钢琴技术和钢琴技巧哪个重要

时间：2024-09-17 18:38:41 秀雯声乐器乐我要投稿

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钢琴技术和钢琴技巧哪个重要

　　学钢琴一定要知道，我们不仅仅是在学习钢琴的技术，因为只学技术我们达到了“会弹钢琴”，更需要老师指点你如何运用技巧，因为只有学了技巧我们才达到了“弹好钢琴”。这是两个层次的问题，当然也是判断钢琴老师水平和能力的一种有效手段和方式。那么，钢琴技术和钢琴技巧哪个重要?下面看看小编整理的相关介绍内容吧。

钢琴技术和钢琴技巧哪个重要

　　钢琴弹奏技术主要指什么?

　　从严格的意义上说，钢琴弹奏技术主要是指：人的肢体经过训练后所具备的在钢琴上弹奏出构成乐曲乐音的能力。

　　人的肢体是一个整体。任何技术，首先都要从整体协调一致的前提下去理解。

　　由于整体是由各个局部组成的，弹奏技术又可划分为手指技术、手腕技术、手臂技术等。其实人的双腿、臀部、腰部、上半身，总之，全身所有部位，都有适应弹奏需要的问题。只不过这些部位在技术训练中所占比重较小甚至不必特别训练，有时不被注意。但不等于这些部分可以游离于弹奏技术整体之外。

　　技术，是一种能力。能力，可概括为局部的灵敏、灵活、独立、力量、速度、反应及对所有这些方面的控制自如。整体上，则是完美协调、配合的关系。

　　大量的技术练习，都是训练、提高这些能力的。

　　从单纯的技术角度看，尚不涉及技巧、艺术内容这些方面。

　　钢琴演奏技巧主要指什么?

　　钢琴演奏技巧主要是运用钢琴技术展示音乐作品的内容、风格，以及演奏者自身对于特定曲目的理解而进行的技术处理。

　　用最直白的话来说，钢琴技巧都是钢琴家们或者演奏者的“独门秘籍”，因为他们在用心去体会钢琴曲的内容，从而知道演奏中何时应该快、何时应该慢、何时应该轻、何时应该重、何时应该疾风骤雨、何时应该月朗星稀。

　　那么紧接着问题又来了：钢琴技术与钢琴技巧是不是一回事?二者是什么关系?

　　严格地说，不是一回事。应当说是密切相关的两件事。

　　在一般的、非严格学术性的场合，混用技术与技巧两个概念，倒也并非不可。二者大致都是指弹奏钢琴的能力。

　　但在精确的意义上讲，二者是有区别的。技术，侧重的是不涉及艺术性的能力。比如手指运动的速度、力量、灵敏度等。而技巧，则是将技术运用于乐曲艺术内容表现的能力。比如，在乐曲的演奏中，恰当、巧妙地运用技术，弹出音乐需要的轻、重、缓、急等等。

　　所以，有了技术，不一定具有技巧。但没有技术，则肯定谈不上技巧。技术是技巧的前提，技巧是技术在乐曲中的运用。

　　拓展：钢琴入门技巧

　　1.自然重量奏法

　　把手臂抬起，手指呈半圆形的钩子状，从大臂起让手臂自然地落下去，使指尖像是带着降落伞的飞行员，降落在键盘上。随之，手臂的重量便充分地靠指尖挂在键盘上，这时的指尖是“立住”的，手臂、手腕自然地垂落下来。

　　由于使用力量是手臂下车、指尖挂住，就使钢琴发出一种既有分量、清晰明亮，又结实饱满的声音。这一切，都是建立在手臂“通开”，手腕灵活，指尖“立住”的基础上：

　　指尖立住的训练，使手指逐步变得有力起来，而手臂由于放松自然了，也就避免了臂，腕僵硬的现象。这种方法不但对初学者掌握基本发音十分重要，就是对任何人演奏任何程度的乐曲，都保证了在触键时的良好发音习惯，即人们常说的人和键盘的“关系”比较自然、密切。尤其重要的是：在养成这种良好的下键习惯过程中，使弹奏者不断地弹出好听的声音，培养了良好的听觉习惯，不论是弹轻的声音还是强奏，都使琴弦充分振动，在不同的音区，不同的力度中奏出“通”、“透”的声音宋。必须强调指出：指尖下键时力量的集中与否，可能使声音发生“质”的变化。

　　运用“自然重量奏法”教授钢琴，就好像武术、体操、舞蹈等运动项目中的基本功训练动作一样，没有这一最基本起步的训练内容，这些运动项目的提高也就无从谈起。没有这种“放开”也就不会有好的“收”或控制。没有这种“运力”，也就不可能发展各种类型的奏法与技巧，不可能弹奏出快速流畅的音乐。

　　2.断奏

　　乐谱上记有或用意大利文写着Staccato字样的地方都是用断奏法弹奏。也叫“跳音”弹奏法。断奏的效果是跳跃、轻盈、短促而富有弹性，它和上述的“自然重量奏法”在用力方法有着根本区别。用力前，手指呈自然拱型摆放在键盘上。用力时，则利用手指、手腕的反弹力量，指关节、腕关节或肘关节带动手指所奏出的不同的断奏效果。又像是拍皮球似的，从键盘往上反弹起来，使琴弦在瞬间很有弹性地击弦。这同很多人比喻的像是触及灼热发烫的物体，立即把手收回的情形一样，这样才能奏出断奏效果。同时要注意整个手臂的自然下垂，并应该自然地反弹到键盘上的位置，做好弹奏下一个音的准备。

　　当然，跳音的弹法有多种变化，其一，是用指尖弹奏，可以产生轻盈灵巧的效果，多用在速度快的乐曲中，如舒曼的《童年情景》中第三段“捉迷藏”，即用此法。其二，是用手腕弹奏，可以做到既灵巧又有一定的力度变化。在李斯特第六号《匈牙利狂想曲》中，就有不少篇幅运用此法。其三，可用小臂演奏，它的发音显然就会比前两种有魄力。肖邦练习曲中10N05前的结尾句的那一连串八度跳音即是。其四，可以运用大臂带动反弹力量，使钢琴发出雄浑有力、弹性极强，振颤人心的辉煌声音。像肖邦在《降A大调波兰舞曲》结尾句所使用的那种光辉夺目的效果。

　　3.“半连音”或叫“半跳音”弹奏法

　　当乐谱上标有跳音而上面又有连音记号时，应该使用这种方法。要领是：指尖作好准备，手臂自然下沉到键盘时，慢触键，柔润地下键、离键，使钢琴发出一种似断非断，如歌如诉，委婉动听的声音。它不同于“颗粒性”发出像珠落玉盘的声音;它可以使乐句变得亲切动人，像是在说知心话似的，使人感到某种体贴感。此外，我们必须注意运用“断奏”或“半连音”奏法，并根据不同时期的钢琴音乐作品符号，奏出所要求的时值和力度。

　　4.基本练习

　　这里主要指音阶、双音、琶音、和弦、八度分解和弦等不可缺少的基本弹奏技巧练习。学琴者要由浅人深，从易到难地用双手把各种调的音阶、琶音及正三和弦、属七和弦与减七和弦、分解和弦等由一个八度到四、五个八度由慢到快地练习。同时还必须加进双音的三、四、五、六、八度的练习。练习内容可套用有关教材。这不仅会自然地学会掌握合乎逻辑的指法规律，还能为“听觉”感受创造必不可少的训练条件，既熟悉了键盘位置，又能为掌握即兴伴奏打下基础，并为弹奏复调音乐以及调式复杂的音乐作好准备。

　　应当指出：慢练不是目地，目地是要符合指法的逻辑和规律，符合音乐形态和走向，达到准确无误的节奏和速度，直至达到风驰电掣般的快速弹奏。

　　钢琴演奏技艺性很强，nJ·塑性很大，学习过程中需要进行大量的、长期的纯技术训练，其中最基础的部分叫做基本功练习。

　　5.踏板运用

　　现代钢琴的下部设有二个踏板，常用右踏板、

　　右踏板一般被称之为强音或延音踏板，这一踏板的运用，是钢琴演奏艺术不可缺少的重要组成，应根据教材或乐曲所标明的踏板符号尽早地使用，以达到弹奏时脚对踏板的控制能力，并使听觉以及音乐的感受能力得以全面的发展。

　　基本用法有两种：一种是手指触键的同时踩下踏板.称之直踏板，另一种则是在手指触键的同时将以前踩的踏板放净、紧接着在手指离键之前再踩下去，称之为音后踏板，

　　踏板像控制声音流量，时间和方式的“闸门”，使用时应做到：旋律进行清晰，乐句走向自然，和声织体变换恰当，弹奏技法严谨密切，

　　一般来说，一个和弦踏一次踏板，否则会出现不必要的混响，踏板运用的一般规则是：发挥并利用钢琴特有的泛音和延长音的色彩与效果，有助于连奏的连贯，有助于乐句渐强、渐弱的力度变化或对比，有助于腾出双手(单手)在不同音区上弹奏，有助于乐曲的装饰等。‘

　　使用踏板将脚的前端放在踏板上，脚根为支点，根据乐谱标明，决不可滥用，切忌用踏板来掩盖弹奏细节的错误。;

　　需要说明的是，贝多芬以后的钢琴音乐作品，踏板的使用指示直接明了。而巴赫，莫扎特、海顿等人的钢琴作品、踏板指示就不同了，其中阅为古钢琴“音栓”同现代钢琴的踏板是有区别的，因而在弹奏巴洛克乃至古典主义音乐作品时，就要以遵重原作音乐风格的前提下，恰如其分地“仔细”和“节约”的原则，尤其是弹奏巴赫的《十二平均律前奏曲和赋格曲》，应特别预以注意，就像对待较成熟的文章一样，只能做些语法修辞，起到“润色”作用，而切不可画蛇添足、牵强附会。

　　]8世纪末，踏板记号开始在海顿、克莱门蒂的作品中出现，自从菲尔德创造了“夜曲”这一钢琴体载后，才开始全曲都用上踏板。到了贝多芬、李斯特和肖邦时代，钢琴踏板的运用提高到新的境地，到了德彪西的印象派音乐里，踏板遂成为钢琴织体和音色的调色板，鲁宾斯坦则认为：踏板是钢琴演奏的灵魂。从朱雅芳教授翻译的《钢琴踏板法指导》的著作中将会进一步了解这些内容。

　　6.连奏与歌唱性

　　在音符上记有连线或用意大利文lepto标记的乐谱，都是连奏。它是利用手指力量的转移，使手臂重量在手指间相互转移。通常可用手臂自然重量落下去弹奏第一个音，直至下一手指发音前的极短的一瞬间才离键，中间的缝隙越小越好。手指触及键盘似乎有些粘滞，这和“颗粒性”的弹奏方法有所不同，并非高抬指的爆发力所能奏效。

　　所以，连奏的效果要求是时值足、连贯、丰满、圆润。换指时动作敏捷、自然、平稳而不留痕迹。在快速的训练中要求均匀、严密，如同“草上飞”一般;手指甚至触键像蜻蜓点水一般的流畅自然。

　　我们知道：歌唱的气息悠长而细致，歌唱的旋律连贯而自如;因为钢琴不同于弦乐器也不同于管乐器，更不同于人的腹腔发音系统，容易“一气呵成”，钢琴是槌子击弦发音的，它的物理声学特性是，每次击弦发音后，声音衰减较快，这就给钢琴连奏带来困难。所以被许多人喻为最难演奏，也是最能说明钢琴家钢琴演奏功底的深浅。最常见的不连贯弹奏是手指没有克服琴键阻力的足够力量，不具备集中的击发力。因而不自觉地借助胳膊用胳膊推，这必然是一个一个音地使劲，像打夯似的，声音弹不“实”，弹不均匀，力量控制不好，当然不会产生连贯的声音。这是初学者常见的现象。说明基本功不扎实的缘故。!

　　还有用高抬手使劲击落下键的方法来代替所有触键和力度控制。如此敲击式的弹奏，必然在手指间缺乏联系且下键动作单一、粗暴，声音亦相应粗糙，缝隙亦相应偏大。很多儿童弹奏的连音亦是如此状况。

　　应该说：“颗粒性”的弹奏基本功训练，是强化训练所必须的，但连奏是比较复杂的技术。根据钢琴发音原理，击发力是必须的，同时又要将这种击发力融合、衔接起来，这才比较容易弹好连奏。它要求手指本身具备一定的自如延绵的控制力量，所以，只注意“颗粒性”的弹奏，而忽视歌唱性的连奏，是当今许多人学习钢琴过程中应该纠正的不良倾向。

　　要训练“连奏”，可选择稍慢如歌的练习曲或乐曲(歌曲)，按要求的速度，以通畅而集中的力度，用手指前端肉垫处在几乎触及键盘的位置、有准备地用力，速度稍慢却弹到底。同时，在手指进行时，体会指和腕的配合。以腕的传递使手指横向移动，尽可能减少手指击键之间的缝隙或距离，这样才会使声音连贯。

　　在快速的歌唱性乐句中，更要做到手指触键，用尽可能小的动作使音与音之间不露缝隙，使声音如同连绵起伏的山峦一样自然，触键的深度控制的恰到好处。

　　手指和键盘之间有一种吸引力，好像琴键是手指的延长，又好像手指长在琴键上，它和高抬指的“颗粒状”弹奏是有很大区别的。这也是我们应该认清的。

　　仅有上述方法还不足以弹好歌唱性的“连音”。更重要的是乐句训练和处理。即从作品的内容出发，研究乐句的结构和造型，将每个乐句作美学上的处理，使每个乐句有比较正确的方向和总体造型。

　　每个乐句都有始有收，都具有起与伏及乐句间的起、承、转、合这些客观存在的内在规律。最重要的问题在于演奏者对作品及其内容的认识、挖掘和处理，目的只为使每个乐句具有声乐或文学表现的特征，而不是狭义的连奏。

　　比如，我们常遇见的乐谱中“<>”标记的乐句，是表明乐句的渐强渐弱的起伏，是往“中间走”的，是呈橄榄型态的渐强渐弱，它像数学中所讲的“抛物线”，有起点有落点或终点，也有最高点或最低点……

　　当然，高超的音乐表演或弹奏，需有丰富的联想和心理感应。所以，好的演奏似乎是信手拈来，其实成熟的演奏家对种种技术问题，无一不有科学的分析，周密的设计，恰当的处理。他们手下的浓淡刚柔、强弱快慢、节奏或速度的紧缩与延伸都是经过深思熟虑，都是建立在对作曲家、对作品的深人研究的基础上。其中包括作曲家生活时代和生平、创作特征和个性、作品的社会背景以及作品的曲式、技法等等都恰好地“融进”演奏之中。

　　综上所述，连奏的技术训练和对乐句乃至乐曲内容的美学处理问题，是我们弹好连奏，使钢琴的音色富于歌唱性的关键所在，是钢琴弹奏所最终要达到的主要目标之一。

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