中，所有的共鸣腔体要起作用。而我们经常说的“头腔共鸣”就是打开鼻咽腔所产生的共鸣，有时会在头部产生一种振动的感觉。唱歌的主要声道是咽喉部以上、以下，这条通道顺通了，声音也就明亮了、集中了，也就自然的产生了共鸣，声音也就靠前了。

　　在声乐训练中，老师通常会要求学生把声音让声音走“后面那条路”，“往后靠着唱”，所谓“后面那条路”的就是声音顺着后咽壁往上、往下的腔体，这是唱歌很重要的共鸣腔体，也就是我们前面提到“上部共鸣”。声音通过后面这条路，把贴着后咽壁唱出的声音反射到前面，形成靠前，感觉声音在眉心，反射出一部分共鸣，但共鸣绝不是就在眉心一点，而是从头顶到前额都有共鸣。那我们应该如何打开这条后面的路呢?打开腔体(就像前文所提到的打哈欠、闻花开始的状态)与深呼吸是同时发生的，有了舒服自然的深呼吸，共鸣腔体就打开了，后面那条路也就打开了。

　　打开腔体后我们要考虑到喉头放在什么地方，如果有很舒服的深呼吸，喉头也自然会下来的，下来的程度比日常生活中下来的低一些，但并不是越低越好，要保持吸气下来的程度，低的程度是既要得到丰富的共鸣，有要保持很好的音色，使得声音运用自如。我的体会是，这些动作一定要自然，不可以刻意地、用力地压喉头，压喉头的声音是僵硬的，是不正确的，那不是歌唱中所该用的力量。没有共鸣或挤出一点共鸣，这样发声的呼吸是不会深的。最自然的是保持着吸气时那种很舒服的感觉，与深呼吸结合，这时的嗓子很舒服，是一种非常好歌唱状态。对于不同的唱法，共鸣腔体的用法也是不同的。在美声唱法中，是根据音的高低偏重于某一部分共鸣多些，但是所有的共鸣腔体全都要用到。

　　(四)歌唱的语言

　　配合歌声同时发出传情达意的诗词歌赋，一般称为歌唱的语言。我们将人类语言中的语音分为元音(母音)与辅音(子音)两种，在汉语拼音中称之为韵母与声母。

　　在美声唱法中要求的是将字符的元音延长，唱它的“韵”。当声带发出声音，气流在口腔的通道上不受阻碍而发出的音便是元音。每个元音不但要唱还要将它唱清楚，这要就需要打开腔体把字唱到腔体里。最基本的五个元音字母是：a、e、i、o、u，从口型上说，是从小渐大再渐小，从位置上说，是从前渐渐移至后，这是元音说话的位置，五个元音都要在咽腔内，各有各的地位、形状、音色，它是靠舌位和嘴唇张开的大小来改变音响，实际上就是腔体的改变。从嘴唇的动作上来说，唱时喉器的动作越小越好。一般在生活中会习惯性的发i时，喉器最高，再发u音的时候就会来回的跑，喉器在元音的变化上虽然不是一个位置，但要将每个元音的位置保持稳定。总的说来，这五个元音既要发音清楚，又要将喉器的状态动作尽量做小，并不是要求完全的不动，但一定要稳定。

　　如果说将字符的元音延长，唱它的“韵”，那辅音要怎么处理呢，只听见a、e、i、o、u，听不见字头，怎么办呢?我认为，歌唱念字的时候，应该像说话一样自然，只需要带上旋律，该在哪使劲就在哪使劲，其他地方绝对不能帮忙，片面地注重吐字声音就紧了，硬了。例如：唱ma(妈)，不能在唱“ma”之前脖子就紧了，只是唱“m”这一点劲，其他劲一概不用，这个劲不是生活里的劲，那么这个劲在哪呢?其实还是唱元音时深呼吸的那个劲，尽量做到用同一个呼吸连辅音带元音一起唱出来。既然是要唱，那么无论是唱什么语言，有一个统一的问题，就是要打开腔体把字唱到腔体里去，所以咬字位置是与说话不同的。我个人的理解是，感觉将歌唱时每一个音都要唱在气上，每一个字都是从丹田发出，而不是仅仅是嗓子，字既要吐得清楚，又要得到好的共鸣，反过来，共鸣用的好，将声音引入正确的音响轨道上来，字自然清楚了，所以说这两者并不矛盾，而是相辅相成的关系，再加上感情的处理，使得各个元音的色彩都丰富了起来。

　　与此同时，声音一定要通过适当的、正确的音型唱出字来，唱出美声的韵味与特色。如果语言不讲究，唱出来的声音也不会正。语言是人类思想感情的信号，它在歌唱中起到了传情达意的作用，因此在演唱的时候，我们必须要做到“字里传情”，并且要通过正确的吐字表现出一定的音乐形象和风格，才能“字里含形”。要弄清楚那些字是音乐重音、逻辑重音、感情重音，对具有一定感情含意的字，都应加以强调和运用特殊的唱法给予润色，唱出歌曲中的节奏、韵味、轻重、快慢、抑扬顿挫及连断的语调、语气和语势，达到情真意切的艺术效果。所以说，我所理解的“字正腔圆”就是：字吐得清楚、正确，又有好的共鸣。同样的道理，共鸣用的好，语言正确，声音自然会处在正确的音响状上，也就唱对了。

　　四、声乐教师的自身素质

　　(一)声乐教师的自身素质

　　1、演唱实践经验：

　　作为声乐教师需要具备扎实的基本理论基础和丰富的演唱实践经验，还要将理论与自己在实践中的感受和经验经验加以总结加以总结、提炼，灵活的运用到声乐教学中。在声乐教学工作中，实践经验很丰富的老师会很自觉地引导学生从音乐出发，唱出很自然又好听的歌声。最重要的问题是：我们在声乐教学过程中的训练标准是什么?这个标准就是正确的声音概念，是我们的耳朵。好的声音概念是非常重要的，声乐教师的最终目的就是要改变学生的声音概念，而且声乐教学的过程实际就是一个不断改变学生声音概念的过程，训练老师和学生的耳朵。声乐教师必须要一副能正确判断学生声音好坏与否的耳朵，没有好的听觉是不可能对学生在声乐训练中的各种问题作出正确的判断，也没有好的、有针对性的的解决问题的办法。

　　2、善于发现和解决学生歌唱学习中的问题：

　　作为一位声乐教师，尤其重要的就是听觉训练，因为你不是判断一个人，你同时要交若干名学生，虽然教学原则是一样的，但是具体到每一个学生身上，出现的情况则不会一样的，并且有的时候会很不一样，而作为声乐老师来说，切不可将自己的某一个经验，某种现象来代替学生千差万别的状况。也就是说，当教出一个学生，是决不能将这种经验照搬全抄的运用到另一个学生的身上，需要具体为题具体分析。这个问题似乎大家都懂，但在实际训练中却是最容易出错的。所以在声乐训练中必须要遵循一定的原则：要看、听学生的歌唱呼吸是否使用得当;嗓音用的是否正确;出来的声音正确与否;语言是不是“字正腔圆”;共鸣的效果是否丰富;在处理具体作品时，用的是什么样的声音来表达歌曲的感情，要用什么样的力度来处理歌曲······每一个声乐教师都应该设身处地地站在每一个学生的立场上体他们想，他最好的的声音与状态是什么样的。对于有一定程度的学生，就要考虑到他的可塑性的问题，每一个人不是只能唱出一种声音的，所以老师就要善于发现学生表现能力的可塑性，并要使他的这种表现能力得到发展。

　　在声乐教学过程中，在开始训练时不要过多的给学生讲声乐理论，这样很容易把他们的思想意识弄乱，要给学生解决问题的办法。举例来说，有的同学在声乐训练中会出现舌根、舌头僵硬的问题，在这种情况下，不可以单纯地、理论性地告诉学生要将放平舌根，放松舌头，让口腔处在一个放松自然的状态，这样的会使学生无法很好的理解这样较为抽象的概念，不知道如何放松，也不明确松弛有度的口腔状态时怎样的，作为声乐老师可以利用“li”、“la”等这些原音，让学生的注意力转移到舌尖，从而放松舌头，这样具体的训练方法有利于解决实际问题。当学生已经唱对的时候，我们在给他讲方法，让他明确的知道怎样做是对的，使得他在理论认识与歌唱实践上都有一个明晰的概念，并将这种概念加以巩固，这样就会有一个正确的声音的感觉。所以打好基础，掌握基本功是十分重要的。

　　综上说述，美声唱法作为一门技能技巧性很强的艺术科学，它具有音乐宽广、气息通畅声音连贯、混声区演唱、充分运用人体的共鸣腔体、独特的咬字等特点。在美声唱法声乐教学过程中，不但需要遵循歌唱艺术规律，还需要声乐教师与学生之间的积极配合，使学生最大限度地理解与掌握美声唱法声乐训练中的基本要素。

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