钢琴入门常识

钢琴入门常识

　　学习钢琴前必备一些钢琴的基本常识，那么关于钢琴的常识又有哪些呢?

　　1：音阶的定义

　　音阶(Scale)指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列，这样的音列称为音阶，世界各地有许多不同的音阶，随着音乐水平的进步，音乐非常完整的理论与系统，目前世界上几乎都是用西洋的十二平均律来作为学习音乐的基础，因此我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶(大调)与小音阶(小调)为主。

　　2：音阶的分类

　　根据调式所包含的音的数量可分为："五声音阶"、"七声音阶"等。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。 五声音阶(Pentatonic scale)由五个音构成的音阶，多用于民族音乐的调式如：do、re、mi、sol、la、(do)。

　　调号key signature五线谱上写在每行左端用以表示乐曲所用调域的升降记号。在近现代欧洲乐理中，调域之所以通过调号来表示，是由于欧洲的调域概念常常通过它在键盘、五线谱上的表现形式来把握的缘故。同样一个自然七声音阶，当演奏者从十二律中选用不同的律来构成而形成不同的调域时，在键盘上表现为不同的选键方式。由于黑键在五线谱上的记法是通过在白键音位的音符前面添写#或b号来表示的，所以凡调域中所包括的若干黑键，在五线谱上也用若干#或b号来表示，这些升降记号写在五线谱上每行谱表左端，谱号的右侧，成为乐曲所用调域的标志，被称为调号。应当补充说明的是，第6、7个#或b号所表示的并非黑键，而是白键。但此时这白键已不从它自己本位的意义上来看，而是理解为另一白键音位的升降变化。例如，第 6个#号所表示的□已不看作F,而理解为E的升半音变化。调号写法见下例：调号与调域的对应关系见表1。

　　调号与调域及其名称对照表调号总是用同种记号构成，或全用#号、或全用□号。调号的写法，无论升种还是降种,都有一定顺序,但这顺序既非从低到高,亦非从高到低,而是按“五度链”即表1横行各音的顺序。由#号构成的调号,按上五下四即表1内从左到右的顺序：#F、#C、#G、#D、#A、#E、#B;由ь号构成的调号反之，按上四下五即表 1内从右到左的顺序：ьB、ьE、ьA、ьD、ьG、ьC、ьF。构成调号的升降号数目最多到7为止。由于使用平均律,五度链有循环性，可以周而复始，6个#号与6个ь号调域完全相同。音阶各音都是同音而异名的(在键盘上相等而在五线谱上记的位置不同)，这种关系称为等音关系，这两个调互为等音调。这一调域犹如五度链合拢为圆环时的交接地段,越过此域，升号增多可代之以降号减少,例如，7个#号与5个ь号互为等音调;反之，降号增多可代之以升号减少，例如 7个ь号与 5个#号互为等音调。

　　其规律是：一对等音调调号种类必定相反而升降号数目相加总数必为12。

　　关于调号所表示的调域的名称，因其常与兼指调性调式的调名相混而多有误解。例如“A调”一词,可有两种含义：作为调域名称指的是,当按照可动唱名法把A唱do时,所有7个自然(本位)唱名所在的那些音位集合成的总体(见表1倒数第7行)，此时主音尚属未定，在称呼乐器的调时，A调一词的含义就是如此;作为兼指调性调式的调名时，它是A大调的简称，A指主音所在，大调指所构成的调式。同一调名的两种含义在欧洲乐理中严重混淆的情况，恰如中国古代乐律学中“某某宫”一词既可指调域又可指特定主音上建立的调式所引起的混淆一样。表 1左边竖列所写调名，是作为调域名称的调名。

　　五声音阶调域与五线谱调号之间的对应关系，在近现代中国民间音乐用五线谱记谱过程中已形成一定的规格。五声宫系一个调域只有 5个音位，而调号所表示的七声调域有 7个音位，两者必定不能吻合。借用七声调域的谱式来记写五声调域的曲调时所遵守的规格是：让可动唱名法唱作fa、si的那两个音位留空不占，把宫音记在do的音位上。在看表 1时只消把每行调域两端的fa、si两格盖住不看，中间五个音位组成的调域同左端所写的几个升降号之间的对应关系，就可以表明每个五声宫调系统与所用调号的对应关系。这一规格就决定了同一调号可以用来记写哪些不同五声调式曲调，加上欧zhou大小调对调号用法的惯例，形成“一种调域调号与七种调性调式相对应”的如下规范。举3个#号的调域(A调)

　　为例(见表2)：用到其余调域调号时,下面 5行的相对关系保持不变，只将第1行的音名予以移动更换，第3、6行内的音名亦相应更换。

　　三个及三个以上不同音按一定规则结合起来，同时发音，就是和弦。

　　在欧洲古典音乐里，和弦中的相临音都是三度音程关系。

　　在中国音乐里，和弦不一定都按照三度关系构成。

　　欧洲音乐里的和弦，三个音的称三度和弦，四个音的称七和弦(最低最高相距七度)，五个音的称九和弦(最低最高音相距九度)，以次类推。初学钢琴时经常遇到的，按名称分类有：

　　大三和弦。结构是根音(即原位和弦最低音)与中间音为大三度，中间音与最高音为小三度，自下而上是大三度+小三度。如do、mi、sol和弦。

　　小三和弦。根音与中间音是小三度，中间与最高音为大三度。自下而上为小三度+大三度。如la、do、mi和弦。

　　减三和弦，根音到中间音，中间音到最高音都是小三度，自下而上为小三度+小三度。如si、re、fa和弦。

　　大、小三和弦两端的音构成纯五度音程，减三和弦这两个音则是减五度。

　　属七和弦。在大三和弦上方加一个小三度音，根音与最高音构成小七度音程的，就是属七和弦。如sol、si、re、fa和弦。

　　以上是和弦的原位形式。此外还有和弦的转位、省略音以及和弦的密集排列、开放排列等情形。

　　上面是按名称的分类。如按弹奏技术的分类则有：时值较长的和弦、连奏的和弦、非连奏的和弦、跳音和弦、爆发力和弦、持续重复的同一和弦等。

　　3、钢琴键盘

　　对于学练习弹钢琴的人来说，恐怕没有比掌握钢琴的键盘更重要的了。从直观上看，钢琴的键盘是由黑色键和白色键共计88个键所组成(少数钢琴只有85个键)。其中黑键36个，白键52个。如果仔细观察黑键和白键就会很容易发现二者的分布和排列呈现的规律性。即：黑键是两个一组和三个一组。 从键盘上很容易发现，整个键盘基本上就是由位于“**1(C)”的白键上面的“1 2 3 4 5 6 7”这七个阿拉伯数字音构成的。这七个阿拉伯数字又叫做音符。如果我们试着依次弹奏**的“1 2 3 4 5 6 7”七个音(现在先不用顾及手指的运用)，并试着按照下面标出的方式唱一下每个音符：

　　1 唱do 2 唱re 3 唱mi 4 唱fa 5 唱so 6 唱la 7 唱xi

　　弹完“7”音符(xi)后,再弹上面加一个红点的“”音，可以体会出这个上加点的“”音与**“1”音的音响感觉一致，只是音调高了一些，这既是所谓的“高八度”音。同样，弹奏**“1”左面下加一点的“”音的音响感觉与不加点的“7”感觉相近，这既是“低八度”音。这样我们可以推断出剩下的那些上下加红点的音符的基本特征了。

　　现在我们再来看位于键盘“**1(C)”用黄色圈出七个音的白键和黑键部分。黑键重复出现“b”和“#”这两个符号。“b”是降半音号，“#”是升半音号。它们都是定义其右下方的音符。如“b2”表示“降2”即“2”音降半音;“#1”表示“升1”即“1”音升半音。黑键可以用两个音符标示：如：“1”和“2”之间的黑键可以用“b2”与“#1”这两个个音表示，即：“b2”=“#1”。在本图中只是标出了**部分的七个音符里的黑键及其相对应的音符。相信您一定能很快说出除**1外的黑键音符。

　　如何才能很快记住这88个键盘和与之相对应的音符呢? 记住**用黄色圈出的标有“**1(C)”的“1 2 3 4 5 6 7”这七个白键音是非常重要的。

　　要记住两点：

　　(1)**“1”位于钢琴键盘盖子上的钥匙孔附近;两个一组的黑键左面的那个白键就是这个**“1”。无论如何这个**“1”是一定要牢记的。另外六个音顺序向右方排列而成。

　　(2)白键和1，3和4之间没有黑键，余下的1和 2;2和3;4和5; 5和6;6和7之间都有黑键。

　　3、钢琴踏板

　　钢琴的踏板(又称做踏瓣)是利用杠杆系统来使音响得到修饰，可以增加和减弱音的大小，使得音乐色彩更加富于变化。由于钢琴踏板是用脚来操纵的故又称脚踏板。一般家庭的钢琴有三个踏板。用的最多的是钢琴的右踏板。欲增强钢琴的音量用右脚踩右踏板，使压在琴弦上的止音器同时抬起来，引起全部琴弦的共鸣而增音。此外，踩下右踏板后，当手指离键时声音得以延续。若想减弱音量用左脚踩左踏版，使击弦的小槌靠近琴弦，缩短小槌的行程，从而减少小槌的敲击力。一般的立式钢琴才配有**的踏板，这是为了在晚上练琴时不影响别人而采取的措施。把**踏板踩下后向左边的缝隙移动即可让它长时间保持减弱音量的目的。**踏板联动一个装有呢毡的木条，踩下踏板时木条下落挡住击弦的小槌不能直接击弦，而是击打在呢毡上，从而使钢琴音量大为减弱。

　　钢琴踏板的运用千变万化，一般要根据每一首曲子的风格和要求来运用。

　　4、钢琴调音

　　钢琴上的琴弦长时间处于蹦紧的状态，由于小槌不断的击打琴弦，加上外界震动，钢琴机械构造本身的原因，以及气候、温度的变化影响都必然导致琴弦松懈，偏离标准的音律，这样我们弹上去就感觉声音不对，不如刚调好音律时好听。钢琴调律是一个非常专业的工作，不象小提琴和吉他那么容易。所以一定是请专业的钢琴调律师来解决。一般来说，半年左右的时间调一次钢琴比较适当。

　　钢琴的音越准，弹奏出来的旋律感觉越舒服、和谐，所以有条件的话应该保持音的准确。

　　5、钢琴的基本练法

　　(1) 钢琴的基本练法就是慢练。

　　慢练尤如"大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。

　　(2)有计划、有目的地学习：

　　冰冻三尺，非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划，从基础着手，循序渐进地学习，才能目的。

　　(3)以良好的心态学习钢琴：

　　学琴过程中，可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪，适当减轻学习难度，充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。

　　6、钢琴弹奏中自然重量的运用

　　关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如，从肩部的舒展下垂，到整个手臂的协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。

　　(1)：认识体会到手臂的自然重量

　　以前倾上身的坐姿，把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。

　　(2)：手指要承受并支撑整只手臂的重量

　　手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节(以下简称"掌关节")必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来，要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏入门的方法练习：先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好，结合手臂的自然重量。经过一个阶段，在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后，再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重

　　7、弹奏钢琴时身体的协调

　　身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，开始就要明确，随着程序的深化，又要不断发展和更好地运用。

　　(1)保证身体协调的根本：

　　保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求，所以身体的参与和调节也越来越重要。

　　(2)坐姿的基本要求：

　　臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部，为了便于灵活用力，不要坐满，坐一半即可。而且为了照顾到高低音，要坐在钢琴中部，不要随意挪动，而两条腿放在踏板两旁，在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。

　　(3)身体的左右调节：

　　身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例，弱低音区时，身体重心放到左腿方面去;弹中音区时，身体重心两面摆平;弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。

　　(4)身体的前后调节：

　　身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。

　　8、 手指的能力与训练

　　(1)手指的能力：

　　手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力，是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度。

　　9、钢琴演奏中的促键：

　　(1)：指力触键

　　与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉，就完成了下键的动作。当肌腱松会时，手指和琴键就回复到原来的位置。

　　练习方法：让右手处于正常的弹奏姿势，手背和腕背几乎在同一水平面上，手指贴住键盘，处于C音到g音的位置。手腕在抬高和放下的几次动作中始终放松，手指始终贴键，手指稳固而略呈弯曲。

　　例一：断奏：每弹一个音符，手指都迅速按下键，并在发出声音的那一刻松开，缩回到键上。手腕始终保持平稳。

　　例二：连奏：如断奏一样，每个音都要弹出保持住。手指所用的压力只需阻止琴键弹回即可。再向下一个音进行时，前臂略向右转动。这样，当一个键松开时，另一个键正好发出声音。

　　(2)：手力触键：

　　手力触键的主要特点是手朝下动作。在各类触键方式中运用最广。手腕的向上弹起的倾向成为手力触键的一个不可改变的标志。

　　练习方法：右手放在铺例一所示的键盘位置上。手腕放松，手指稳固。拇指举起离琴键约1/4寸高，手朝C音的键上和键里用力，使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起1寸高，然后立即放松，回到原来的位置。只样就形成了断奏的效果。左右两手都可以用这个方式来练习。在每个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可以用同样的方式来练习连奏，但手朝下面的一个音的方向稍微转动，手腕每次向上拱起后，应立即回到原先的位置。手腕放松和手指稳定是触键中最难达到的要求。手指触键有广泛的用途，如演奏各种音阶、琶音以及其他复杂音型的快速乐段等。也常常用在弦及八度的弹奏中。

　　(3)：臂落触键

　　臂落触键是突然落下前臂或全臂，以使所要弹的那个键或那几个键在这个下落动作中被推下。最终的姿势是如图B所示的，手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键可以弹出断奏的效果，只要手指在声音发出后立即放松。臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。

　　练习方法：先抬高手腕以使指尖几乎贴住键盘。然后突然放松手臂。随着手臂的下落，以便听到所要弹的音。手指按住这个音，手腕则低于键盘。然后再回到高手腕的姿势，以便弹奏下一个音，在整个练习过程中，手腕都是放松的。手力与臂落相结合的触键这两种触键的交替运用在分句表现上极为重要。以带连线的两音音组为例，先有臂落触键弹出第一个音，奠定一个基础，再由手力触键按所要求的轻巧程度或断奏程度弹出第二个音。每一组的第一个音用臂落触键(D=放低手腕)弹出，第二个音用手力触键(U=抬高手腕)弹。带连线的左右手各自独立的音组可以通过独立使用这两种触键的方法来练习，对于带连线的轻巧的音阶，可以臂落触键弹第一个音，让手腕逐渐抬高(手力触键)。当顺势弹完最后一个音时，手腕便悬在半空中。各种音阶、左右手分开的练习。

　　注意：拇指总是用臂落触键。其余手指除了弹奏音阶的起始音(无论上行或下行)，一律用手力触键。两种触键的交替使用在八度连奏中应用教多，在黑键上总是用手力触键，而紧跟在黑键后的白键则用臂落触键。

　　半音阶八度尤其能说明这几个原则：

　　(4)：全臂触键

　　10、音阶练习

　　音阶练习，对于初学钢琴者是重要的基本功训练.。练习好音阶，需要注意几个方面：

　　(1). 练音阶的重要性：练习音阶很重要，一方面可以提高控制和运用手指的能力，二是可以熟悉指法，巩固记忆;三是可以熟悉键盘位置，熟悉调试及其转换，提高演奏能力。

　　(2). 树立明确的目标：练音阶，首先解决的是一个"立"字，解决五指不立和掌关节发紧，只有苦练才能达到目标。二是学会一个"慢"字。只有会慢练，才能逐渐加强力度，增加耐力，并为以后的加速打下基础。

　　(3).防止一个"混"字：A大调，#f小调，g小调，C小调，这几套关系大小调，易混淆，指法易错，只有经过反复训练，直练到准确无误为止。

　　(4)：采取分组练习法：将学过的音阶分为四组，每次练琴时先弹两组音阶，再弹乐曲，而后再弹音阶，交*进行，每组慢练五次，快练一次，逐渐增加次数，来调动练琴的积极性。

　　11、怎样练好一首乐曲

　　在练习过程中，可分三阶段;视谱、分练、组合。

　　(1) 视谱阶段：

　　学习一首新曲子时，要养成先花1～2 分钟看看谱子，记住调号、拍子、节奏型等，然后再并始用手弹的习惯。视谱能力强是学习进展快的主要因素之一。

　　(2)分练阶段：

　　能准确地视谱弹奏后，接着就要分句、分段、分手练习，有困难的地要抽出来反复练。要有针对性地分句、分段或分手练。

　　(3)组合阶段：

　　第三阶段需要的是思维能力与表达能力。当音符，拍子、指法、分句等问题都解决后，就要动脑筋注意音色与触键的选择，力度的层次，节奏的灵活性，音乐的结构等等。

　　12、弹奏钢琴时的表情处理：

　　(1) 声部程次：

　　钢琴和管风琴一样，必须同时奏出几个声部并常常模拟整个乐队的效果。因此，要使一首钢琴乐曲在演奏处理上表现得当，就应让各个声部在整体中形成一定的位置关系。因此演奏者应善于随机运用各种触键的方式。

　　A：对位性音乐中的声部层次

　　这些声部的结合和对比方式应根据具体乐曲而定。凡是专门的主题性素材都应为主要声部。以巴赫的三声部赋格中的片段为例。

　　此处低声部的主要主题最重要。而中声部的对题(2)和竞相出现的、闪现在高声部的短小音型(3)应处于陪衬的地位。

　　B：和声性音乐中的声部层次

　　最简单的形式是由和弦支持的旋律或经过句。可分出三个不同的层次：主旋律、低音进行以及插入其中的和弦组成。通常在这三个层次之外还可以加上第四个与旋律部分有关的层次。如肖邦《华丽圆舞曲》中的一个片段：

　　在此，高声部的持续A音应当用全臂触键弹，低音用臂落触键弹，而流动的旋律和伴奏和弦则用手力触键弹。

　　这种四个层次组成的整体，在各类旋律及和声的组合中都回存在。以舒曼的《浪漫曲》为例，此处旋律的二重奏是由双手的拇指用全臂触键奏出的。左右两手的伴奏音型通过指力或手力触键，可以得到柔和的音色。而李斯特的《爱之梦》之三。其中四个声部的层次分明。演奏时必须将四种触键全用上：主旋律用全臂触键;低音的对位旋律用臂落触键;高音和弦用手力触键;分解和弦用指力触键。

　　(2)：音乐中的脉动

　　A：节拍

　　音乐生命力首先在于不断重复的脉动，又叫节拍。音乐的性格也是由演奏者所体现的音乐脉动的重音、规整性和速度决定。节拍的组合形式最小单位是小节。其基本结构不外乎双拍子或三拍子。应当严格地区分以小节线划分的小节单位和真正的乐句小节单位。前者的长度就是两条小节线之间的距离;后者的长度则是有规律地从某一点起到下一小节中相应的那一点为止。以肖邦的《前奏曲》为例：这里每一个乐句小节在脉动的强度上都显然含有一"起"一"伏"，因此节拍进行的顺序是：弱强弱、强弱强，等等。

　　B：重音

　　重音一般分为两大类：

　　a：力度型或强力型重音

　　演奏者只需要在所强调的那个音上弹得比后面的音重一些即可，这类重音总用来表现生机勃勃的音乐形象。如肖邦的《军队波罗乃兹》就要求在每一小节的第一拍上加一个强有力的力度型重音。

　　b：延音型或时间型重音

　　演奏时可通过延长时值来突出某个音。凡是感情细腻的乐曲用此种重音。

　　(3)乐句及其组合：

　　通常，一个乐句小节只包含一种音型。而当这一音型与下一小节的音型相接时，成为一完整的动机。以肖邦的《前奏曲》为例，两种音型组成一个两小节的动机：

　　在一首比较复杂的乐曲中，作曲家通常通过扩展乐句或缩减乐句的手法来打破绝对均衡的乐句所造成的单调。以舒柏特的《奏鸣曲》第二乐章开始处为例：

　　这两个乐句都是不规则的乐句。因为每个乐句只有三小节半之长，而不是通常的四小节。但是第一乐句省略的仅仅是三个不重要的引子音，而第二乐句却在音乐进行中过早地删去了一拍半。

　　(4) 不规则的重音

　　使演奏富于变化的一个重要的手段是运用一个特殊重音来与小节中的规则重音相冲突。以莫什科夫斯基的《玛祖卡》为例第一拍用延音重音，构成全曲的基本节奏。而在第三拍上则加上一个力度重音以形成强烈的对比。

　　A：不规则的节奏

　　假定规则的节奏是指强拍的时值与弱拍的时值同样长或更长些，那么显然较长的音出现在弱拍位置上，这种规律就被打破了。以沙尔温卡的波兰舞曲为例：

　　为了更加恰当地表现舞曲的特点，在前两节中这个反常规的重音出现在第二拍上，在后两小节中出现在第三拍上。

　　在节奏强烈的音乐中，这类长音通常需要用尖锐的重音奏出，而在抒情的音乐中，应微妙细致地处理，因为延音重音本身的时值就可以产生重音的效果。如舒柏特的《即兴曲》第一拍的小节重音就比第二拍上较长的音显得格外重要。

　　B：切分音

　　长音如紧接在小节音后面出现，可对这个重音起反射或加强的效果。如舒柏特的《主题与变奏》

　　在节奏规整的乐段中，切分是打破音乐单调性的一个好方法。如舒曼的《奇想》

　　13、音乐感的培养

　　每个人的先天素质的确有很大差异，但是通过后天的意识的培养，勤学苦练，就会做到有音乐感的演奏。

　　(1)创造一个音乐的环境：学钢琴首先要有一个音乐的环境。必须多听，多感受，潜移默化地接受了音乐的熏陶;逐步对音乐语言、形象、气氛、音色等，有了感性的认识。

　　(2)注重教材的熟悉和模仿：初学者还应着重对自己所学教材的熟悉和模仿。学生通过熟悉、模仿，逐步到有自己的独立音乐见解。

　　14、提高钢琴演奏的表现力

　　在各门艺术中，没有什么比音乐更能直接打动人的内在情感。在人类生活中，也没有什么比音乐更能生动地表达人的心声。从某种意义上来说，我们演奏一首钢琴曲，不单单只为表现出音符来，更重要的是把这首乐曲演奏得有血有肉、有内容有意境，让人们听了能受到感动和振憾，产生一种共鸣。

　　要提高钢琴演奏中的音乐表达能力应注意以下几点：

　　(1)正确的读谱：

　　正确的读谱，音符的正确、节奏的正确是不够的。还有许多重要的标记，都直接影响对乐曲的理解、表现对乐曲风格的处理。 A音乐术语：

　　包括乐曲情绪、表情、音乐的性质、速度等等。这些术语提示初学者，乐曲是欢快的或抒情的、是快板还是行板或慢板，这直接关系到对整个作品的风格把握。

　　B具体的力度标记：

　　在古典音乐中，一般从pp到ff之间就有p、mp、mf、f的六个不同层出现。而浪漫乐派及后期作品从pppp到ffff，幅度更加宽。还有sf、sfz或crese、dim等等。这些具体的力度标记，同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。

　　C速度的不同变化：

　　如：放宽 (Allargando)、减慢渐弱(Calando)、加快 (Accelerando)、逐渐加快(Stringendo)等等。不同的速度变化直接影响乐曲的效果。

　　(2)音乐表现力的基本要素：

　　A抓住音乐特性是表现音乐的关键：

　　音乐特性指音乐内容、情绪、形象意境等所决定的音乐的局部特性和总体风格。音乐特性是音乐的实质，是领会音乐把握音乐的基本要素。它决定我们用什么方式、什么手法、什么情感去表现音乐。所以，我们讲表现音乐，首先要把握乐曲音乐特性。

　　B分析作品的音乐性质：

　　音乐是通用的语言，是可以融入人的情感而存入人心灵之中。在表现某部作品时，首先要分清乐曲的特性。可以凭直觉来体验，或是标题、标记来确认，或以分析作品来感觉。分析作品音乐特性霸王是为通过把握不同音乐特征，结合自身音乐感觉把作品生动地表现出来。同时还要掌握一定演奏技巧。只有把音乐目标和技术手段完美结合起来，我们才会有比较完美的音乐表演。

　　15、个人音乐修养的提高

　　提高个人修养是提高音乐表现力的前提。要提高音乐表现力，通过提高个人音乐素养、文化修养以使更好表达作品是非常重要的。

　　(1)了解中外文学作品：练习者应多读关于音乐史书籍，了解作品的时代以及特点，了解作曲家生平、背景。

　　(2)了解中外文学作品：通过多读中外文学作品开拓思路，提高表达能力。

　　(3)多看绘画：艺术是相通的，通过多好的作品(绘画)，可以提高钢琴练习者的想象力。

　　(4)欣赏音乐作品：为开阔音乐视野，应多听音乐会、听音带，珍惜接触音乐的每一次机会，让练习者提高个人综合素养，有利于提高作品演奏技巧，更好地表达音乐作品。

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