音乐剧的类型有哪些

时间：2022-11-23 14:15:03 影视戏剧我要投稿

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音乐剧的类型有哪些

　　音乐剧由喜歌剧及轻歌剧(或称“小歌剧”)演变而成的，早期称作“音乐喜剧”，后来简称为“音乐剧”，下面小编给大家介绍音乐剧的类型有哪些，希望对大家有所帮助，欢迎阅读!

音乐剧的类型有哪些

　　百老汇音乐剧

　　像“好莱坞”与美国电影的关系一样，一提起“百老汇”人们便会很自然地想到美国戏剧。“百老汇”是纽约市曼哈顿区的一条大街的名称。在这条大街的中段一直是美国商业性戏剧娱乐的中心，因此“百老汇”就成为美国戏剧活动的代名词了。百老汇曾经有非常辉煌的历史，这是与美国商业音乐剧的历史密切相联系的。百老汇音乐剧(Broadway Musicals)的前身是黑人游艺表演、滑稽剧、歌舞杂剧等，比较多地受爵士乐、摇摆乐的影响，其舞蹈有独创的百老汇风格。1904年，比特尔·琼斯明确了音乐剧的概念，真正有代表性的剧目是1927年的《演出船》，它综合地把歌曲、舞蹈和故事情节、话剧表演结合起来。可以说，是音乐剧把美国风格的爵士乐和与爵士乐配合得摇摆性很强的舞蹈成功地结合在一起。《俄克拉荷马》、《西区故事》、《平步青云》都是在百老汇相继走红的重要音乐剧目。此外在百老汇经年不衰的音乐剧有：《歌剧院幽灵》、《悲惨世界》、《西贡小姐》、《美女与野兽》等。

　　黑人音乐剧

　　音乐剧表现手段从以欧洲为主移向以美国为主，就是因为黑人的褴褛时代爵士乐、灵魂音乐、游吟和忧伤蓝调的流行。再后来的摇摆乐也有强烈的黑人音乐背景。著名的黑人音乐剧包括《演出船》、《波吉和贝丝》、《天空小屋》、《圣路易斯的女人》、《花之房》(1954年)、《牙买加》等等。

　　伦敦西区音乐剧

　　伦敦西区音乐剧更多地受歌剧和轻歌剧的影响。英国音乐剧的发展很少在舞蹈方面做特别突出的改进，这里的艺术形式的结合是把歌剧、轻歌剧的传统以及音乐喜剧的传统与爵士乐、踢踏舞和芭蕾进行一定程度的结合。20世纪70年代，英国出现了两位音乐剧创作巨匠：安德鲁·洛依德·韦伯和蒂姆·莱斯，随即英国音乐剧就出现艺术上的转折。在风格上，韦伯创作的音乐剧偏重音乐，舞蹈相对较少;在制作上，英国音乐剧著名制作人卡麦隆·麦金托什非常注重把舞台上的各种技术——布景、服装、灯光等与其他手段结合起来。很快百老汇感到了来自伦敦西区的巨大压力和挑战。伦敦西区的著名音乐剧包括《悲惨世界》、《西贡小姐》(1991年才移师纽约的百老汇)、《猫》、《歌剧院的幽灵》(后来移师纽约百老汇)等等。此外，似乎所有的音乐剧从伦敦搬到百老汇都能获得成功，比如《象棋》、《男朋友》、《奥利弗》、《可爱的战争》、《查里姑娘》等等，无不如此。

　　西方音乐剧

　　音乐剧起源可以追溯到十九世纪的轻歌剧(Operetta)、喜剧(Comedy)和黑人剧(Minstrel Shows)。

　　初期的音乐剧并没有固定剧本，甚至包含了杂技、马戏等等元素。自从1927年演艺船(画舫璇宫)开始着重文本之后，音乐剧开始踏入它的黄金岁月。这时期的音乐剧多宣扬乐观思想，并经常以大团圆的喜剧结局。直至1960年代摇滚乐和电视普及之前，音乐剧一直是最受美国人欢迎的娱乐和演艺形式。1980年代以后，英国伦敦西区(West End)的音乐剧演出蓬勃，已经追上百老汇的盛况。后来甚至出现法文的音乐剧，如悲惨世界(后改编为英文版，曾在百老汇演出)、星梦Starmania、钟楼怪人、罗密欧与茱丽叶、小王子等等。

　　My Fair Lady Playbill with Julie Andrews and Rex Harrison而随着英国和美国的音乐剧经常在世界各地巡回演出，音乐剧也开始在日本、韩国、中国内地、中国台湾、中国香港、新加坡等亚洲地区流行。参见亚洲的音乐剧。

　　音乐剧唱歌技巧

　　第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。

　　第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。

　　第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。

　　第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。

　　第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。

　　理解歌词

　　在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。

　　在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满……

　　开口与吐词

　　说话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。

　　演唱国语歌，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。

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